lunes, 29 de diciembre de 2014

Big Eyes (2014)**

Dir: Tim Burton
Int: Amy Adams, Christoph Waltz, Danny Huston, Jason Schwartzman, Krysten Ritter, Terence Stamp, Heather Doerksen, Emily Fonda, Jon Polito, Steven Wiig, Emily Bruhn, David Milchard, Elisabetta Fantone, Connie Jo Sechrist, James Saito.


Narra la historia de Margaret (Amy Adams) y Walter Keane (Christoph Waltz) . En los años 50 y 60 del siglo pasado, tuvieron un éxito enorme los cuadros que representaban niños de grandes ojos. La autora era Margaret, pero los firmaba Walter, su marido, porque, al parecer, él era muy hábil para el marketing. Un guión de Scott Alexander y Larry Karaszewski que apoyándose en la vida de estos personajes reales, intenta sumergirse en ese mundo de seres tiernos e inadaptados tan querido por Tim Burton. Su personal estilo, quizás por la necesidad  de ajustarse a los sucesos reales, o por la evidente falta de mordiente que tiene la historia, parece diluirse y derivar hacia una película complaciente, "blandita", para todos los públicos y con el necesario final feliz. A la hora de salvar algunos detalles, quizá habría que destacar el esfuerzo por reconstruir unos ambientes característicos de finales de los años 50 e inicios de los 60 (en algún momento, estamos a punto de ver aparecer a Eduardo Manostijeras doblando una de las esquinas de las típicas urbanizaciones californianas donde viven nuestros protagonistas) y también algunos detalles sobre la mercantilización del arte, el universo del pop art, el concepto del kitchs y las inevitables menciones a Andy Warhol...Habrá que seguir esperando para 
volver a contemplar una película de Tim Burton que merezca la pena...  

RS.

-Aragonia, Palafox, Yelmo- 

Musarañas (2014)**

Dir: Juanfer Andrés y Esteban Roel
Int: Macarena Gómez, Nadia de Santiago, Hugo Silva, Luis Tosar, Gracia Olayo, Lucía González, Carolina Bang, Silvia Alonso, Asier Etxeandia, Josean Pérez.




España, años 50. Montse (Macarena Gómez) ha perdido su juventud cuidando de su hermana pequeña (Nadia de Santiago), con la que vive en un siniestro piso del centro de Madrid. Tras la muerte de su madre, su padre (Luis Tosar) desaparece, dejándolas solas. Montse padece agorafobia pero no lo sabe y se esconde de la vida, entre cuatro paredes, volviéndose cada vez más obsesiva y desequilibrada. Trabaja de costurera y el único eslabón que la une con la realidad es su hermana. Un día ocurre algo extraordinario: Carlos (Hugo Silva), un vecino joven e irresponsable, se cae por la escaleras y pide ayuda llamando a la puerta de Montse. Un guión escrito por Juanfer Andrés y Sofía Cuenca, a partir de una idea original de Emma Tusell, que pretendía conjugar thriller,  cine de terror y ambientación histórica (en la no menos terrorífica España de los años 50), pero centrada en la vida cotidiana de una familia marcada por una idea castrante de la religión y de los abusos familiares. No es extraño que Álex de la Iglesia se interesara en apoyar con su producción una línea temática que directa o indirectamente siempre están en su cine. Seguro que también le atrajo el giro decidido hacia el giallo, un subgénero italiano muy de boga en los setenta, que llenó de chorretones de sangre las pantallas de cine de todo el mundo; ahora ya casi olvidado, recibe un "sentido" homenaje en Musarañas. Sus jóvenes artífices (Juanfer Andrés, Esteban Roel, Sofía Cuenca y Emma Tusell) debutan como directores y guionistas en el mundo del largometraje, pero todos tienen ya cierta experiencia en otros cometidos en el mundo del cine y las series televisivas. Aunque, en general, está bien resuelta técnicamente y ofrece un trabajo bastante correcto de actores (Esteban Roel, sí tenía experiencia en esa faceta), parece evidente que con la duración de un cortometraje -vamos a poner unos veinte minutos- esta historia se habría contado a la perfección. Una trama alargada de un modo excesivamente artificioso y sometida a las "leyes" del giallo, harán insufribles para muchos está decepcionante incursión en el cine de género a la española...   

RS.

-Aragonia, C. Grancasa,Palafox, Puerto Venecia, Yelmo-

lunes, 22 de diciembre de 2014

Mr. Turner (2014)****

Dir: Mike Leigh
Int: Timothy Spall, Jamie Thomas King, Roger Ashton-Griffiths, Robert Portal, Lasco Atkins, John Warman, Paul Jesson, Dorothy Atkinson, Marion Bailey.



Biografía sobre el pintor británico, J. M. W. Turner (1775-1851), interpretado con brillantez por Timothy Spall, uno de los actores preferidos del director británico Mike Leigh. Turner fue en su época un artista reconocido,  ilustre miembro de la Royal Academy of Arts. El guión, escrito por el propio Mike Leigh nos lo sitúa, al inicio del film, en una época de éxito artístico, pero también de un total y despreocupado naufragio familiar. Separado de su mujer, vive con su padre (Paul Jesson) y Hannah (Dorothy Atkinson), su fiel ama de llaves, personaje repulsivo y tierno al tiempo; por otro lado  característico del cine de Leigh, que adquiere con unos pocos gestos y su aspecto, jorobado y desvalido, una gran presencia en el film. Turner es amigo de aristócratas, visita burdeles, se deja llevar por sus apetitos sexuales (más bien poco sofisticados) y viaja frecuentemente en busca de imágenes que captar en su retina y llevar al lienzo. A pesar de su fama, cuando decide ir más allá  en sus experiencias en la percepción de la realidad, también termina por recibir burlas del público y el sarcasmo de la sociedad, quizás poco preparadas para las avanzadas imágenes de un pintor que, adelantado a su tiempo, fue capaz de empezar a intuir lo que el desarrollo de la tecnología y el maquinismo influirían en nuestra manera de percibir el mundo; obsesionado por captar la luz ("¡El sol es díos!", exclama, poco antes de morir), fue admirado, a finales del siglo XIX y comienzos del XX, por los pintores impresionistas y expresionistas. Profundamente afectado por la muerte de su padre, decide aislarse. Su vida cambia y adquiere en los últimos años una cierta estabilidad, cuando conoce a Mrs Booth (Marion Bailey), propietaria de una pensión familiar a orillas del mar.
Estamos ante una de las mejores películas del año, y seguramente una de las más brillantes reconstrucciones de la vida de un pintor que hemos podido disfrutar en mucho tiempo. La ambientación histórica es magistral, el trabajo con la luz del director de fotografía Dick Pope es perfecto, capaz de introducirnos en la retina de Turner y describirnos los paisajes, luces, colores y contornos que apasionaron al pintor. Y lo más difícil de lograr, Leigh ha llevado a su personal mundo este biopic  (al igual que en la brillante e inquietante película Secretos y mentiras de 1996) . Lo ha convertido en un nuevo capítulo de su investigación sobre los aspectos más terribles del ser humano, escarbando, sin miedo, en nuestras más bajas pasiones y demostrando, en el caso de este personaje, que su obsesión creativa, que la capacidad para dibujar y pintar de este hijo de un humilde barbero del Covent Garden londinense, lo elevarían a uno de los lugares más elevados de la creación artística... 

