Adaptación de “La Ronda” (1900), drama
del escritor austriaco Arthur Schnitzler, que, en su momento, generó una gran controversia por
su alto contenido sexual. En ella, el miembro de una pareja tiene un amante,
quien a su vez se relaciona con otra persona y así sucesivamente hasta cerrarse
el círculo. Durante un viaje para buscar a su hija desaparecida, un hombre
(Hopkins) conoce a una joven mujer cuyo novio le ha sido infiel y varios personajes van entrelazándose en un juego de apariencias y certezas en las que las maneras y modos diferentes de sentir el amor y el sexo son los auténticos protagonistas. Fernando Meirelles es uno de los más prestigiosos
realizadores brasileños, con películas como “El jardinero fiel” (2005),
demostró además que podía competir en el mercado anglosajón e internacional,
ahora se arriesga con un clásico que no había sido adaptado (de forma directa)
desde “La Ronde” (1950) a manos de Max Ophüls, y lo hace innovando las situaciones y aplicando su estilo claro y de gran preciosismo fotográfico. Llega a ser importante la mezcolanza de idiomas (eslovaco, ruso, francés, inglés), así que se recomienda encarecidamente verla en versión original con sus pertinentes subtítulos.
-Aragonia, Cervantes-
A Roma con amor (2012)***
Dir: Woody Allen
Int: Woody Allen, Alec Baldwin, Roberto Benigni
Dir: Timur Bekmambetov
Int: Benjamin Walker, Mary Elizabeth Winstead, Dominic
Cooper.
Guión de
Seth Grahame-Smith y Simon Kinberg. Adaptación de la novela homónima de Seth
Grahame-Smith, que muestra al presidente de los Estados Unidos Abraham Lincoln
(Benjamin Walker), desempeñando la tarea de cazador de vampiros. Producida por
Tim Burton y dirigida por el kazajo Timur Bekmambetov. Este director, en su
etapa rusa, ya nos demostró su particular obsesión por los vampiros en
"Guardianes de la noche" (2004) y "Guardianes del día"
(2006) y es que parece haberse empeñado en demostrar que durante la Guerra
Civil Norteamericana el enfrentamiento comandado por Lincoln se produjo en
realidad contra las huestes vampíricas (los del sur...) y en que en nuestra
historia nada es lo que parece. Lo peor de todo es que se la ha tomado en
serio...
Adam resucitado (AdamResurrected, 2008)**
Dir: Paul Schrader
Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Adam Stein, un artista de circo, está prisionero en un campo de concentración, pero logra salvar la vida gracias a un acuerdo con los nazis: su papel consiste en entretener a los judíos antes de que entren en las cámaras de gas. En el tiempo presente se ocupa de intentar ayudar a otros que, como él, han sufrido profundas secuelas psicológicas a consecuencia de su estancia en los campos de exterminio nazis. Un film de Paul Schrader, un realizador y guionista norteamericano nacido en 1946, y que ha sobresalido por sus guiones para destacadas películas de Martin Scorsese como "Taxi Driver" (1976) o "Toro salvaje" (1980). También como realizador tiene en su haber películas como "El placer de los extraños" (1990) y "Aflicción" (1997), también visiones en profundidad de personajes en situaciones límite, con graves alteraciones en su personalidad y que Schrader suele mostrar con crudeza y en un estilo entre contenido y eficiente. No es "Adam resucitado" uno de sus mejores filmes, pero sí que destaca el trabajo de Jeff Goldblum/Adam Stein, un polivalente actor que, quizás merecería un mayor reconocimiento, al construir un personaje brillante, un alter ego de ese "payaso triste" capaz de cargar con las culpas de la humanidad y darles la vuelta mediante una habilidad ciertamente circense.
Alacrán enamorado (2013)***
Dir:
Santiago A. Zannou
Int: Álex
González, Miguel Ángel Silvestre, Judith Diakhate
Julián (Álex González) y su
amigo Luis (Miguel Ángel Silvestre) son dos chicos de barrio que forman parte
de una banda de violentos neonazis, liderada por Solís (Javier Bardem). Julián
acude a un gimnasio, donde, gracias a la disciplina del boxeo, a la nobleza de
su entrenador (Carlos Bardem) y al amor de una joven mulata (Judith Diakhate),
irá cambiando poco a poco de mentalidad. Entonces empieza a alejarse del grupo,
pero Luis no está dispuesto a consentir que se salga de la "manada".
Varios cortometrajes, un largometraje de ficción (“El truco del manco” en 2008)
y un documental (“La puerta de no retorno” en 2011) han asentado a este
realizador joven entre los que tienen más futuro en el raquítico panorama español.
La película difícilmente podrá considerarse como obra maestra, pero es digna en
todos sus planteamientos (los formales y los ideológicos), el trabajo de los
actores ajustado y la puesta en escena eficiente.
Amor (2012)**
Dir: Michael Haneke
Int: Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert.
Crudo retrato de la vejez y de la muerte. Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva encarnan a una pareja de octogenarios, que viven en París ya retirados del mundo de la música. Isabelle Huppert interpreta a la hija de ambos. El amor de la pareja se verá puesto a prueba cuando ella sufra una grave parálisis. El sólido estilo narrativo de Haneke, ahora, al servicio de una historia naturalista que, cada vez será más frecuente en nuestro envejecida sociedad occidental. La película de Haneke es especialmente dura y difícil de soportar, más por su intencionado ritmo contemplativo que por las imágenes en sí mismas. Recrearse en el dolor cotidiano, en lo difícil que puede ser afrontar la lenta muerte de nuestros seres queridos, nunca ha sido un tema muy querido por el cine. Y por ello, entra de lleno en los intereses de este realizador austriaco, siempre pendiente de provocar al espectador, de inquietarlo. Esa obsesión, se ha vuelto contra él, en este último trabajo que resulta especialmente difícil de soportar. Más que hacernos reflexionar, en general provoca hastío y desesperación. A un lado hay que dejar el magnífico trabajo de los veteranos Trintignant y Riva, brillantes en unos papeles y situaciones tan próximos a su edad y que, supongo, querrían tener alejados lo más posible de su vida y muerte reales...
Amor bajo el espino blanco (Shan zha shu zhi lian, 2010)****
Dir: Zhang Yimou
Int: Dongyu Zhou, Dou Shawn, Taisheng Chen.
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Guión de Lichuan Yin, Xiaobai Gu y Mei Ah. Adaptación de la novela de Aimi, que a su vez se basa en el guión previo del director Lichuan Yin. El film, al igual que la novela, se centra en el inocente pero represivo romance entre una chica que vive en un cerrado entorno político-familiar y un joven campesino. Desde “Sorgo rojo” (1987), una veintena de realizaciones nos han convencido de las virtudes del realizador chino Yimou Zhang. Este es su penúltimo trabajo, y en él vuelve a narrarnos una historia ambientada en la época de la Revolución Cultural (puesta en marcha en China por su carismático líder Mao Zedong a partir de 1966). Un melodrama sencillo, aparentemente simple pero que se agiganta por la sobria puesta en escena del realizador chino. No deberían perdérsela...
