lunes, 29 de diciembre de 2014

Big Eyes (2014)**

Dir: Tim Burton
Int: Amy Adams, Christoph Waltz, Danny Huston, Jason Schwartzman, Krysten Ritter, Terence Stamp, Heather Doerksen, Emily Fonda, Jon Polito, Steven Wiig, Emily Bruhn, David Milchard, Elisabetta Fantone, Connie Jo Sechrist, James Saito.


Narra la historia de Margaret (Amy Adams) y Walter Keane (Christoph Waltz) . En los años 50 y 60 del siglo pasado, tuvieron un éxito enorme los cuadros que representaban niños de grandes ojos. La autora era Margaret, pero los firmaba Walter, su marido, porque, al parecer, él era muy hábil para el marketing. Un guión de Scott Alexander y Larry Karaszewski que apoyándose en la vida de estos personajes reales, intenta sumergirse en ese mundo de seres tiernos e inadaptados tan querido por Tim Burton. Su personal estilo, quizás por la necesidad  de ajustarse a los sucesos reales, o por la evidente falta de mordiente que tiene la historia, parece diluirse y derivar hacia una película complaciente, "blandita", para todos los públicos y con el necesario final feliz. A la hora de salvar algunos detalles, quizá habría que destacar el esfuerzo por reconstruir unos ambientes característicos de finales de los años 50 e inicios de los 60 (en algún momento, estamos a punto de ver aparecer a Eduardo Manostijeras doblando una de las esquinas de las típicas urbanizaciones californianas donde viven nuestros protagonistas) y también algunos detalles sobre la mercantilización del arte, el universo del pop art, el concepto del kitchs y las inevitables menciones a Andy Warhol...Habrá que seguir esperando para 
volver a contemplar una película de Tim Burton que merezca la pena...  

RS.

-Aragonia, Palafox, Yelmo- 

Musarañas (2014)**

Dir: Juanfer Andrés y Esteban Roel
Int: Macarena Gómez, Nadia de Santiago, Hugo Silva, Luis Tosar, Gracia Olayo, Lucía González, Carolina Bang, Silvia Alonso, Asier Etxeandia, Josean Pérez.




España, años 50. Montse (Macarena Gómez) ha perdido su juventud cuidando de su hermana pequeña (Nadia de Santiago), con la que vive en un siniestro piso del centro de Madrid. Tras la muerte de su madre, su padre (Luis Tosar) desaparece, dejándolas solas. Montse padece agorafobia pero no lo sabe y se esconde de la vida, entre cuatro paredes, volviéndose cada vez más obsesiva y desequilibrada. Trabaja de costurera y el único eslabón que la une con la realidad es su hermana. Un día ocurre algo extraordinario: Carlos (Hugo Silva), un vecino joven e irresponsable, se cae por la escaleras y pide ayuda llamando a la puerta de Montse. Un guión escrito por Juanfer Andrés y Sofía Cuenca, a partir de una idea original de Emma Tusell, que pretendía conjugar thriller,  cine de terror y ambientación histórica (en la no menos terrorífica España de los años 50), pero centrada en la vida cotidiana de una familia marcada por una idea castrante de la religión y de los abusos familiares. No es extraño que Álex de la Iglesia se interesara en apoyar con su producción una línea temática que directa o indirectamente siempre están en su cine. Seguro que también le atrajo el giro decidido hacia el giallo, un subgénero italiano muy de boga en los setenta, que llenó de chorretones de sangre las pantallas de cine de todo el mundo; ahora ya casi olvidado, recibe un "sentido" homenaje en Musarañas. Sus jóvenes artífices (Juanfer Andrés, Esteban Roel, Sofía Cuenca y Emma Tusell) debutan como directores y guionistas en el mundo del largometraje, pero todos tienen ya cierta experiencia en otros cometidos en el mundo del cine y las series televisivas. Aunque, en general, está bien resuelta técnicamente y ofrece un trabajo bastante correcto de actores (Esteban Roel, sí tenía experiencia en esa faceta), parece evidente que con la duración de un cortometraje -vamos a poner unos veinte minutos- esta historia se habría contado a la perfección. Una trama alargada de un modo excesivamente artificioso y sometida a las "leyes" del giallo, harán insufribles para muchos está decepcionante incursión en el cine de género a la española...   