RS.

-Aragonia-

domingo, 21 de diciembre de 2014

El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos (2014)**

Dir: Peter Jackson
Int: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, Luke Evans, James Nesbitt, Aidan Turner, Evangeline Lilly, Ken Stott, Graham McTavish, Jed Brophy, Stephen Hunter, John Callen, Adam Brown, Dean O'Gorman, William Kircher, Peter Hambleton, Mark Hadlow, Cate Blanchett, Lee Pace, Orlando Bloom, Hugo Weaving, Billy Connolly, Christopher Lee, Stephen Fry, Ryan Gage, Ian Holm, Sylvester McCoy, Manu Bennett.


Después de haber recuperado el reino del Dragón Smaug, la Compañía ha desencadenado, sin querer, una potencia maligna. Un Smaug enfurecido vuela hacia la Ciudad del Lago para acabar con cualquier resto de vida. Obsesionado sobre todo con el reino recuperado, Thorin (Richard Armitage) sacrifica la amistad y el honor para mantenerlo mientras que Bilbo (Martin Freeman) intenta frenéticamente hacerle ver la razón por la que el hobbit toma una decisión desesperada y peligrosa. Pero hay aún mayores peligros por delante. Sin la ayuda aparente del mago Gandalf (Ian McKellen), su gran enemigo Sauron ha enviado legiones de orcos hacia la Montaña Solitaria en un ataque furtivo. Cuando la oscuridad se cierna sobre ellos, las razas de los Enanos, Elfos y Hombres deben decidir si unirse o ser destruidos. Bilbo se encontrará así en mitad de la batalla épica de los Cinco Ejércitos, donde el futuro de la Tierra Media está en juego. 
Philippa Boyens, Peter Jackson, Fran Walsh y Guillermo del Toro son el equipo de guionistas que, en lugar de convertir la novela en una película única (en principio, era un simple cuento infantil escrito por J. R. R.Tolkien para sus hijos en los años veinte y publicado al final en 1937), se esforzaron en desarrollarla hasta transformarla en una trilogía que, al final, parece un pesado desarrolo clónico de la trilogía inicial de El señor de los anillos. De nuevo, una compleja producción que ha terminado convirtiendo la, para muchos, mejor y más ligera entrega de la saga sobre la Tierra Media de Tolkien, en un monstruo pesado -¿un troll?-, de escasa movilidad, aterrador e impresionante, pero fácil de avatir. Creo que ni siquiera con una mirada joven e inexperta, podría aceptarse esta aparatosa y fallida versión en tres capítulos de The Hobbit, or There and Back Again.

RS.

-Aragonia, C. Grancasa, Palafox, Puerto Venecia, Yelmo-

jueves, 18 de diciembre de 2014

Huidas (2014)***

Dir: Mercedes Gaspar
Int: Hui Chi Chiu, Liberto Rabal, Asunción Balaguer, Laura de Pedro, Omar Badreddine,Vicente Gil, Zoe Berriatúa, Josele Román.  


China (Hui Chi Chiu) es el nombre de una fotógrafa norteamericana, de origen hispano-chino, que tras la reciente muerte de su padre, decide emprender un viaje por España para reencontrarse con sus raíces. La historia y el guión de Huidas fueron  escritos por  la aragonesa Mercedes Gaspar, nacida en Calanda (Teruel), una de las más brillantes realizadoras de cine de animación españolas, ganadora de un Premio Goya por El sueño de Adán (1994), y siempre fiel a un estilo cercano al surrealismo, con un sentido del humor, aparentemente naïf, pero reflexivo e inteligente, se ha movido en la marginalidad forzada del cine experimental y en el mundo del cortometraje, que parecían ajustarse mejor a sus inquietudes artísticas. En Huidas, afronta su primer largometraje, y sin dejar de lado su personal estilo, ha concebido un trabajo que podría llegar a un público más amplio, si encontrara una distribución comercial suficiente. El viaje, la ruta a través de una imaginada geografía española, para intentar encontrarse con los fantasmas del pasado, y chocarse con una cruda realidad, difícil de superar. Mercedes Gaspar logra hablarnos de la violencia de género, del maltrato infantil, de la interculturalidad, y utiliza, en palabras de la propia realizadora, estructuras y situaciones de los cuentos y fábulas fantásticos, introduce algunas de sus imaginativas animaciones, transmitiendo al mismo tiempo una sensación de proximidad y lejanía, a medida que nos va desvelando este "cuento chino".
Se estrenó en Zaragoza (Salas Aragonia) durante la reciente edición 19 del Festival de
Cine de Zaragoza, y ahora hemos podido verlo en Proyectaragón,  la VIII Muestra Audiovisual Aragonesa.

RS.