Ana Karenina (2012)***
Dir:
Joe Wright
Int: Keira
Knightley, Aaron Taylor-Johnson, Jude Law
Escrita
por Tom Stoppard. La historia tiene lugar en el
siglo XIX y explora las relaciones entre los miembros de la alta sociedad rusa.
Ana Karenina (Keira Knightley), una mujer de la alta sociedad que se enamora
del joven y apuesto oficial Vronski (Aaron Taylor-Johnson), abandona a Karenin
(Jude Law),su esposo, y a su hijo para
seguir a su amante. Nueva adaptación de la novela homónima de León Tostói,
libremente adaptada por Tom Stoppard, en una suerte de medio camino entre el
teatro, los espectáculos precinematográficos (panoramas y linternas mágicas) y
los eternos planos-secuencia del joven realizador británico (londinense, para
más señas) Joe Wright, que ya aplicó con valentía y un magnífico buen gusto en
su versión de “Orgullo y prejuicio” (2005) o en “Expiación. Más allá de la
pasión” (2007). En las dos, ya indicaba un apasionamiento por un romanticismo
exacerbado, que parecían conducirle a esta apasionante historia de Ana
Karenina, Vronnki, Karenin, y compañía; donde la pasión sin sentido de todos
ellos, se apodera al final de la apabullante escenografía. Apuestas siempre
arriesgadas (en lo formal) las del joven Wright, pero convincentes y de un
virtuosismo envidiable.
Argo (2012)**
Dir: Ben Affleck
Int: Ben Affleck, John Goodman, Alan Arkin
Así somos (People Like Us) (2012)***
Dir: Alex Kurtzman
Int: Chris Pine, Elizabeth Banks, Michelle Pfeiffer
Tras la muerte de su padre, Sam (Chris Pine) debe enviar 150.000 dólares a Frankie (Elizabeth Banks), una hermana alcohólica de la que no sabía nada, y cuyo hijo es un problemático niño de doce años incapaz de controlar su temperamento. Guión de Alex Kurtzman y Jody Lambert. Primer largometraje dirigido por uno de los más prestigiosos productores y guionistas del mundo de las series televisivas (en sus créditos están: “Fringe” o “Alias”) y del cine fantástico actual (“Transformers” en 2007, o “Star Trek” en 2009). La apuesta de Kurtzman es muy conservadora en lo formal y muy atractiva en cuanto al ritmo y la puesta en escena, que resultan extremadamente clásicas y eficientes. Sin ser sobresaliente, el trabajo de los actores también resulta convincente y sin estridencias. También está claro que las partes más puramente melodramáticas de series como "Fringe" o "Alias" deben ser responsabilidad de Kurtzman, juzgando por lo que aquí ha escrito, junto a Roberto Orci, otro habitual colaborador en la escritura de las series.
¡Atraco! (2012)**
Dir: Eduard Cortés
Int: Guillermo Francella, Nicolás Cabré, Francesc Albiol
Ayer no termina nunca (2013)**
Dir: Isabel Coixet
Int: Javier Cámara, Candela Peña
En el año 2017, en una España hundida
por la crisis, una pareja se reencuentra en Barcelona tras cinco años sin
verse. Separados después de haber perdido a su hijo por una negligencia
hospitalaria fruto de los recortes. Él había emigrado a Alemania, pero ha
vuelto. Isabel Coixet no había estrenado en el cine desde “Mapa de los sonidos
de Tokio” (2009), aunque su actividad en TV y el cine documental no había
parado (por ejemplo en “Escuchando al juez Garzón” de 2011). Ahora en un tono intimista quiere hacer un recorrido por el mapa de sus sentimientos (por lo menos eso cuentan) con una película bastante radical en lo formal: juego a dos personajes (defendidos de modo irregular por Candela Peña y Javier Cámara) que desnudan sus sentimientos y sus pesares como pareja ya rota que tuvo una importante pérdida en el pasado reciente. Visualmente, está a medio camino entre los caminos del Dogma (Lars von Trier y compañía) y un homenaje más o menos sincero a Ingmar Bergman (aunque, eso sí, muy alejada Coixet de las sutilezas del maestro sueco). El resultado es irregular y el tono demasiado frío, al menos para mi gusto.
Bestias del sur salvaje (2012)***
Dir: Benh Zeitlin
Int: Quvenzhané Wallis, Dwight Henry, Levy Easterly
En el Sur del planeta, el nivel de las aguas está subiendo vertiginosamente y todos los diques se hunden. Al mismo tiempo, los animales salvajes vuelven de sus tumbas. Esta es la historia de una niña de seis años que vive con su padre en un lugar aislado del mundo. Antes de este largometraje, Ben Zeitlin, había rodado tres cortometrajes, dos de animación y uno de acción real. El guión lo ha escrito junto a Lucy Alibar, que adapta su obra tetral “Juicy and Delicius”. Y todo está lleno de una magia terrible, la de la vida y la muerte, pero procurando mantener una visión infantil, aunque -y quizá por eso- marcada por una limpieza y un salvajismo natural e impactante. Cuando la llamada "civilización" permite y potencia agresiones sin límite contra la humanidad y la naturaleza, su sentido más profundo, probablemente se haya perdido. Si hubiera alguna esperanza, cuando el sistema se hunda (para muchos sectores de la población mundial ya lo ha hecho) y entremos en las fauces del apocalipsis, sólo nos quedará ser "animales fuertes", seres capaces de seguir adelante por encima de los cadáveres de nuestros padres, que quizás no lo hicieron tan bien. Película repleta de símbolos, metáforas, mitos y bellas imágenes, llenas a la vez de una profunda inocencia y simplicidad. Un descubrimiento este Benh Zeitlin, que también se ha compuesto la banda sonora del que es su primer largometraje de ficción.
Blancanieves (2012)***
Dir:
Pablo Berger
Int: Maribel
Verdú, Ángela Molina, Macarena García, Daniel Giménez Cacho.
Versión
libre, de carácter gótico, del popular cuento de los hermanos Grimm, que ha
sido ambientada en España durante los años 20. Blancanieves es Carmen (Macarena
García), una bella joven con una infancia atormentada por su terrible madrastra
Encarna (Maribel Verdú). Huyendo de su pasado, Carmen emprenderá un apasionante
viaje acompañada por sus nuevos amigos: una troupe de Enanos Toreros. El
bilbaíno Pablo Berger se ha propuesto revolucionar el cine español con su
segundo largometraje. El primero, “Torremolinos 73” (2003), consiguió cierto
éxito crítico y ahora se ha arriesgado con la revisión de un cuento clásico en
clave esperpéntica. Y de modo sorprendente ha conseguido una película valiente,
envuelta en la indudable magia del cine silente. Es posible que la sombra de
"The Artist" comience a ser muy alargada, pero bienvenida sea si los
resultados son como el que nos ocupa. Magnífico trabajo fotográfico (de Kiko de
la Rica) en un blanco y negro de una poderosa luminosidad. La única duda que tengo
es si el realizador y guionista Pablo Berger tenía claro lo que quería contar
más allá de la recreación del cuento clásico, o si simplemente quería
aprovecharse de esta potencial moda del revival de un estilo de cine, el del
periodo mudo de los años 20, que todavía hoy, si se recuperara, sorprendería
por su agilidad visual y narrativa.