RS.

-Aragonia, C. Grancasa,Palafox, Puerto Venecia, Yelmo-

lunes, 22 de diciembre de 2014

Mr. Turner (2014)****

Dir: Mike Leigh
Int: Timothy Spall, Jamie Thomas King, Roger Ashton-Griffiths, Robert Portal, Lasco Atkins, John Warman, Paul Jesson, Dorothy Atkinson, Marion Bailey.



Biografía sobre el pintor británico, J. M. W. Turner (1775-1851), interpretado con brillantez por Timothy Spall, uno de los actores preferidos del director británico Mike Leigh. Turner fue en su época un artista reconocido,  ilustre miembro de la Royal Academy of Arts. El guión, escrito por el propio Mike Leigh nos lo sitúa, al inicio del film, en una época de éxito artístico, pero también de un total y despreocupado naufragio familiar. Separado de su mujer, vive con su padre (Paul Jesson) y Hannah (Dorothy Atkinson), su fiel ama de llaves, personaje repulsivo y tierno al tiempo; por otro lado  característico del cine de Leigh, que adquiere con unos pocos gestos y su aspecto, jorobado y desvalido, una gran presencia en el film. Turner es amigo de aristócratas, visita burdeles, se deja llevar por sus apetitos sexuales (más bien poco sofisticados) y viaja frecuentemente en busca de imágenes que captar en su retina y llevar al lienzo. A pesar de su fama, cuando decide ir más allá  en sus experiencias en la percepción de la realidad, también termina por recibir burlas del público y el sarcasmo de la sociedad, quizás poco preparadas para las avanzadas imágenes de un pintor que, adelantado a su tiempo, fue capaz de empezar a intuir lo que el desarrollo de la tecnología y el maquinismo influirían en nuestra manera de percibir el mundo; obsesionado por captar la luz ("¡El sol es díos!", exclama, poco antes de morir), fue admirado, a finales del siglo XIX y comienzos del XX, por los pintores impresionistas y expresionistas. Profundamente afectado por la muerte de su padre, decide aislarse. Su vida cambia y adquiere en los últimos años una cierta estabilidad, cuando conoce a Mrs Booth (Marion Bailey), propietaria de una pensión familiar a orillas del mar.
Estamos ante una de las mejores películas del año, y seguramente una de las más brillantes reconstrucciones de la vida de un pintor que hemos podido disfrutar en mucho tiempo. La ambientación histórica es magistral, el trabajo con la luz del director de fotografía Dick Pope es perfecto, capaz de introducirnos en la retina de Turner y describirnos los paisajes, luces, colores y contornos que apasionaron al pintor. Y lo más difícil de lograr, Leigh ha llevado a su personal mundo este biopic  (al igual que en la brillante e inquietante película Secretos y mentiras de 1996) . Lo ha convertido en un nuevo capítulo de su investigación sobre los aspectos más terribles del ser humano, escarbando, sin miedo, en nuestras más bajas pasiones y demostrando, en el caso de este personaje, que su obsesión creativa, que la capacidad para dibujar y pintar de este hijo de un humilde barbero del Covent Garden londinense, lo elevarían a uno de los lugares más elevados de la creación artística... 

RS.

-Aragonia-

domingo, 21 de diciembre de 2014

El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos (2014)**

Dir: Peter Jackson
Int: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, Luke Evans, James Nesbitt, Aidan Turner, Evangeline Lilly, Ken Stott, Graham McTavish, Jed Brophy, Stephen Hunter, John Callen, Adam Brown, Dean O'Gorman, William Kircher, Peter Hambleton, Mark Hadlow, Cate Blanchett, Lee Pace, Orlando Bloom, Hugo Weaving, Billy Connolly, Christopher Lee, Stephen Fry, Ryan Gage, Ian Holm, Sylvester McCoy, Manu Bennett.