-Proyectaragón, Centro de Historias, Ayuntamiento de Zaragoza-

miércoles, 17 de diciembre de 2014

La señorita Julia (Miss Julie, 2014)***

Dir: Liv Ullmann
Int: Jessica Chastain, Colin Farrell, Samantha Morton, Nora McMenamy

Una nueva adaptación del clásico teatral de August Strindberg (Fröken Julie, 1888) que nos narra la historia de la hija de un rico terrateniente que seduce a su criado durante la noche de San Juan. La actriz noruega Liv Ullman fue una de las preferidas del maestro sueco Ingmar Bergman, y desde el año 1982 ha dirigido varios trabajos de ficción y un documental. Dirigió con especial solvencia Infiel (2000), un guión de Ingmar Bergman, y ha tardado catorce años en volver a ponerse detrás de la cámara. Una vez más, su valía como intérprete ha potenciado el trabajo de los actores (especialmente brillante en el caso de Jessica Chastain). Ullmann se ha ocupado también de adaptar la obra teatral del conocido dramaturgo sueco, que ha tenido en el cine no pocas adaptaciones (recordemos, aunque sólo sea como breves citas, la del sueco Alf Sjöberg de 1951 con Anita Björk, o la del inglés Mike Figgis de 1999 con Saffron Burrows). Ullmann ha trasladado la acción a Irlanda, en una época y localización semejantes a la del original sueco, justificando de algún modo el rodaje en inglés; y ha respetado con maestría la escenografía teatral, superándola en momentos puntuales de gran eficiencia visual y estética. El teatro "naturalista" de Strindberg se convierte aquí, en un cine sofisticado, a la búsqueda de la profundización psicológica, y de los límites entre los sentimientos amorosos, la atracción sexual, y las dificultades para que se desarrollen entre seres humanos profundamente lastrados en sus comportamientos, por sus diferentes orígenes sociales (el conflicto irresoluble entre la hija del amo y su sirviente).

RS.

-Palafox-

domingo, 14 de diciembre de 2014

20.000 días en la Tierra (20,000 Days on Earth, 2014)***

Dir: Iain Forsyth y Jane Pollard
Int: Nick Cave, Susie Cave, Warren Ellis, Darian Leader, Ray Winstone, Blixa Bargeld, 
Kylie Minogue, Arthur Cave, Earl Cave


Drama y realidad se combinan en 24 horas ficticias en la vida del músico  Nick Cave. Con ideas sorprendentes y un íntimo retrato del proceso artístico, la película examina lo que nos hace ser lo que somos y celebra el poder transformador del espíritu creativo. La pareja de realizadores británicos Iain Forsyth y Jane Pollard han construido un bello artefacto cinematográfico difícil de clasificar. Apoyándose en la poliédrica personalidad creativa del músico y compositor australiano Nick Cave, nos ofrecen una reflexión sobre la vida y el arte de sorprendente categoría. Las canciones de Nick Cave ya han aparecido en más de setenta producciones audiovisuales y como compositor de música cinematográfica tiene, al menos, dos títulos memorables: El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (2007) y La carretera (2009), dos trabajos que no hacen más que ratificar un aspecto narrativo y de creación de ambientes cada vez más presente en las canciones de este peculiar músico, que ha trascendido el rock & roll y creado un estilo muy personal y complejo. 
Por cierto, en Zaragoza, la iniciativa del Centro Musical de Las Armas (dependiente del Ayuntamiento de Zaragoza), ha permitido su estreno, en el conjunto de una cuidada selección de títulos cinematográficos actuales que vinculaban cine y música. Feliz iniciativa, que ha beneficiado a los ávidos de un cine menos encasillado y convencional... 

RS.

-Centro Musical de Las Armas-

martes, 9 de diciembre de 2014

Magía a la luz de la luna (Magic in the Moonlight, 2014)**

Dir: Woody Allen
Int: Emma Stone, Colin Firth, Marcia Gay Harden, Jacki Weaver, Eileen Atkins, Simon McBurney, Hamish Linklater, Erica Leerhsen, Jeremy Shamos, Antonia Clarke, Natasha Andrews, Valérie Beaulieu, Peter Wollasch, Jürgen Zwingel, Wolfgang Pissors, Sébastien Siroux, Catherine McCormack. 


Ambientada en Europa, especialmente en la costa mediterránea de Francia, a finales de los años 20, durante la época dorada del jazz para así ajustarse a la perfección a la ya conocida pasión de Allen por ese estilo musical norteamericano pero que ya estaba muy presente en los ambientes refinados de la Costa Azul, frecuentados por los turistas anglosajones (norteamericanos e ingleses, fundamentalmente), entre los que se desenvuelve, precisamente, nuestro protagonista,  un mago inglés (Colin Firth) que está decidido a desenmascarar a una falsa médium (Emma Stone), desencadenando una serie de hechos que mucho que tienen que ver con el amor y que sacudirán la vida de ambos. Esta película es un buen ejemplo de lo que ocurre con buena parte de la reciente producción de Allen: tenemos la sensación de que todo ya está visto, de que surgen del mínimo esfuerzo y que son un puro divertimento sin demasiadas pretensiones. La agilidad a la hora de construir los diálogos es una de sus marcas de fábrica, también lo es el buen trabajo con los actores, aunque aquí Colin Firth  (Stanley/Wei Ling Soo) esté, sobre todo al principio, al borde de la simple recreación paródica del mismo Allen. Una película que debería clasificarse entre las "prescindibles", una suave comedia romántica con unas mínimas, casi imperceptibles gotas de la ya conocida ironía de Allen. Lo peor de todo es que aunque se puede disfrutar de su virtuosismo, la sensación de ya haberla visto, de prever sin dudas su desenlace, es muy poderosa y no estamos para perder el tiempo, ni siquiera con la entrega anual de Woody Allen.

RS.

-Aragonia, Puerto Venecia-

Exodus: Dioses y reyes (Exodus: Gods and Kings, 2014)***

Dir: Ridley Scott
Int: Christian Bale, Joel Edgerton, Aaron Paul, Sigourney Weaver, Ben Kingsley, Emun Elliott, 
John Turturro, María Valverde, Anton Alexander, Indira Varma, Ben Mendelsohn, Golshifteh Farahani, Hiam Abbass, Kevork Malikyan, Andrew Tarbet, Aaron Neil, Anna Savva, Barrie Martin, Gerard Monaco, Ghassan Massoud.