Blue Valentine (2010)***
Dir:
Derek Cianfrance
Int: Ryan Gosling, Michelle Williams,
Mike Vogel
Después de convivir durante seis años y tener una hija, Dean y Cindy
han decidido casarse, pero entonces su amor empieza a desmoronarse. Intentando
salvar la relación, Dean propone ir a pasar la noche a un hotel temático, donde
eligen la “habitación del futuro”. A partir del futuro, se narra la historia de
la pareja desde el momento de su encuentro hasta la irremediable crisis de su
matrimonio. Guión de Derek Cianfrance, Cami Delavigne y Joey Curtis.
Con experiencia en documentales y televisión, éste es su segundo largometraje
de ficción. Se recuperó el film por el magnífico trabajo de dos jóvenes actores (Gosling y Williams) que ya tienen el mejor futuro posible entre los actores de Hollywood, ambos capaces de incorporar personajes difíciles, con aristas, nada monolíticos, alejados de los estereotipos que suelen caracterizar a los actores más tópicos y típicos de la industria cinematográfica norteamericana.
Buscando a Eimish (2012)***
Dir: Ana Rodríguez Rosell
Int: Óscar Jaenada, Manuela Vellés, Emma Suárez
Con el fin de conocer el pasado de su novia y poder recuperarla, Lucas (Óscar Jaenada) emprende un viaje que lo llevará hasta Italia y Alemania. Averiguará así quién es realmente Eimish (Manuela Vellés) y qué es lo que está buscando. El filme trata sobre las intuiciones y sobre el papel que juegan el destino y las energías invisibles que establecen lazos entre las personas. Después de seis cortometrajes y el largometraje “¡Espera Fati!” (2007), ahora nos llega el segundo trabajo largo de la española Ana Rodríguez Rosell, una película repleta de sensibilidad y buen gusto. El recurso del viaje, como metáfora del conocimiento quizá sea algo manido, pero con ese buen gusto al que se aludió hace un momento, y un trabajo convincente de actores, puede resultar efectivo. Pasará sin pena ni gloria para el "¿gran público?" pero atentos degustadores de cine de calidad, la joven realizadora Ana Rodríguez Rosell, que además ha escrito el guión, puede ser algo más que una firme promesa.
Casa de tolerancia (L'apollonide, souvenirs de la maison close, 2011)***
Dir:
Bertrand Bonello
Int: Hafsia
Herzi, Jasmine Trinca, Adele Haenel.
París,
principios del siglo XIX. Está ambientada en un lupanar, en el que un hombre
desfigura el rostro de una prostituta. La cicatriz resultante dibuja en su cara
una sonrisa trágica que la marcará de por vida. Esa historia y la de las
otras damas residentes son la base de este filme claustrofóbico, siempre
ambientado en esa "maison close". Quinto largometraje del realizador
francés Bertrand Bonello que también es responsable del guión y que ha
utilizado algunos recursos sorprendentes en la banda sonora. Hay una secuencia
especialmente emotiva, que se subraya mediante el tema "Noches de blanco
satén" del grupo británico The Moody Blues. A priori, nada más inapropiado
para un filme que se esfuerza en la reconstrucción histórica de ciertas costumbres
sexuales del XIX en Francia, pero sorprendentemente, el depurado estilo de
Bertrand Bonello (un descubrimeiento para mí, ya que es su primer filme
estrenado comercialmente en España) queda reforzado por esta utilización y
termina por darle un sentido metafórico a la secuencia y a todo el filme.
César debe morir (2012)***
Dir: Paolo Taviani, Vittorio Taviani
Int: Fabio Cavalli, Salvatore Striano, Giovanni Arcuri.
Docuficción sobre los talleres teatrales que organiza en la cárcel romana de Rebibbia el director Fabio Cavalli, que ensaya con los presos obras de Shakespeare. Los ensayos y la representación final del "Julio César" se alternan con la vida cotidiana de los reclusos. “Plantearemos el contraste entre la libertad absoluta del actor y las ataduras de quien vive en una celda”, declaró Paolo Taviani poco antes de iniciar el rodaje. Los veteranos directores italianos muestran una frescura de ideas y planteamientos que ya quisieran para sí, algunos jóvenes realizadores actuales. Y el resultado es una película fresca, llevadera, una interpretación del drama de Shakespeare que resulta un tanto ingenua, pero que rezuma sinceridad. Una de las grandes virtudes es el magnífico casting. "Verdaderos" actores, verdaderos delincuentes, personalidades verdaderas en un sincero blanco y negro escultórico que se recrea en los rostros tallados por duras vivencias, una vida en la que la violencia y la muerte han sido protagonistas y que ahora han dejado paso a la reclusión y a la falta de libertad. Y también a un ligero respiro que sobreviene de la posibilidad de enfrentarse, con creatividad y aprovechando sus vivencias del pasado, a los personajes de Shakespeare: Julio Cesar, Casio, Bruto o Marco Antonio.
De óxido y hueso (2012)**
Dir: Jacques Audiard
Int: Marion Cotillard, Matthias Schoenaerts, Céline Sallette
De repente, Alain (Matthias Schoenaerts) tiene que hacerse cargo de su hijo Sam (Armand Verdure), un niño de cinco años al que apenas conoce. Como no tiene casa, ni dinero, ni amigos, se refugia en Antibes, en casa de su hermana, que los acoge. Dada su facilidad para moverse en el ámbito d ela violencia y el enfrentamiento físico, comienza a trabajar en una empresa de seguridad y, además, participar en peleas ilegales.Tras una pelea en una discoteca en la que trabaja, conoce a Stéphanie (Marion Cotillard), una domadora de orcas en Marineland. El guión es de Jacques Audiard y Thomas Bidegain. Audiard es un realizador francés, del que vimos hace poco “Un profeta” (2009). Ahora, nos cuenta una historia confusa que quiere poner en juego varias situaciones y personajes dispares, que resultan difíciles de concebir en sus peregrinas relaciones. Un descerebrado luchador, su indefenso hijo, la domadora de orcas y un terrible percance. Es un filme que perdió su alma casi antes de nacer...Por cierto, el pésimo doblaje me temo que ha contribuido a fomentar el despiste en el espectador. Por ejemplo, hasta el protagonista a cambiado su nombre, que de Alain, en la versión original, ha pasado a algo que suena como ¡"Alí"!
Dead Man Down (La venganza del hombre
muerto) (2***
Dir: Niels Arden Oplev
Int: Colin Farrell, Noomi Rapace, Dominic Cooper, Terrence Howard
Victor (Colin
Farrell) es la mano derecha de Alphonse (Terrence Howard), un mafioso
neoyorquino que vive bajo la amenaza de un asesino que está matando a todos los
miembros de su banda. Victor conoce a Beatrice (Noomi Rapace), una misteriosa
francesa que vive en su mismo edificio y por la que empieza a sentirse atraído.