Después de haber recuperado el reino del Dragón Smaug, la Compañía ha desencadenado, sin querer, una potencia maligna. Un Smaug enfurecido vuela hacia la Ciudad del Lago para acabar con cualquier resto de vida. Obsesionado sobre todo con el reino recuperado, Thorin (Richard Armitage) sacrifica la amistad y el honor para mantenerlo mientras que Bilbo (Martin Freeman) intenta frenéticamente hacerle ver la razón por la que el hobbit toma una decisión desesperada y peligrosa. Pero hay aún mayores peligros por delante. Sin la ayuda aparente del mago Gandalf (Ian McKellen), su gran enemigo Sauron ha enviado legiones de orcos hacia la Montaña Solitaria en un ataque furtivo. Cuando la oscuridad se cierna sobre ellos, las razas de los Enanos, Elfos y Hombres deben decidir si unirse o ser destruidos. Bilbo se encontrará así en mitad de la batalla épica de los Cinco Ejércitos, donde el futuro de la Tierra Media está en juego. 
Philippa Boyens, Peter Jackson, Fran Walsh y Guillermo del Toro son el equipo de guionistas que, en lugar de convertir la novela en una película única (en principio, era un simple cuento infantil escrito por J. R. R.Tolkien para sus hijos en los años veinte y publicado al final en 1937), se esforzaron en desarrollarla hasta transformarla en una trilogía que, al final, parece un pesado desarrolo clónico de la trilogía inicial de El señor de los anillos. De nuevo, una compleja producción que ha terminado convirtiendo la, para muchos, mejor y más ligera entrega de la saga sobre la Tierra Media de Tolkien, en un monstruo pesado -¿un troll?-, de escasa movilidad, aterrador e impresionante, pero fácil de avatir. Creo que ni siquiera con una mirada joven e inexperta, podría aceptarse esta aparatosa y fallida versión en tres capítulos de The Hobbit, or There and Back Again.

RS.

-Aragonia, C. Grancasa, Palafox, Puerto Venecia, Yelmo-

jueves, 18 de diciembre de 2014

Huidas (2014)***

Dir: Mercedes Gaspar
Int: Hui Chi Chiu, Liberto Rabal, Asunción Balaguer, Laura de Pedro, Omar Badreddine,Vicente Gil, Zoe Berriatúa, Josele Román.  


China (Hui Chi Chiu) es el nombre de una fotógrafa norteamericana, de origen hispano-chino, que tras la reciente muerte de su padre, decide emprender un viaje por España para reencontrarse con sus raíces. La historia y el guión de Huidas fueron  escritos por  la aragonesa Mercedes Gaspar, nacida en Calanda (Teruel), una de las más brillantes realizadoras de cine de animación españolas, ganadora de un Premio Goya por El sueño de Adán (1994), y siempre fiel a un estilo cercano al surrealismo, con un sentido del humor, aparentemente naïf, pero reflexivo e inteligente, se ha movido en la marginalidad forzada del cine experimental y en el mundo del cortometraje, que parecían ajustarse mejor a sus inquietudes artísticas. En Huidas, afronta su primer largometraje, y sin dejar de lado su personal estilo, ha concebido un trabajo que podría llegar a un público más amplio, si encontrara una distribución comercial suficiente. El viaje, la ruta a través de una imaginada geografía española, para intentar encontrarse con los fantasmas del pasado, y chocarse con una cruda realidad, difícil de superar. Mercedes Gaspar logra hablarnos de la violencia de género, del maltrato infantil, de la interculturalidad, y utiliza, en palabras de la propia realizadora, estructuras y situaciones de los cuentos y fábulas fantásticos, introduce algunas de sus imaginativas animaciones, transmitiendo al mismo tiempo una sensación de proximidad y lejanía, a medida que nos va desvelando este "cuento chino".
Se estrenó en Zaragoza (Salas Aragonia) durante la reciente edición 19 del Festival de
Cine de Zaragoza, y ahora hemos podido verlo en Proyectaragón,  la VIII Muestra Audiovisual Aragonesa.

RS.