Narra la historia de Moisés (Christian Bale), un hombre cuyo coraje desafió a un imperio cuando se rebela contra el todopoderoso faraón Ramsés (Joel Edgerton), liberando a 600.000 esclavos en una épica huida a través de Egipto en busca de la Tierra Prometida. Hay en el filme de Ridley Scott un serio intento por actualizar, si esto es posible,la viaja narración bíblica, por aunar criterios de espectacularización, con un cierto revisionismo historicista. En ese último punto, los errores de bulto sobre la época (siglo XIV a. C.) son tan enormes como las propias pirámides y por ello vamos a dejar claro que el filme no podrá servirnos como reconstrucción verosímil del Egipto de la Antigüedad, sino como puesta al día de los mitos fundacionales de la religión judeo-cristiana. Que Ridley Scott es un artesano competente, nadie lo duda. De hecho los 150 minutos de la función se me han pasado volando, gracias al dinámico montaje de las escenas de choque (batallas, plagas, paso del Mar Rojo, etc...) y los esquemáticos diálogos. A Ridley le gusta contar sobre todo en imágenes, entiende que el espectáculo está en ellas y potencias siempre su valor. También me ha llamado la atención la explicación sintética de las actividades "terroristas" de los hebreos sojuzgados por el "estado egipcio", que lógicamente y sin demasiado esfuerzo, recuerdan a otro pueblo sojuzgado, en tiempos actuales, por el estado de Israel, ese que fundaron Moisés y sus seguidores. También es original la idea en la que se representa la aparición de Yahveh, y sugerente su relación conflictiva con el propio Moisés, aunque este último aspecto haya sido ya definitorio de casi todas las interpretaciones -marcaron la pauta las de Charlton Heston y Burt Lancaster- de adaptaciones anteriores.No podemos dejar de destacar lo convincentes que quedan los paisajes de Almería y de la isla de Fuerteventura que han servido como espacios privilegiados para el rodaje de las escenas fuera de los Pinewood Studios de Londres; y que la aportación de María Valverde (como Séfora, la mujer de Moisés) está como mínimo al mismo nivel que el resto del numeroso reparto.

RS.

-Aragonia, C. Grancasa, Palafox, Puerto Venecia, Yelmo-


lunes, 8 de diciembre de 2014

Perdida (Gone Girl, 2014)****

Dir: David Fincher
Int: Ben Affleck, Rosamund Pike, Neil Patrick Harris, Tyler Perry, Kim Dickens, Patrick Fugit, 
Carrie Coon, Missi Pyle, Kathleen Rose Perkins, Scoot McNairy, Sela Ward, Emily Ratajkowski, Lee Norris, Casey Wilson, Lyn Quinn, Lola Kirke, David Clennon, Lola Kirke.


El día de su quinto aniversario de boda, Nick Dunne (Ben Affleck) informa que su esposa Amy (Rosamund Pike) ha desaparecido misteriosamente. Pero pronto la presión policial y mediática hace que el retrato de felicidad doméstica que ofrece Nick empiece a tambalearse. Además, su extraña conducta lo convierte en sospechoso, y todo el mundo comienza a preguntase si Nick mató a su esposa... Guión de Gillian Flynn, adaptando su propia novela. Fincher ha seguido con fidelidad los aconteceres novelísticos, sobre todo por que le han permitido adentrarse en un thriller moderno que quizás, si Hitchcock hubiera vivido en la actualidad, no habría filmado de modo muy diferente. El director de Seven (1995) o Zodiac (2007) parece lógico que se sienta cómodo con esta historia que le permite bucear en ciertas patologías de la sociedad norteamericana -quizás ya extendidas a todo el mundo-, fuertemente condicionada por el sensacionalismo que dirige los medios y que parece una campaña premeditada, y de larga duración, para idiotizar a la población. Las manipulaciones extremas que permiten los medios de comunicación norteamericanos son empleadas por los personajes de esta historia como arma arrojadiza -en ocasiones como un arma blanca, y no quiero dar más detalles...-. Lo que sí consigue el director de la ya mítica El club de la lucha (1999) -por cierto, otra excelente adaptación- es servirse de la minuciosa descripción de los hechos, desde el doble punto de de vista de Marido y Mujer, para ir haciendo un retrato de la putrefacción que oculta la opulenta sociedad del consumo patrocinada por los adalides de la democracia capitalista...

RS.

-Aragonia, Palafox, Yelmo-

lunes, 1 de diciembre de 2014

The Zero Theorem (2013)**

Dir: Terry Gilliam
Int: Christoph Waltz, Matt Damon, Tilda Swinton, Mélanie Thierry, David Thewlis, Ben Whishaw, Peter Stormare, Sanjeev Bhaskar


Qohen Leth (Christoph Waltz) es un excéntrico genio de los ordenadores que vive en un mundo corporativo controlado por una oscura figura llamada "Dirección" (Matt Damon). Recluido en el interior de una capilla en ruinas, Qohen trabaja en la solución a un extraño teorema, un proyecto que podría descubrir la verdad sobre su alma y el significado de la existencia (o la falta del mismo) de una vez por todas. Historia de Pat Rushin, el primer trabajo como guionista de este escritor norteamericano que por lo absurdo y surrealista de la trama básica podría haber firmado igualmente Terry Gilliam. Este veterano realizador (74 años), siempre será recordado como el miembro norteamericano del espectacular grupo británico de los Monty Python,  entregados al cine y la televisión con un sentido del humor y de la fantasía audiovisual ciertamente brillantes. Como realizador, Gilliam, ha firmado al menos tres películas estupendas que probablemente no podrá volver a emular: Brazil (1985), El rey pescador (1991) y Doce monos (1995). El que vaya a ver una película de Terry Gilliam debe saber que se introduce en un mundo muy personal, marcado por la demencia, el surrealismo y el absurdo. Suelen ser brillantes el diseño de producción, el reparto y hasta es posible -por decepcionante que resulte el film- que nos sorprenda por la recreación de futuros imposibles, pero inquietantemente cercanos. Gilliam que ya había hecho su personal adaptación de la "orweliana" 1984en Brazil (colaborando en el guión con Tom Stoppard y Charles McKeown), vuelve a intentar sumergirse en un futuro distópico en el que "la realidad" parece formar parte un juego por ordenador de mala calidad. Lo dicho, alguna que otra buena idea, una brillante dirección artística y nada más. La película es difícil de soportar. Se parece demasiado a un pésimo videojuego, es confusa, nada estimulante e incluso sus actores protagonista, siempre brillantes en otras ocasiones, están despistados y poco afortunados. 

RS.

-Aragonia-

martes, 25 de noviembre de 2014

Los juegos del hambre: Sinsajo. Parte 1(2014)**

Dir: Francis Lawrence
Int:Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Philip Seymour Hoffman, Julianne Moore, Stanley Tucci, Woody Harrelson, Elizabeth Banks, Donald Sutherland, Jeffrey Wright, Natalie Dormer, Sam Claflin, Gwendoline Christie, Robert Knepper, Stef Dawson, Elden Henson, Evan Ross, Mahershala Ali, Wes Chatham.


Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) se encuentra en el Distrito 13 después de destrozar los Juegos para siempre. Bajo el liderazgo de la Presidenta Coin (Julianne Moore) y el consejo de sus amigos más leales, Katniss extiende sus alas mientras lucha por salvar a Peeta Mellark (Josh Hutcherson) y a una nación alentada por su valentía...Tercera y última entrega de la saga literaria Los juegos del hambre de Suzanne Collins. En un inquietante paralelismo entre la película y el mundo real, lo más interesante y  atractivo desde cualquier punto de vista es la campaña publicitaria, el cartel, las imágenes promocionales, una apariencia que predomina sobre la realidad y que parece la pieza clave para ganar la batalla de la rebelión. Todo ese juego publicitarios parece estar muy por encima de una película cuyos contenidos argumentales resultan repetitivos,cansinos y sin nervio. Es decir, todo nos suena a ya visto; y quizás sea por que, como ya dijimos,  estamos ante la tercera entrega de una saga, además dividida en dos con la descarada intención de estirar su rendimiento comercial... El equipo de guionistas formado por Peter Craig y Danny Strong ha logrado la hazaña de aburrir a un personal ya previamente entregado a la serie...Además, también parecen un tanto hastiados el numeroso grupo de actores protagonistas, incluida la habitualmente brillante Jennifer Lawrence...Mucho ruido y pocas nueces...

RS.

-Aragonia, C. Grancasa, Palafox, Puerto Venecia, Yelmo-

Jimmy's Hall (2014)***


Dir: Ken Loach
Int: Barry Ward, Simone Kirby, Andrew Scott, Jim Norton, Brian F. O'Byrne, Francis Magee, Karl Geary



El último filme de Ken Loach cuenta la historia real de James Gralton (Barry Ward), un activista y líder comunista irlandés que se convirtió en el único deportado político de la República de Irlanda. Un guión de Paul Laverty, habitual colaborador de Loach, que ha atendido a sus orígenes (madre irlandesa) y a la obra teatral escrita por Donal O´Kelly (otro irlandés)  sobre este militante de la izquierda en un país que fue lastrado, al igual que España, por una nociva y castrante educación católica que llegó a alcanzar niveles de dura represión política al aliarse con los respectivos gobiernos que tuvo una Irlanda recientemente independizada (no lo logró hasta 1922) frente a la opresión británica, y que siempre vieron en el "credo" comunista un peligro evidente que podría subvertir un ordenamiento social de raigambre medieval que resultaba muy cómodo para seguir manteniendo sometidos a los campesinos y a las clases trabajadoras en general. Con buenas dosis de ingenuidad, y en un estilo narrativo característico, marcado por la claridad expositiva y el rechazo a cualquier manierismo formal, Loach y  Laverty nos cuentan el regreso del activista político a su Irlanda natal desde un primer exilio en Norteamerica, y la reapertura del "Jimmy´s Hall", lugar de encuentro para "perniciosas" actividades, desde la óptica del Padre Sheridan (Jim Norton), como el baíle, los nuevos sonidos del sacrílego jazz, practicar el boxeo, y las reuniones políticas para reivindicar las tierras y los derechos sobre ellas de los que llevan siglos trabajándolas...
Es una suerte que el cine de Ken Loach todavía se estrene en Zaragoza (y con algún pase en Versión Original con subtítulos en español). No deberían perdérsela. Resulta refrescante escuchar un mensaje de progreso todavía muy vigente; y aunque la película se ambiente en los años treinta (del siglo XX), quizá va siendo hora de tomar ejemplo y de ir sacudiéndonos la modorra, el conformismo y pasotismo político a la que nos impulsa el decadente y corrupto sistema político actual, dirigido por grandes corporaciones económicas y que ha olvidado que detrás de los consumidores y votantes, hay seres humanos y no meras cifras para rellenar estadísticas..., y conseguir réditos económicos que sólo favorecen a una minoría...  

RS.

-Aragonia-

miércoles, 19 de noviembre de 2014

Orígenes (I Origins, 2014)***

Dir: Mike Cahill
Int: Michael Pitt, Brit Marling, Astrid Bergès-Frisbey, Steven Yeun, Archie Panjabi, Kashish, 
Cara Seymour, William Mapother, Venida Evans, Ako, Dorien Makhloghi, Charles W. Gray, John Schiumo, Farasha Baylock, Christopher Santamaria, Sebastian Santamaria, Rhonda Ayers, Crystal Anne Dickinson, Venida Evans.



Ian Gray (Michael Pitt), un joven biólogo especializado en la evolución del ojo humano, conoce a Sofi (Astrid Bergès-Frisbey), una misteriosa mujer cuyo iris es multicolor. Años después, su investigación lo lleva a hacer un descubrimiento asombroso, que podría cambiar la forma en que percibimos nuestra existencia.
Mike Cahill ya demostró su atracción por las temáticas de trascendencia místico-religiosa en Otra Tierra (2011), su primer largometraje, que como I Origins, tiene un "hedor" New Age, casi insoportable. Afortunadamente Mike Cahill ha podido, en los aspectos formales, superar claramente su dubitativo y torpe primer intento. Estamos ahora ante una película que, a pesar de sus tramposas premisas argumentales, fluye con elegancia, que nos narra, en realidad, una apasionada historia de amor que, al estilo del más clásico romanticismo, va más allá de la muerte. Sus jóvenes protagonistas cumplen sobradamente con sus personajes, dotándolos de unas atractivas personalidades. Quizás, algunas situaciones se fuerzan en demasía para que todo encaje en la tesis sobre la trascendencia del "alma" humana, pero no resulta difícil dejar de lado el mensaje de fondo y pasar un buen rato contemplando este segundo largometraje del joven director norteamericano que, por cierto, también ha escrito la historia.

RS.

-Aragonia, Palafox, Yelmo-

martes, 18 de noviembre de 2014

La ignorancia de la sangre (2014)**

Dir: Manuel Gómez Pereira
Int: Juan Diego Botto, Paz Vega, Alberto San Juan, Cuca Escribano, Francesc Garrido, 
Pilar Mayo, Khaled Kouka, Ken Appledorn.