Pronto descubre que la mujer ha sido víctima de un terrible atropello y busca
venganza. Pero ella también descubre que Víctor pretende vengar la muerte de su
mujer y de su hija. Estos dos seres heridos y obsesionados llevarán a cabo
juntos un oscuro y violento plan de venganza. Un
guión de J.H. Wyman que traslada al ambiente norteamericano lo
que ya parece también toda una obsesión temática para este realizador danés, relacionando
el espíritu de venganza y los personajes que quieren llevarla hasta su fin también
de un modo imparable, destacándose con especial brillantez la danesa Noomi
Rapace, que repite con Niels Arden Oplev , que ya la dirigió en la primera
entrega cinematográfica de “Millennium” (2009) y en la serie para televisión
del mismo título (2010).
-C. Augusta, Puerto Venecia, Yelmo-
Desafío total/Total Recall (2012)**
Dir: Len Wiseman
Int: Colin Farrell, Kate Beckinsale, Jessica Biel
Rekall es
una empresa que puede convertir los sueños en recuerdos reales, haciendo que la
frontera entre realidad y memoria se difumine. Para Douglas Quaid (Colin
Farrell) la idea de hacer un viaje mental que le proporcione recuerdos de una
vida como superespía puede ser la solución perfecta para contrarrestar su
frustrante vida. Lo malo es que el proceso sale mal, y Quaid se convierte en un
hombre perseguido por los agentes de un estado totalitario. En su huida, se
asocia con una combatiente rebelde (Jessica Biel) con el fin de encontrar al
cabecilla de la resistencia clandestina (Bill Nighy). Mientras el destino del
mundo pende de un hilo, Quaid descubre su verdadera identidad y su verdadero
destino. El guión de Kurt Wimmer se inspira en el cuento "Podemos recordar
por usted al por mayor" de Philip K. Dick y ya se adaptó en 1990 por Paul
Verhoeven (Arnold Schwarzenegger era el protagonista). Ahora se ha puesto en la
piel de este personaje el actor Colin Farrell. Esta nueva versión deja de lado,
más todavía, las intenciones del cuento de Philip K. Dick, más interesado en
mostrarnos lo difusos que pueden ser los límites entre el sueño y la realidad
que en la propia trama detectivesco/futurista. De hecho este filme incide más
en la acción y en el aprovechamiento de los trucajes digitales que sin ser
brillantes ni originales pueden llevar algo más allá la imaginería visual
necesaria. También es cierto que Len Wiseman está lejos de la soltura y
desparpajo (y buenas dosis de un humor muy negro) que tenía el holandés Paul
Verhoeven en su propia versión. Así que el resultado final es un "quiero y
no puedo" no exento de un cierto dinamismo (no demasiado aburrido) propio
del cine de acción más reciente...
Django desencadenado (Django Unchained, 2012)***
Dir: Quentin Tarantino
Int: Jamie Foxx, Leonardo DiCaprio, Christoph Waltz
Dos años antes de estallar la Guerra Civil Americana (1861-1865), King Schultz (Christophe Waltz), un cazarrecompensas alemán que le sigue la pista a unos asesinos, le promete al esclavo de color Django (Jamie Foxx) dejarlo en libertad si le ayuda a atraparlos. Terminado con éxito el trabajo, Django prefiere seguir al lado del alemán y ayudarle a capturar a los delincuentes más buscados del Sur. Se convierte así en un experto cazador de recompensas, pero su único objetivo es rescatar a su esposa Broomhilda (Kerry Washington), a la que perdió por culpa del tráfico de esclavos. La búsqueda llevará a Django y a Schultz hasta Calvin Candie (Leonardo DiCaprio), el malvado propietario de la plantación "Candyland". Una vez más a dsifrutar del sofisticado estilo de Tarantino y su peculiar homenaje al Spaguetti-Western, al que tanto le debe...Nadie puede tener duda ya, este señor con su virtuosismo (en la escritura de guión, sobre todo) logra convertir "materiales de derribo" en maquinarias de precisión matemática. Todo parece posible, y Tarantino hace que soportemos largas secuencias en los que los protagonistas son los diálogos, aunque desde luego defendidos por maestría por el portentoso austriaco Christoph Waltz o auténticos histriones como Samuel L. Jackson (Stephen, el negro servil). Espectáculo que disfrutarán en especial los seguidores de Tarantino, que ya son legión, y que los demás admiraremos, lamentando que su virtuosismo solo sirva para crear bellos fuegos de artificio sin verdadera enjundia.
Efectos
secundarios (Side Effects, 2013)**
Dredd 3D (2012)***
Dir: Pete Travis
Int: Karl Urban, Olivia Thirlby, Lena Headey
En un
futuro cercano, Norteamérica es un páramo asolado por la radiación con una
única y gran megalópolis que se extiende a lo largo de su costa este: Mega City
1. Esta inmensa y violenta urbe cuenta con una población de más de 400 millones
de personas, cada uno de los cuales es un infractor en potencia. Los únicos que
intentan imponer el orden entre semejante caos urbano son los jueces, a la vez
agentes de la ley, jueces, jurados y verdugos. Y la perfecta personificación de
estos jueces es Dredd (Karl Urban), una leyenda viva de justicia blindada
dedicado por entero a hacer cumplir la ley. En una misión aparentemente
rutinaria junto a Cassandra Anderson (Olivia Thrilby), una juez novata dotada
de grandes habilidades psíquicas, se disponen a investigar un homicidio en un
peligroso mega-rascacielos de la ciudad, un suburbio vertical de 200 pisos de
altura controlado por el clan de la despiadada Ma-Ma (Lena Headley). Pero al
intentar arrestar a uno de los principales secuaces de Ma-Ma, ella decide
cerrar a cal y canto todo el edificio y ordena a su clan que dé caza a los
jueces. Atrapados en una brutal e implacable lucha por la supervivencia, Dredd
y Cassandra se verán obligados a impartir una justicia extrema… Nueva
adaptación del cómic homónimo (de Carlos Ezquerra y John Wagner) ya
llevado a la pantalla en 1995 (dirigida por Danny Cannon y con Sylvester
Stallone). Guión de Alex Garland. Una de las sorpresas inesperadas en el
cine de tamática fantástica. El cómic dibujado por el zaragozano Carlos
Ezquerra ha sido más respetado en este filme (en su espíritu y forma) que en
aquella torpe y envejecida adaptación de 1995. Una sabia utilización del 3D y
un sobrio sentido del ritmo narrativo convierten a esta "serie B" en
una pequeña joya del cine de ciencia ficción que nadie debería perderse.
Efectos
secundarios (Side Effects, 2013)**
Dir: Steven Soderbergh
Int: Rooney Mara, Jude Law, Catherine
Zeta-Jones
Ambientada en el mundo de la
psicofarmacología, ciencia que estudia cómo afectan las drogas a la mente
humana. Emily (Rooney Mara) es una joven que se vuelve adicta a un nuevo
medicamento que le receta su psiquiatra (Jude Law), que se la proporciona para
poder manejar su ansiedad por la inminente liberación de la cárcel de su esposo
Martin (Channing Tatum). Esta es una película que parece una cosa y termina por convertirse en otra muy diferente. No se fíen de las apariencias. Es una película de chantajes y trampas, aspectos que sí le gustan al realizador norteamericano Steven Soderbergh. Cualquier reflexión seria sobre la psicofarmacología brilla por su ausencia en este filme con trampas y trucos.