-Proyectaragón, Centro de Historias, Ayuntamiento de Zaragoza-

miércoles, 17 de diciembre de 2014

La señorita Julia (Miss Julie, 2014)***

Dir: Liv Ullmann
Int: Jessica Chastain, Colin Farrell, Samantha Morton, Nora McMenamy

Una nueva adaptación del clásico teatral de August Strindberg (Fröken Julie, 1888) que nos narra la historia de la hija de un rico terrateniente que seduce a su criado durante la noche de San Juan. La actriz noruega Liv Ullman fue una de las preferidas del maestro sueco Ingmar Bergman, y desde el año 1982 ha dirigido varios trabajos de ficción y un documental. Dirigió con especial solvencia Infiel (2000), un guión de Ingmar Bergman, y ha tardado catorce años en volver a ponerse detrás de la cámara. Una vez más, su valía como intérprete ha potenciado el trabajo de los actores (especialmente brillante en el caso de Jessica Chastain). Ullmann se ha ocupado también de adaptar la obra teatral del conocido dramaturgo sueco, que ha tenido en el cine no pocas adaptaciones (recordemos, aunque sólo sea como breves citas, la del sueco Alf Sjöberg de 1951 con Anita Björk, o la del inglés Mike Figgis de 1999 con Saffron Burrows). Ullmann ha trasladado la acción a Irlanda, en una época y localización semejantes a la del original sueco, justificando de algún modo el rodaje en inglés; y ha respetado con maestría la escenografía teatral, superándola en momentos puntuales de gran eficiencia visual y estética. El teatro "naturalista" de Strindberg se convierte aquí, en un cine sofisticado, a la búsqueda de la profundización psicológica, y de los límites entre los sentimientos amorosos, la atracción sexual, y las dificultades para que se desarrollen entre seres humanos profundamente lastrados en sus comportamientos, por sus diferentes orígenes sociales (el conflicto irresoluble entre la hija del amo y su sirviente).

RS.

-Palafox-

domingo, 14 de diciembre de 2014

20.000 días en la Tierra (20,000 Days on Earth, 2014)***

Dir: Iain Forsyth y Jane Pollard
Int: Nick Cave, Susie Cave, Warren Ellis, Darian Leader, Ray Winstone, Blixa Bargeld, 
Kylie Minogue, Arthur Cave, Earl Cave


Drama y realidad se combinan en 24 horas ficticias en la vida del músico  Nick Cave. Con ideas sorprendentes y un íntimo retrato del proceso artístico, la película examina lo que nos hace ser lo que somos y celebra el poder transformador del espíritu creativo. La pareja de realizadores británicos Iain Forsyth y Jane Pollard han construido un bello artefacto cinematográfico difícil de clasificar. Apoyándose en la poliédrica personalidad creativa del músico y compositor australiano Nick Cave, nos ofrecen una reflexión sobre la vida y el arte de sorprendente categoría. Las canciones de Nick Cave ya han aparecido en más de setenta producciones audiovisuales y como compositor de música cinematográfica tiene, al menos, dos títulos memorables: El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (2007) y La carretera (2009), dos trabajos que no hacen más que ratificar un aspecto narrativo y de creación de ambientes cada vez más presente en las canciones de este peculiar músico, que ha trascendido el rock & roll y creado un estilo muy personal y complejo. 
Por cierto, en Zaragoza, la iniciativa del Centro Musical de Las Armas (dependiente del Ayuntamiento de Zaragoza), ha permitido su estreno, en el conjunto de una cuidada selección de títulos cinematográficos actuales que vinculaban cine y música. Feliz iniciativa, que ha beneficiado a los ávidos de un cine menos encasillado y convencional... 

RS.

-Centro Musical de Las Armas-

martes, 9 de diciembre de 2014

Magía a la luz de la luna (Magic in the Moonlight, 2014)**

Dir: Woody Allen
Int: Emma Stone, Colin Firth, Marcia Gay Harden, Jacki Weaver, Eileen Atkins, Simon McBurney, Hamish Linklater, Erica Leerhsen, Jeremy Shamos, Antonia Clarke, Natasha Andrews, Valérie Beaulieu, Peter Wollasch, Jürgen Zwingel, Wolfgang Pissors, Sébastien Siroux, Catherine McCormack. 