El guión de Nicolás Saad adapta una novela de Robert Wilson. Literatura policíaca, pero con ambientación española. Narra la historia de Javier Falcón (Juan Diego Botto), jefe de Homicidios de Sevilla, que debe resolver dos asuntos distintos en poco tiempo. Dos historias en las que está implicado de modo muy personal. Por un lado, las complejas consecuencias de un caso de espionaje: un viejo amigo suyo (Yacub / Alberto San Juan) se infiltró en un comando terrorista islámico y ahora el comando pretende reclutar a su hijo adolescente para la causa. Por otro lado, Falcón se enfrenta al secuestro del hijo de Consuelo (Paz Vega), su pareja, por cuya liberación la mafia rusa, a la que está investigando, le exige que pague un precio demasiado alto. Manuel Gómez Pereira, después de su paso por televisión (ha dirigido series como Gran Reserva) o las exitosas y ya lejanas comedias, Todos los hombres sois iguales (1994), Boca a boca (1995) o El amor perjudica seriamente a la salud (1996), vuelve a intentar fortuna en la pantalla grande, y lo hace con un policíaco bastante desvaído, con unos actores que a duras penas resultan convincentes en unos personajes con muchas posibilidades, pero que casi no percibimos a causa de una dirección plana, vulgar y sin personalidad. Poco puede salvarse de esta rutinaria realización que ni siquiera ha sacado partido a los escenarios sevillanos y norteafricanos.

RS.

-Aragonia,Puerto Venecia-

miércoles, 12 de noviembre de 2014

Interstellar (2014)****

Dir: Christopher Nolan
Int: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Bill Irwin, John Lithgow, 
Casey Affleck, David Gyasi, Wes Bentley, Mackenzie Foy, Timothée Chalamet, 
Topher Grace, David Oyelowo, Ellen Burstyn, Michael Caine, Matt Damon.


El guión de Jonathan Nolan y de su  hermano Christopher ha sido asesorado directamente por Kip Thorne, un  físico teórico estadounidense nacido en 1940, conocido por sus numerosas contribuciones en el campo de la física gravitacional y la astrofísica, y por haber formado a toda una generación de científicos. Viejo amigo y colega de Stephen Hawking y Carl Sagan, Thorne es uno de los mayores expertos mundiales en las aplicaciones a la astrofísica de la Teoría de la Relatividad General de Einstein. Los hermanos Nolan han añadido a las especulaciones científicas sobre los agujeros negros, su pasión por la ciencia ficción literaria, y estoy seguro de que han volcado en su historia todas sus lecturas juveniles de autores como Ray Bradbury o Arthur C. Clarke. Inevitable ha sido hacer guiños constantes a 2001: Una odisea del espacio (1968), obra maestra del incomparable Stanley Kubrick, que todavía no ha sido superada a la hora de relacionar ciencia, religión y filosofía. En la película de los Nolan todo empieza en una Tierra que está llegando a sus últimos días como hogar para la especie humana, colapsada por la contaminación, las plagas y el desastre ecológico. Un grupo de exploradores liderados por el granjero/piloto Cooper (un brillante e iluminado Matthew McConaughey) y la científica Amelia (Anne Hathaway) se embarca en la que puede ser la misión más importante de la historia de la humanidad y emprenden un viaje más allá de nuestra galaxia, en el que descubrirán si las estrellas pueden albergar el futuro de la raza humana. En todo esta trama, jugarán un papel decisivo un misterioso "fantasma" y Murph (la hija de Cooper, interpretada en las diferentes etapas de su vida por MacKenzie Foy, Jessica Chastain y Ellen Burstyn), su conexión terrenal. Estamos ante un viaje cinematográfico apasionado y apasionante, que con evidentes desajustes narrativos y ciertas precipitaciones formales, está dispuesto mediante recursos puramente cinematográficos, y pese a quien pese, a llevarnos de viaje al otro lado de la Galaxia, más allá de las dimensiones conocidas para intentar entender el mundo en el que estamos y cuál puede ser uno de nuestros inciertos futuros como especie en permanente lucha por la supervivencia, es decir: la trascendencia.

RS.


-Aragonia,C. Grancasa,Palafox, Puerto Venecia, Yelmo-

martes, 11 de noviembre de 2014

Justi&Cia (2014)***

Dir: Ignacio Estaregui
Int: Hovik Keuchkerian, Álex Angulo, Antonio Dechent, Maria José Moreno, Santiago 
Melendez, Jorge Usón, Marta Larralde, Juan Manuel Lara, Alfonso Pablo, Pablo Viña, 
Laura Gómez Lacueva, Jorge Asín, Gabriel Latorre, Cristina de Inza.


En la ópera prima de Ignacio Estaregui aparece una buena muestra de actores aragoneses que completan un reparto encabezado por Hovik Keuchkerian (Justino) y Álex Angulo (Ramón). 
La falta de ritmo y cohesión entre las escenas más serias y algunos "sketchs" es un reflejo de la crisis de nuestros quijotescos superhéroes. 
Justino es un minero que se siente falto de valor para convertirse en el justiciero que le pide su conciencia como única vía de escape por la última tragedia laboral. Con la compañía de Ramón será capaz de llevar a cabo su plan y la popularidad que alcanza en su misión le da fuerzas para eliminar al Lobo Feroz causante de tantas muertes.
La Justi&Cia es la protagonista del film y reparte carbón a troche y moche, incluso a sí misma.



Antonia Bordonada


-Aragonia, Palafox-



viernes, 7 de noviembre de 2014

Loreak (Flores) (2014)***

Dir: José María Goenaga y Jon Garaño
Int:Josean Bengoetxea, Nagore Aranburu, Ane Gabarain, Gotzon Sánchez, Itziar Aizpuru, 
Egoitz Lasa, Itziar Ituño, José Ramón Soroiz, Jox Berasategui.



La vida de Ane (Nagore Aranburu) da un giro cuando semanalmente comienza a recibir de forma anónima un ramo de flores en su casa. Por su parte las vidas de Lourdes (Itziar Ituño) y Tere (Itziar Aizpuru) también se ven afectadas por otras  flores que deposita la propia Ane en el lugar donde un compañero de trabajo ha tenido un accidente mortal. Esta es la historia de tres mujeres, tres vidas alteradas por la mera presencia de unas flores. Flores que harán brotar en ellas sentimientos que parecían olvidados.Película dirigida por José María Goenaga y Jon Garaño, ambos con experiencia ya en unos cuantos cortometrajes, documentales y algún largometraje de ficción previo, en los que ya habían colaborado. Entre los dos y Aitor Arregi han construido estas historias entrelazadas por las flores. Fue rodada en vasco y hemos podido ver una copia doblada en la cartelera zaragozana que no favorece la que intuimos como una brillante interpretación de sus actores protagonistas. Relatos minimalistas, repletos de buen gusto, que ofrecen un estilo en el encuadre refinado, y ajustado a las necesidades de estas historias de personajes normales afectados por la presencia de unas flores entregadas sin nota alguna y las reacciones que provocan en unas mujeres que están pasando por momentos decisivos para el devenir de sus vidas. La experiencia previa en el cine documental y los cortometrajes de esta pareja de realizadores vascos, nos habla de su enganche con una realidad que todavía puede ofrecer tramas apasionantes a la ficción fílmica, y por otro de la dificultad  que tiene alargar hasta la estructura del largometraje tradicional, historias que seguramente funcionarían mejor con una menor duración. 