Viendo a
Jack (Mark Duplass) tan abatido por la muerte de su hermano Tom, Iris (Emily
Blunt) le da las llaves de una cabaña situada en una isla lejana, con la
esperanza de que la soledad apacigüe su dolor; pero resulta que la casita ya
está ocupada por Hannah (Rosemarie DeWitt), la hermana de Iris, que también se
ha refugiado allí para olvidar sus penas: a Hannah la ha dejado su novia Pam
después de estar juntas durante siete años. Al día siguiente llega Iris, que
confiesa estar enamorada de Jack. Es el quinto largometraje dirigido por
la norteamericana Lynn Shelton. También lo ha escrito esta misma realizadora
capaz de mostrar con descaro y agilidad esta aparentemente tradicional relación
triangular. Ha sido una pena no poder disfrutarla en V.O. Se intuye un sobrio,
pero a la vez brillante trabajo de actores, aunque no ha sido nada afortunado
el doblador de Mark Duplass.
Verano de
1943. En un lugar de la Francia ocupada, no lejos de la frontera española, vive
retirado Marc Cros (Jean Rochefort), un viejo y famoso escultor que se siente
hastiado de la vida y de la locura de los hombres. Ya nada es capaz de
animarle, de servirle de estímulo. Sin embargo, con la llegada de Mercè (Aida
Folch), una joven española que se ha fugado de un campo de refugiados y que le
servirá de musa, renace en él el deseo de volver a trabajar y esculpir su
última obra. Guión de Fernando Trueba y Jean-Claude Carrière para este
último filme de Fernando Trueba. Mucho se nota en él la intervención de Carrière, prestigioso colaborador, en el pasado, de Buñuel. Ciertas
pontificaciones estético / trascendentes, son muy del estilo del francés. No he
podido verla en versión original, así que tendré que creerme, por lo escuchado
en la versión doblada, que el veterano Jean Rochefort y la joven Aida
Folch son actores muy flojitos (cosa que me cuesta aceptar) y poco o nada
acertados en la construcción de unos personajes fundamentales en su interacción
que, ciertamente, se apoya mucho más en las miradas, gestos y posturas del
artista y la modelo. El argumento de Carrière y Trueba (indudablemente son dos
maestros, pero...) parece improvisado y poco o nada verosímil y la preciosista
puesta en escena (fotografiada en blanco y negro por el catalán Daniel Vilar)
que debería ayudarnos, termina por situarnos en un territorio desvaído y
lánguido, y poco o nada sugerente. ¿Dónde está el
realizador de "Belle epoque"?
El
amigo de mi hermana (Your
Sister's Sister, 2011)***
Dir: Lynn Shelton
Int: Emily Blunt, Rosemarie DeWitt, Mark Duplass
Viendo a
Jack (Mark Duplass) tan abatido por la muerte de su hermano Tom, Iris (Emily
Blunt) le da las llaves de una cabaña situada en una isla lejana, con la
esperanza de que la soledad apacigüe su dolor; pero resulta que la casita ya
está ocupada por Hannah (Rosemarie DeWitt), la hermana de Iris, que también se
ha refugiado allí para olvidar sus penas: a Hannah la ha dejado su novia Pam
después de estar juntas durante siete años. Al día siguiente llega Iris, que
confiesa estar enamorada de Jack. Es el quinto largometraje dirigido por
la norteamericana Lynn Shelton. También lo ha escrito esta misma realizadora
capaz de mostrar con descaro y agilidad esta aparentemente tradicional relación
triangular. Ha sido una pena no poder disfrutarla en V.O. Se intuye un sobrio,
pero a la vez brillante trabajo de actores, aunque no ha sido nada afortunado
el doblador de Mark Duplass.
El artista y la
modelo (2012)**
Dir: Fernando Trueba
Int: Jean Rochefort, Aida Folch, Claudia Cardinale.
Verano de
1943. En un lugar de la Francia ocupada, no lejos de la frontera española, vive
retirado Marc Cros (Jean Rochefort), un viejo y famoso escultor que se siente
hastiado de la vida y de la locura de los hombres. Ya nada es capaz de
animarle, de servirle de estímulo. Sin embargo, con la llegada de Mercè (Aida
Folch), una joven española que se ha fugado de un campo de refugiados y que le
servirá de musa, renace en él el deseo de volver a trabajar y esculpir su
última obra. Guión de Fernando Trueba y Jean-Claude Carrière para este
último filme de Fernando Trueba. Mucho se nota en él la intervención de Carrière, prestigioso colaborador, en el pasado, de Buñuel. Ciertas
pontificaciones estético / trascendentes, son muy del estilo del francés. No he
podido verla en versión original, así que tendré que creerme, por lo escuchado
en la versión doblada, que el veterano Jean Rochefort y la joven Aida
Folch son actores muy flojitos (cosa que me cuesta aceptar) y poco o nada
acertados en la construcción de unos personajes fundamentales en su interacción
que, ciertamente, se apoya mucho más en las miradas, gestos y posturas del
artista y la modelo. El argumento de Carrière y Trueba (indudablemente son dos
maestros, pero...) parece improvisado y poco o nada verosímil y la preciosista
puesta en escena (fotografiada en blanco y negro por el catalán Daniel Vilar)
que debería ayudarnos, termina por situarnos en un territorio desvaído y
lánguido, y poco o nada sugerente. ¿Dónde está el
realizador de "Belle epoque"?
El atlas de las nubes (2012)*
Dir:
Tom Tykwer, Andy Wachowski y Lana Wachowski
Int: Tom Hanks, Halle Berry, Jim Broadbent, Hugo Weaving, Jim Sturgess, Du-na Bae, Ben Whisaw, James D'Arcy, Xun Zhou, Keith David, David Gyasi, Susan Sarandon, Hugh Grant.
Conjunto de varias historias que se
desarrollan en el pasado, el presente y el futuro. Cada una de ellas está
contenida en la anterior, y todas están enlazadas entre sí por pequeños detalles. Guión de Andy Wachowski, Lana Wachowski, Tom Tykwer a
partir de la novela de David Mitchell. Uno de las mayores pifias dela año. El
afán por sorprender y por ser “original”, no son suficientes, la mezcla entre
los Wachowski/matrix y el alemán Tykwer no ha podido producir peores
resultados, hacía mucho tiempo que una película no me parecía tan ridícula y
pretenciosa al mismo tiempo.