Ambientada en Europa, especialmente en la costa mediterránea de Francia, a finales de los años 20, durante la época dorada del jazz para así ajustarse a la perfección a la ya conocida pasión de Allen por ese estilo musical norteamericano pero que ya estaba muy presente en los ambientes refinados de la Costa Azul, frecuentados por los turistas anglosajones (norteamericanos e ingleses, fundamentalmente), entre los que se desenvuelve, precisamente, nuestro protagonista,  un mago inglés (Colin Firth) que está decidido a desenmascarar a una falsa médium (Emma Stone), desencadenando una serie de hechos que mucho que tienen que ver con el amor y que sacudirán la vida de ambos. Esta película es un buen ejemplo de lo que ocurre con buena parte de la reciente producción de Allen: tenemos la sensación de que todo ya está visto, de que surgen del mínimo esfuerzo y que son un puro divertimento sin demasiadas pretensiones. La agilidad a la hora de construir los diálogos es una de sus marcas de fábrica, también lo es el buen trabajo con los actores, aunque aquí Colin Firth  (Stanley/Wei Ling Soo) esté, sobre todo al principio, al borde de la simple recreación paródica del mismo Allen. Una película que debería clasificarse entre las "prescindibles", una suave comedia romántica con unas mínimas, casi imperceptibles gotas de la ya conocida ironía de Allen. Lo peor de todo es que aunque se puede disfrutar de su virtuosismo, la sensación de ya haberla visto, de prever sin dudas su desenlace, es muy poderosa y no estamos para perder el tiempo, ni siquiera con la entrega anual de Woody Allen.

RS.

-Aragonia, Puerto Venecia-

Exodus: Dioses y reyes (Exodus: Gods and Kings, 2014)***

Dir: Ridley Scott
Int: Christian Bale, Joel Edgerton, Aaron Paul, Sigourney Weaver, Ben Kingsley, Emun Elliott, 
John Turturro, María Valverde, Anton Alexander, Indira Varma, Ben Mendelsohn, Golshifteh Farahani, Hiam Abbass, Kevork Malikyan, Andrew Tarbet, Aaron Neil, Anna Savva, Barrie Martin, Gerard Monaco, Ghassan Massoud.

Narra la historia de Moisés (Christian Bale), un hombre cuyo coraje desafió a un imperio cuando se rebela contra el todopoderoso faraón Ramsés (Joel Edgerton), liberando a 600.000 esclavos en una épica huida a través de Egipto en busca de la Tierra Prometida. Hay en el filme de Ridley Scott un serio intento por actualizar, si esto es posible,la viaja narración bíblica, por aunar criterios de espectacularización, con un cierto revisionismo historicista. En ese último punto, los errores de bulto sobre la época (siglo XIV a. C.) son tan enormes como las propias pirámides y por ello vamos a dejar claro que el filme no podrá servirnos como reconstrucción verosímil del Egipto de la Antigüedad, sino como puesta al día de los mitos fundacionales de la religión judeo-cristiana. Que Ridley Scott es un artesano competente, nadie lo duda. De hecho los 150 minutos de la función se me han pasado volando, gracias al dinámico montaje de las escenas de choque (batallas, plagas, paso del Mar Rojo, etc...) y los esquemáticos diálogos. A Ridley le gusta contar sobre todo en imágenes, entiende que el espectáculo está en ellas y potencias siempre su valor. También me ha llamado la atención la explicación sintética de las actividades "terroristas" de los hebreos sojuzgados por el "estado egipcio", que lógicamente y sin demasiado esfuerzo, recuerdan a otro pueblo sojuzgado, en tiempos actuales, por el estado de Israel, ese que fundaron Moisés y sus seguidores. También es original la idea en la que se representa la aparición de Yahveh, y sugerente su relación conflictiva con el propio Moisés, aunque este último aspecto haya sido ya definitorio de casi todas las interpretaciones -marcaron la pauta las de Charlton Heston y Burt Lancaster- de adaptaciones anteriores.No podemos dejar de destacar lo convincentes que quedan los paisajes de Almería y de la isla de Fuerteventura que han servido como espacios privilegiados para el rodaje de las escenas fuera de los Pinewood Studios de Londres; y que la aportación de María Valverde (como Séfora, la mujer de Moisés) está como mínimo al mismo nivel que el resto del numeroso reparto.

RS.

-Aragonia, C. Grancasa, Palafox, Puerto Venecia, Yelmo-


lunes, 8 de diciembre de 2014

Perdida (Gone Girl, 2014)****

Dir: David Fincher
Int: Ben Affleck, Rosamund Pike, Neil Patrick Harris, Tyler Perry, Kim Dickens, Patrick Fugit, 
Carrie Coon, Missi Pyle, Kathleen Rose Perkins, Scoot McNairy, Sela Ward, Emily Ratajkowski, Lee Norris, Casey Wilson, Lyn Quinn, Lola Kirke, David Clennon, Lola Kirke.