RS.


-Aragonia-

jueves, 6 de noviembre de 2014

La sal de la Tierra (The Salt of the Earth, 2014)***

Dir: Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado

Desde hace cuarenta años, el fotógrafo brasileño Sebastião Salgado recorre los continentes captando la mutación de la humanidad; siendo testigo de grandes acontecimientos que han marcado nuestra historia reciente marcada por conflictos internacionales, hambrunas y terribles éxodos. Ahora emprende un nuevo camino hacia territorios vírgenes con grandiosos paisajes, descubriendo su fauna y  flora silvestres en el marco de un proyecto fotográfico titánico que supone un sentido tributo a la belleza del planeta. Su hijo Juliano, quien le acompañó en sus últimas travesías, y Wim Wenders, también un virtuoso fotógrafo además de cineasta, comparten con nosotros su mirada acerca de su vida y su obra. El prestigioso y veterano director de cine alemán,  Win Wenders, pone su objetivo en uno de los más destacados fotógrafos sociales del siglo XX (y del XXI). Su mirada ha atrapado por igual algunas de las historias más terribles y algunas de las más sublimes. Sus fotografías nos muestran el dolor más intenso, la angustia próxima a la muerte o la muerte en todo su terrible esplendor. En sus libros fotográficos aparece el peor lado de nuestra especie, conviviendo con algunas de las más bellas imágenes que podamos imaginar. Sin duda, dejar de lado las instantáneas de Sebastião Salgado, tuvo que ser un reto continuo, difícil de evitar para Wenders, un cineasta que sabe que en ellas radica todo lo mejor de este documental, en ocasiones algo lastrado por las cansinas voces de sus interlocutores (Sebastião, su hijo Juliano y el propio Win Wenders)...La  verdadera voz de Salgado, está en sus fotografías, en la capacidad para mostrarnos las dos caras de la humanidad. La belleza, la fealdad, y el terror más absoluto,que parecen eternos e inamovibles, conviven en las fotografías en un blanco y negro broncíneo, casi escultural, concebido por este maestro de la imagen, capaz de trascender la instantánea fotográfica y utilizarla como un poderosos mensaje de denuncia, mostrándonos, en ocasiones, lo que nadie querría ver ni recordar. 


RS.


-Aragonia-

martes, 4 de noviembre de 2014

Caminando entre las tumbas (A Walk Among the Tombstones, 2014)***

Dir: Scott Frank
Int:Liam Neeson, Dan Stevens, Marina Squerciati, Sebastian Roché, Boyd Holbrook, Stephanie Andujar, David Harbour, Briana Marin, Toshiko Onizawa, Purva Bedi, Maurice Compte, Patrick McDade, Luciano Acuna Jr., Hans Marrero, Laura Birn.

Matt Scudder (Liam Neeson), un expolicía de Nueva York, trabaja como detective privado a pesar de que no tiene licencia. Cuando accede a regañadientes a ayudar a un traficante de heroína a cazar a los hombres que secuestraron y asesinaron brutalmente a su esposa, descubre que no es la primera vez que esos hombres han cometido este tipo de crímenes. Entonces decide recorrer las calles de Nueva York, enfrentarse a los demonios de su pasado, y detener a los asesinos antes de que vuelvan a matar. Scott Frank es sobre todo guionista, y ya ha colaborado con cineastas de prestigio como Steven Spielberg, Kenneth Branagh o Jodie Foster. Le gustan las historias policiacas y los thrillers, así que no es tan extraño que aquí adapte una novela de Lawrence Block, muy afín a estos géneros. Todavía se ha reforzado más esta tendencia genérica, buscándose a un actor como Liam Neeson, que últimamente se ha convertido en el nuevo justiciero por excelencia, después de Venganza (Pierre Morel, Taken, 2008) y Venganza: Conexión Istambul (Olivier Megaton, Taken 2, 2012). Lo mejor de esta película es su contención formal, la tranquilidad y parsimonia de su ritmo están en contradicción con los estilos más modernos de narrar la violencia. Aquí es todo contención, aunque eso nosignifica que haya momentos explosivos, de gran dureza y violencia explícita. Scott Frank nos muestra una vía plausible para el cine policíaco moderno. Abstenerse pusilánimes.

RS.

-Aragonia, Palafox, Puerto Venecia, Yelmo-

martes, 28 de octubre de 2014

Dos días, una noche (Deux jours, une nuit, 2014)***

Dir: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne
Int: Marion Cotillard, Fabrizio Rongione, Pili Groyne, Simon Caudry, Catherine Salée, Batiste Sornin, Alain Eloy, Myriem Akeddiou, Fabienne Sciascia, Olivier Gourmet


Sandra (Marion Cotillard) dispone sólo de un fin de semana para ir a ver a sus colegas y convencerlos de que renuncien a su paga extraordinaria para que ella pueda conservar su trabajo. Manu (Frabrizio Rongione), su marido,  la acompaña para apoyarla. Dos días, una noche es la película de los hermanos Dardenne en la que hay una mayor reflexión sobre la situación social de los trabajadores en la actualidad y, quizá por ello, es la que tiene un mensaje más obvio y explícito: los abusos del sistema capitalista sobre el hombre. Sin embargo, los Dardenne siguen apostando por plantear al espectador dilemas morales complejos, como ya hicieron en Rosetta (1999), El hijo (2002) o El niño de la bicicleta (2011), por citar algunas de sus películas anteriores; y continúan rechazando el didactismo, las lecciones éticas, el sentimentalismo y las respuestas fáciles a preguntas difíciles. De hecho se ha escogido un método narrativo en el que de modo consciente se ha querido evitar la intriga o cualquier planteamiento del cine de entretenimiento al uso (genérico). La elección de Marion Cotillard, una estrella del cine francés e internacional no impide que veamos al personaje con total naturalidad, y que la acompañemos en su personal calvario a la búsqueda de una deseada solidaridad entre compañeros, que como se descubrirá al final también está seriamente dañada y manipulada por el patrón y alguno de sus secuaces que potencian la crueldad e hipocresía propias y las de los que podrían sufrir las represalias si no "colaboran". De modo intencionado no hay alusiones directas al lugar donde suceden los hechos, lo que nos permite extrapolar esta situación a cualquier lugar de la Europa "civilizada" y democrática y por qué no, a nuestro país, uno de los más afectados por la crisis económica que tan bien les ha venido a ciertos sectores de poder para fulminar los derechos de los trabajadores y contaminar sus opiniones de tal modo, en cuanto a las responsabilidades en la crisis, que ya no saben quienes son los verdaderos culpables de la deplorable situación en la que vivimos...  