-Aragonia-
-Aragonia-
El bosque (2012)*
Dir: Óscar Aibar
Int: Tom Sizemore, Àlex Brendemühl, Benjamin Nathan-Serio
Una familia del Bajo Aragón esconde un secreto ancestral: dos veces al año, por la noche, cerca de su masía aparecen unas misteriosas luces, un fulgor sobrenatural, entre la maleza de un extraño bosque. Según la tradición familiar esas luces son una puerta que conduce a otro mundo, del que no se puede volver. Cuando, en 1936, estalla la guerra civil, las milicias anarquistas toman el poder en el Bajo Aragón, y Ramón (Àlex Brendemühl), el cabeza de familia de la masía, es perseguido más por razones personales que ideológicas: el “Cojo” (Pere Ponce), uno de los anarquistas del pueblo, está enamorado de Dora (Maria Molins), la mujer de Ramón, y trata de aprovecharse de la situación. Dadas las circunstancias, Ramón se ve obligado a cruzar el umbral de las luces. Dora tendrá entonces que afrontar la soledad y el acoso del Cojo. Para sobrevivir a la guerra y sus penalidades, Dora solo contará con la ayuda de Gernsback (Tom Sizemore), un oficial norteamericano de las Brigadas Internacionales, o “Lo Fusteret” (Josep Maria Domènech), un viejo anarquista enfrentado con el Cojo. Aibar ha dirigido ya ocho trabajos, y el anterior fue “El Gran Vázquez” (2010). Ahora intenta poner en marcha una maquinaria en la que combinar la guerra civil y el relato de ciencia-ficción. La fantasía y ese mismo tema encajaron a la perfección (para la sorpresa de todos) en "El laberinto del fauno" (2006) de Guillermo del Toro, que supo encontrar y desarrollar las claves para que la película funcionara en los dos extremos de la fantasía y la realidad. Ha querido encontrarlas Óscar Aibar, con un guión de Albert Sánchez Piñol, pero ha fracasado estrepitosamente en el intento. Y lo curioso es que las escenas que tienen que ver con la ciencia ficción pueden tener un pase, pero la reconstrucción de la parte histórica parece un mal chiste, una anécdota sin interés. Una pena...
El capital (2012)***
Dir. Constantin Costa-Gavras
Int: Gad Elmaleh, Gabriel Byrne, Liya Kebede
Es la historia del imparable ascenso de Marc Tourneuil (Gad Elmaleh), un prescindible sicario del Capital que se convierte en su indiscutible amo y señor. Guión de Constantin Costa-Gavras, Karim Boukercha y Jean-Claude Grumberg inspirado por la novela de Stéphane Osmont. El veterano director griego, residente en Francia, escoge de nuevo el tono de denuncia política y de compromiso con la historia y la justicia, como ya hizo en “Amén” (2002) o en su mítica “Z” (1969). Ahora, le tocaba hablarnos del sector de las finanzas internacionales y su vinculación con la banca francesa. La situación económica actual (y la crisis que la protagoniza desde algunos años) tiene unos responsables. Costa-Gavras nos enseña con firmeza que aspecto tienen, cómo se comportan y cuáles son sus preocupaciones reales. Una secuencia final, que no desvelaré aquí, muestra con cierta "inocencia", cuál es la verdad y cómo, unos pocos, son capaces de amargar la existencia de países enteros. Cine de denuncia, ciertamente necesario. Abstenerse todos aquellos que hayan dejado de hacerse preguntas sobre cómo se ha podido llegar a la precaria situación actual del sistema capitalista.El cuerpo (2012)**
Dir: Oriol Paulo
Int: José Coronado, Belén Rueda, Hugo Silva
Tras atropellar a alguien, un guardia de seguridad de la morgue huye. En el depósito de cadáveres, la policía descubre que la puerta de una de las neveras está abierta y el cadáver de una mujer ha desaparecido. El inspector de policía encargado de la investigación cuenta con la colaboración del marido de la difunta, aunque no descarta la posibilidad de que esté relacionado con el asunto. Debut en la dirección del guionista Oriol Paulo (por ejemplo de “Los ojos de Julia”, realizada por Guillem Morales en 2010). Se trataba de aprovecharse de la buena forma de actores como José Coronado o Belén Rueda que parecen desenvolverse bien con personajes de thriller. Una vez más Coronado es el policía (algo torturado por un reciente pasado que se nos irá descubriendo poco a poco) y Belén Rueda una mujer que parece haber vuelto de la tumba ( perdón, de la morgue). Si no fuera por que todo debe encajar en la parte final del filme, sin importar mucho todo lo visto y contado previamente, podría decirse sin miedo que algunos guionistas españoles (y ahora, también directores) han dado con el truco que hace que el género, al estilo de los países anglosajones, funcione. Pero lo cierto es que nada parece demasiado creíble. Los actores son correctos en sus trabajos respectivos, pero chirría a mi parecer algunos de los secundarios (policías) que parecen una pésima parodia de los de las películas y series norteamericanas; y lo que es más grave el decepcionante tono general del filme, más próximo a las "películas con susto" más pensadas para los adolescentes "palomiteros".
El chef, la receta de la felicidad (Comme un chef, 2012)**
Dir: Daniel Cohen
Int: Jean Reno, Michaël Youn, Raphaëlle Agogué.
El joven Jacky Bonnot (Michaël Youn) sueña con triunfar en un gran restaurante. Pero su precaria situación económica le obliga a aceptar trabajos como cocinero que ni siquiera consigue conservar. Un día se cruza en su camino Alexandre Lagarde (Jean Reno), un célebre chef, cuya acomodada posición se ve amenazada por el grupo financiero propietario de sus restaurantes. Tercera realización del francés Daniel Cohen, más conocido como guionista, también ha escrito la historia de “Comme un chef”. Ni siquiera los "esforzados" trabajos de Jean Reno y Michaël Youn logran que esta comedia levante el vuelo. Realización rutinaria y simple oportunismo en el guión , con ligeras notas sarcásticas sobre las experimentaciones culinarias de Ferrán Adrià y compañía...
El doble del diablo (2011)**
Dir: Lee Tamahori
Int: Dominic Cooper, Ludivine Sagnier, Raad Rawi.
Película basada en las memorias de Latif Yahia, el doble de Uday Hussein, hijo de Saddam, que relata cómo se vio obligado a integrarse en la vida del clan Hussein en Irak. La dirección a cargo del neozelandés Lee Tamahori, un artesano eficiente, capaz de dirigir una entrega de la saga James Bond, o episodios de conocidas series como “Los Soprano”. Aquí, a duras penas logra mantener el interés de una historia real, inspirada en el libro del propio protagonista de los hechos (Latif Yahia), y que ha adaptado Michael Thomas, intentando que la desagradable personalidad de Uday Hussein pueda ser aceptada en su desequilibrio psicótico, un reflejo de la situación del gobierno de su país en ese periodo. Dominic Cooper se enfrenta al doble papel con decisión e introduciendo algunas notas de humor, que deberían producir escalofríos y no lo consiguen (¿el doblaje no ha sido todo lo afortunado que debiera?). Aunque somos conscientes de que realmente han existido, existen y existirán personas como Uday Husseim, todavía cuesta creérselos en la ficción, así que necesitan de recursos genéricos de los que, conscientemente, ha huido Tamahori en la puesta en escena, y quizá de un modo no demasiado acertado, ya que nos habrían ayudado a entender (quizás) la mentalidad del monstruo...