El día de su quinto aniversario de boda, Nick Dunne (Ben Affleck) informa que su esposa Amy (Rosamund Pike) ha desaparecido misteriosamente. Pero pronto la presión policial y mediática hace que el retrato de felicidad doméstica que ofrece Nick empiece a tambalearse. Además, su extraña conducta lo convierte en sospechoso, y todo el mundo comienza a preguntase si Nick mató a su esposa... Guión de Gillian Flynn, adaptando su propia novela. Fincher ha seguido con fidelidad los aconteceres novelísticos, sobre todo por que le han permitido adentrarse en un thriller moderno que quizás, si Hitchcock hubiera vivido en la actualidad, no habría filmado de modo muy diferente. El director de Seven (1995) o Zodiac (2007) parece lógico que se sienta cómodo con esta historia que le permite bucear en ciertas patologías de la sociedad norteamericana -quizás ya extendidas a todo el mundo-, fuertemente condicionada por el sensacionalismo que dirige los medios y que parece una campaña premeditada, y de larga duración, para idiotizar a la población. Las manipulaciones extremas que permiten los medios de comunicación norteamericanos son empleadas por los personajes de esta historia como arma arrojadiza -en ocasiones como un arma blanca, y no quiero dar más detalles...-. Lo que sí consigue el director de la ya mítica El club de la lucha (1999) -por cierto, otra excelente adaptación- es servirse de la minuciosa descripción de los hechos, desde el doble punto de de vista de Marido y Mujer, para ir haciendo un retrato de la putrefacción que oculta la opulenta sociedad del consumo patrocinada por los adalides de la democracia capitalista...

RS.

-Aragonia, Palafox, Yelmo-

lunes, 1 de diciembre de 2014

The Zero Theorem (2013)**

Dir: Terry Gilliam
Int: Christoph Waltz, Matt Damon, Tilda Swinton, Mélanie Thierry, David Thewlis, Ben Whishaw, Peter Stormare, Sanjeev Bhaskar


Qohen Leth (Christoph Waltz) es un excéntrico genio de los ordenadores que vive en un mundo corporativo controlado por una oscura figura llamada "Dirección" (Matt Damon). Recluido en el interior de una capilla en ruinas, Qohen trabaja en la solución a un extraño teorema, un proyecto que podría descubrir la verdad sobre su alma y el significado de la existencia (o la falta del mismo) de una vez por todas. Historia de Pat Rushin, el primer trabajo como guionista de este escritor norteamericano que por lo absurdo y surrealista de la trama básica podría haber firmado igualmente Terry Gilliam. Este veterano realizador (74 años), siempre será recordado como el miembro norteamericano del espectacular grupo británico de los Monty Python,  entregados al cine y la televisión con un sentido del humor y de la fantasía audiovisual ciertamente brillantes. Como realizador, Gilliam, ha firmado al menos tres películas estupendas que probablemente no podrá volver a emular: Brazil (1985), El rey pescador (1991) y Doce monos (1995). El que vaya a ver una película de Terry Gilliam debe saber que se introduce en un mundo muy personal, marcado por la demencia, el surrealismo y el absurdo. Suelen ser brillantes el diseño de producción, el reparto y hasta es posible -por decepcionante que resulte el film- que nos sorprenda por la recreación de futuros imposibles, pero inquietantemente cercanos. Gilliam que ya había hecho su personal adaptación de la "orweliana" 1984en Brazil (colaborando en el guión con Tom Stoppard y Charles McKeown), vuelve a intentar sumergirse en un futuro distópico en el que "la realidad" parece formar parte un juego por ordenador de mala calidad. Lo dicho, alguna que otra buena idea, una brillante dirección artística y nada más. La película es difícil de soportar. Se parece demasiado a un pésimo videojuego, es confusa, nada estimulante e incluso sus actores protagonista, siempre brillantes en otras ocasiones, están despistados y poco afortunados. 

RS.

-Aragonia-