RS.


-Palafox-

sábado, 25 de octubre de 2014

Drácula, la leyenda jamás contada (Dracula Untold, 2014)**

Dir: Gary Shore
Int: Luke Evans, Sarah Gadon, Dominic Cooper, Zach McGowan, Samantha Barks, Thor Kristjansson, Art Parkinson.

Una historia original sobre Vlad Tepes o Vlad el Empalador, el príncipe valaco en el que se inspiró Bram Stoker para escribir su célebre novela (1897), y crear al vampiro más famoso de todos los tiempos. La película narra la trágica vida de Vlad, qué dilemas tuvo que afrontar y cómo se convirtió en un vampiro. En este primer largometraje del irlandés Gary Shore que procede del mundo del cine publicitario. Ha intentado darle un toque personal (y británico) a una historia ya muy vieja. Ha tomado algunos datos biográficos reales, los ha fusionado con la leyenda potenciada por la novela de Bram Stoker (otro irlandés, por cierto) y le ha añadido algunos trucajes espectaculares (la transformación en miles de murciélagos del vampiro) de los que ha abusado, ante la falta de solvencia narrativa. En principio la historia escrita por Matt Sazama y Burk Sharpless  era una idea atractiva. Se trataba de reconstruir las andanzas de Vladislav III de Valaquia, cuya vida estuvo repleta de sucesos truculentos y aventureros, más allá de las interpretaciones de Stoker y los cientos de adaptaciones, versiones y continuaciones de su obra; pero Shore y sus guionistas han terminado por caer en un cine de consumo fácil, sin dejar espacio para una reconstrucción histórica mínimamente fiable. Así que estamos ante una película más a añadir al numeroso grupo de las ya dedicadas a Drácula y su parentela, y que, sin ser despreciable, dejará muy poca huella...


RS.


-Aragonia, C. Grancasa, Palafox, Puerto Venecia, Yelmo-

viernes, 24 de octubre de 2014

Relatos salvajes (2014)****

Dir: Damián Szifrón
Int: Ricardo Darín, Darío Grandinetti, Leonardo Sbaraglia, Érica Rivas, Oscar Martínez, Rita Cortese, Julieta Zylberberg, Osmar Núñez, Nancy Dupláa, Germán de Silva, María Marull, Marcelo Pozzi, Diego Gentile, María Onetto.


Estos seis "Relatos salvajes" recrean las derivas que provoca el sueño de la razón cuando topamos con los sentimientos de venganza e injusticia y no nos resignamos a la sumisión.

Se inspira, al menos en la estructura, en los Cuentos asombrosos (1985-1987), serie de televisión creada  y producida por Steven Spielberg. Damián Szifrón, que además de dirigir ha escrito el guión,  establece de modo intencionado un nexo en sus historias con la situación anárquica que vive Argentina desde hace años y que, por cierto, tampoco es tan diferente de ciertas realidades que pueden darse en la sociedad española reciente. Ha coproducido, con buen criterio, El Deseo, compañía de Pedro y Agustín Almodóvar. Es el tercer largometraje del argentino Damián Szifrón, con experiencia en dos series para televisión y varios cortometrajes, demostrando que puede hacer funcionar, a modo de cuentos morales, seis historias independientes, pero hilvanadas a la perfección por los mensajes que albergan. 


Antonia Bordonada
RS.


-Aragonia, Cervantes, Puerto Venecia, Yelmo-

jueves, 23 de octubre de 2014

Magical Girl (2014)****

Dir: Carlos Vermut
Int: Luis Bermejo, José Sacristán, Bárbara Lennie, Lucía Pollán, Israel Elejalde, Alberto Chaves, Teresa Soria Ruano, Miquel Insúa, Elisabet Gelabert

Luis (Luis Bermejo), un profesor de literatura en paro, trata de hacer realidad el último deseo de su hija Alicia (Lucía Pollán), una niña de doce años, que padece un cáncer terminal: tener el vestido oficial de la serie japonesa de dibujos animados Mágical Girl Yukiko. El elevado precio del vestido llevará a Luis a poner en marcha una insólita y oscura cadena de chantajes. El azar le hace conocer a Bárbara (Bárbara Lennie), una atractiva joven que, aparentemente, sufre trastornos mentales, y a Damián (José Sacristán), un profesor retirado con un tormentoso pasado relacionado con Bárbara que, en su momento, le llevó a la cárcel. Los tres quedarán atrapados en una oscura red marcada por el azar y la desesperación, en la que el instinto y la razón entran en conflicto. Lo único que resulta ridículo en este film es el apodo del responsable (guión y dirección) de la película, todo lo demás es inquietante y atractivo al mismo tiempo. Carlos López del Rey (el nombre real de Vermut) procede del mundo del cómic, y ha construido una película que oculta, tras su aparente fachada del absurdo, un profundo análisis del clima moral y ético en el que se mueve nuestra sociedad. Ni los personajes más inocentes (pienso, sobre todo, en Alicia) escapan al sin sentido. No hay ni uno sólo de ellos que pudiera hacer una declaración de inocencia y atravesar sin problemas por las puertas de un hipotético cielo. Carlos Vermut firma en Magical Girl su segundo largometraje y se aproxima al incómodo territorio de un realizador como Michael Haneke, atreviéndose, con un criterio excelente, a citar indirectamente a Stanley Kubrick y al que fue su último film Eyes Whide Shut (1999). Imágenes depuradas de sentimientos superfluos, personajes perdidos en la lógica de la desesperación y la perversión, un sentido del humor que sólo nos permite esbozar una ligera sonrisa, más cercana al cinismo que a la diversión inocente...Una película que no resultará cómoda para la mayoría del público y que parece justa ganadora de la Concha de Oro en el último Festival de Cine de San Sebastián. A última hora la cosecha del cine español ha sido más que apreciable...


RS.


-Aragonia-