El ejercicio del poder****
Dir: Pierre
Schöller
Int: Olivier
Gourmet, Michel Blanc, Zabou Breitman, Laurent Stocker
A Bertrand
Saint-Jean (Olivier Gourmet), ministro de Transporte, lo despierta en plena
noche Gilles (Michel Blanc), su secretario personal, para comunicarle que un
autobús ha caído por un barranco. No tiene más remedio que dirigirse
inmediatamente al lugar del accidente. Empieza así la odisea de un político que
debe moverse en un mundo cada vez más complejo y hostil: luchas de poder, caos
y crisis económica. Es el tercer largometraje que dirige el francés
Pierre Schöller, más conocido por su trayectoria como guionista y por su
anterior filme “Versalles” (2008). Por cierto, también ha escrito el guión de
está sólida historia sobre el poder político moderno (en Francia y quizá con no
tan difíciles extrapolaciones a países cercanos). Tiene al menos dos bazas
importantes, el apoyo de los hermanos belgas Jean-Pierre Dardenne y Luc
Dardenne (en la producción) y de Olivier Gourmet (como actor principal), que
son de los más destacados (en la dirección los hermanos y en la interpretación
Gourmet) en el cine europeo actual. La solidez en el guión y en los
planteamientos visuales, desde las escenas oníricas (escasas pero contundentes)
hasta el rodaje de algunas secuencias tremendamente realistas sobre un
accidente de coche, contribuyen a meternos en la piel (y en el subconsciente)
de un político, en sus servidumbres y en su hipocresía vital. A diferencia de
las producciones norteamericanas, no estamos ante un ser todopoderoso o, al
menos, tocado por los dioses, sino ante una personalidad bastante vulgar y
arrastrada por el devenir de los acontecimientos y, eso sí, con una ambición
sin límites.
-Aragonia-
Dir: Baz Luhrmann
Guión de Baz Luhrmann y
Craig Pearce. Adaptación de la novela homónima de F. Scott Fitzgerald. En la
alta sociedad norteamericana, llama la atención la presencia de Gatsby
(Leonardo DiCaprio), un hombre misterioso e inmensamente rico, al que todos
consideran un advenedizo, lo que no impide que acudan a sus fastuosas fiestas.
Gatsby vive obsesionado con la idea de recuperar al amor de su juventud. El
australiano Baz Luhrmann, vuelve, después de “Australia” (2008) y “Moulin
Rouge” (2001) a sus espectaculares universos, ahora con el permiso de F. Scott Fitzgerald
y el de Francis Ford Coppola, que escribió la primera adaptación para el cine
en 1974 (dirigió Jack Clayton, con Robert Redford en plena forma).Ahora, resulta que aquella vieja adaptación que, en su momento, no llamó especialmente la atención, crece enormemente ante la inane y aburrida visión de Luhrmann, que con su falso sentido del espectáculo coreográfico (y encima en el molesto 3D) ha logrado producirme más de un bostezo desesperado. Ni el esfuerzo de los actores (es un trabajo reseñable, a pesar de todo, el de Tobey Maguire como cronista) nos permite superar la inquietud de soportar durante más de dos horas las idas y venidas de Gastby y su amante de una mansión a otra, eso sí, con atropello incluido. Resulta bastante prescindible. Recuperen la vieja versión.
-Aragonia, C. Augusta, C. Grancasa,
Palafox, Puerto Venecia, Yelmo-
El hobbit: Un viaje inesperado (2012)***
Dir: Peter Jackson
Int: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, Andy Serkis.
Precuela de la trilogía "El Señor de los Anillos", obra de J.R.R. Tolkien. En compañía del mago Gandalf (Ian McKellen) y de trece enanos, el hobbit Bilbo Bolsón (Martin Freeman) emprende un viaje a través del país de los elfos y los bosques de los trolls, desde las mazmorras de los orcos hasta la Montaña Solitaria, donde el dragón Smaug esconde el tesoro de los Enanos. Finalmente, en las profundidades de la Tierra, encuentra el Anillo Único, hipnótico objeto que será posteriormente causa de tantas sangrientas batallas en la Tierra Media. El realizador Peter Jackson, dispuesto a culminar toda la saga de Tolkien. Han escrito el guión y adaptado el libro: Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson y Guillermo del Toro, que inició el proyecto. Y no se han conformado con adaptar la novela "El hobbit", ya que para ir construyendo una nueva trilogía cinematográfica han engordado la historia con muchas de las historias complementarias que el propio Tolkien fue desarrollando para contarnos el nuevo universo por él concebido. Superada cierta sensación de ya haber visto esta película (el respeto al tratamiento visual de la primera era de "El señor de los anillos" es absoluto), el filme, para lo excesivo de su duración, transcurre con cierta ligereza, ya que los mejores momentos están acumulados en la última hora. Si no fuera por la numerosas concesiones a la estética de los videojuegos (supongo que se explotará al máximo sus posibilidades en ese terreno), sería más apreciada, por quien esto suscribe y por los que respetuosamente han seguido consumiendo el universo de Tolkien, aunque fuera impulsados por la visión de Peter Jackson. Cierto que, si no hubiera sido así, habría limitado sus posibilidades entre el público más joven...Y no debe olvidarse que esta saga se ha concebido para ganar dinero, mucho dinero...
El hombre de los puños de hierro (2012)*
Dir: RZA
Int: RZA, Russell Crowe, Lucy Liu.
La acción transcurre en la China feudal y el protagonista es un forastero (el mismísimo RZA) que se dedica a fabricar armas para los vecinos de un pequeño pueblo, pero llega un día en que debe convertirse en su protector. Guión de Eli Roth y RZA, que es un hombre del rap, con experiencia como actor y compositor musical, que hace sus primeras armas en la dirección de largometrajes de la mano de Quentin Tarantino. La cierto es que el despropósito es tan grande que si uno puede desembarazarse de sus prejuicios terminará por admitir que una broma de tales proporciones merece, al menos, un jocoso comentario. Seguramente obtará, y con muchas opciones, a los "Razzies" de este año. Difícilmente veré nada tan triste y bochornoso durante los próximos años...Amantes de los bizarro y casposo, esta película os llenará de placer...
El lado bueno de las cosas (Silver Linings Playbook, 2012)***
Dir: David O. Russell
Int: Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert De Niro
Tras pasar ocho meses en una institución mental por agredir al amante de su mujer, Pat (Bradley Cooper) vuelve con lo puesto a vivir en casa de sus padres (Robert De Niro y Jacki Weaver). Determinado a tener una actitud positiva y recuperar a su ex-mujer, el mundo de Pat se pone del revés cuando conoce a Tiffany (Jennifer Lawrence), una chica con ciertos problemas y no muy buena fama en el barrio. A pesar de su mutua desconfianza inicial, entre ellos pronto se desarrollará un vínculo muy especial que les ayudará a encontrar en sus vidas el lado bueno de las cosas. Guión de David O. Russell, según el libro de Matthew Quick. David O. Russell es un realizador neoyorquino que adquirió cierto renombre con filmes como “Tres reyes” (1999) o la más reciente “The Fighter” (2000). Ahora ha apostado sobre seguro, con una realización más convencional y unas brillantes interpretaciones de Bradley Cooper y Jennifer Lawrence, capaces de transmitirnos con mucha fuerza esta esperanzadora historia de "amores bipolares".
El ladrón de palabras (2012)**
Dir: Brian Klugman y Lee Sternthal
Int: Bradley Cooper, Zoe Saldana, Jeremy Irons
Dir: Lech Majewski
Int: Rutger Hauer, Charlotte Rampling, Michael York
La película se inspira en la obra
"Cristo cargando la cruz" del pintor flamenco Pieter Brueghel
"el Viejo". Se eligieron doce personajes del cuadro y sus historias
se combinaron con los avatares de la creación de la tela. Majewski pintó los
decorados y se utilizó lo último en técnicas digitales para incorporar a los
actores al mundo de Brueghel. La película se exhibió en Sundance. Majewski es
un realizador polaco que inició su trayectoria en 1980, y al menos en las salas
de Zaragoza, nunca se había visto ninguno de sus trabajos.Valiente e impactante a ratos, y aunque a la postre sean demasiado escasos y repetitivos, resultan suficiente razón para someterse a la disciplina de ver como una obra pictórica, se "desenvuelve" y desarrolla en película, en acción cinética. Le falta la soltura narrativa de un Kubrick (por citar un ejemplo de realizador en el que pesa mucho la estética de la plástica pictórica) y le sobra la pretensión de estar construyendo una obra maestra.-Aragonia-
El muerto y ser feliz (2012)**
Dir: Javier Rebollo
Int: José Sacristán, Roxana Blanco, Vicky Peña
Cuando un asesino a sueldo español, ingresado en un hospital de Buenos Aires, se da cuenta de que está a punto de morir, se escapa y se dirige al norte atravesando todo el país. Huye por carreteras secundarias en una especie de tranquila peregrinación que tiene algo que ver con una moderna novela de caballerías. Una mujer que ha encontrado en la carretera será su escudero en este continuo avanzar huyendo de la muerte y corriendo, al mismo tiempo, hacia ella. El realizador madrileño Javier Rebollo no ha tenido demasiada fortuna, e incluso su excelente trabajo “Lo que sé de Lola” (2006) pasó desapercibido. Ahora, se ha ido a Argentina y ha escrito esta curiosa historia junto a su habitual colaboradora Lola Mayo y Salvador Roselli, guionista de algunos trabajos del peculiar realizador argentino Lisandro Alonso. Y se nota la presencia del escritor argentino, y el gusto por un cine "diferente". Esta road movie, funciona con molestas e intencionadas (irritantes) voces en off, que como si se tratara de una monótona salmodia van anticipándonos, con unos breves segundos, todos (o casi todos) los sucesos. La primera sensación es la de un continuo "anticlimax", de una ruptura consciente de cualquier posible emoción. En algunos momentos, uno cree estar reviviendo ciertos aspectos (los peores) de la vanguardia cinematográficas de los años sesenta. Película, por las razones expuestas, valiente, poco o nada entretenida, con un más que correcto (aunque escaso) trabajo de actores. Quizás, como me hizo ver mi acompañante en el visionado, todo un ajuste de cuentas con la idea del mito, y la narración "oral" que siempre lo sustentó, en este caso a pesar de las imágenes...
Los Guardianes Inmortales son un grupo de héroes que poseen extraordinarias facultades. Cuando Pitch, un espíritu maligno, acepta el reto de destruir el mundo, esos héroes tendrán que unir sus fuerzas por primera vez para proteger las esperanzas, las creencias y la imaginación de los niños de todo el mundo. Un guión de David Lindsay-Abaire, inspirado en el libro de William Joyce. Uno de los productores ejecutivos del filme es Guillermo del Toro. Y se nota que hay un claro intento de aproximar a estos legendarios personajes a las características de los modernos super héroes de cómic y cine. Los estudios DreamWorks continúan en la pugna contra Disney-Pixar, con resultados que a mi me parecen, al menos igual de reaccionarios en lo ideológico y técnicamente impecables. Hay que reconocer que la animación está alcanzando niveles de perfección que amenaza con desplazar a la ficción con personajes de carne y hueso, y no sólo estoy pensando en las películas concebidas para los más jóvenes. el tratamiento estético es de un gran preciosismo, el ritmo narrativo impecable y desbordante. Estamos ante los nuevos narcóticos audiovisuales empaquetados desde Hollywood. ¡Prepárense, el futuro del entretenimiento para todos los públicos es digital y lleva patente de corso norteamericana!
Crónica de la vida de los profesores y estudiantes de un instituto desde el punto de vista de un profesor sustituto. El británico Tony Kaye ha dirigido cuatro trabajos no estrenados en España después de su polémica y excelente “American History X” (1998). Ahora nos llega su último filme y lo hace con un guión de Carl Lund y el interés del actor Adrien Brody, muy comprometido con un filme (es además uno de los productores ejecutivos) que ya nace con una cierta vocación minoritaria al tratar de un mundo tan complejo como el de la enseñanza. Su planteamiento visual es reconocible, en un realizador al que hemos visto muy poco, pero que sorprendió agradablemente por su puesta en escena de "American History X", con la que guarda una cierta conexión. Ahora quizás nos proponga un relato menos compacto que en aquella y que se complementa con imágenes documentales, otras de un marcado onirismo pesadillesco y breves animaciones de un diario personal y terrible que va descubriéndonos nuevas facetas de un personaje central que destaca: el profesor Henry Barthes, que no es otro que Adrien Brody, enfrentado a su compleja existencia y al mundo de la formación de adolescentes. Aunque no dudo de que algunas experiencias relatadas son más que reales y posibles, la concentración de desgracias resulta muy difícil de superar en un filme que, por otra parte, es capaz de relatar con valentía ese complejo mundo de la enseñanza que algunos políticos de muestro país están intentando ningunear y desprestigiar...
Un narcotraficante escapa de la justicia y huye en dirección a México. En su camino hacia la libertad sólo se interpondrá un policía de un pequeño pueblo fronterizo. Guión de Jeffrey Nachmanoff y Andrew Knauer. Y en el octavo film del coreano Kim Jee-woon se encontraron el Schwarzenegger y el Noriega (haciendo de narco Mexicano). Una auténtica serie “B” de acción con verdaderos materiales de desecho…Y, como no podía ser menos hay coches volando por los aires, explosiones, disparos, abuelitas que defienden su territorio a tiro limpio y un muy viejo "Arnie" que, eso sí es cierto, no pierde su peculiar sentido del humor. Difícilmente esta película pasará a la historia del séptimo arte, pero en estos tiempos de zozobra económica y corrupción generalizada entre las ¿élites? políticas que demonios importa, ¿no?
Tras un aterrizaje de emergencia gracias al cual salvan la vida un centenar de pasajeros, el capitán Whip Whitaker (Denzel Washington), que pilotaba el avión, es agasajado como un héroe nacional. Sin embargo, cuando se pone en marcha la investigación para determinar las causas de la avería, se descubre que, probablemente, fue precisamente el piloto quien puso en peligro la vida de los pasajeros debido a su alcoholismo. Guión de John Gatins para un Zemeckis que, de momento, abandona el cine de animación y regresa al cine con personajes reales y, además, con tintes melodramáticos. Y por cierto, predomina el tono dramático. Nadie debería confundirse, esta es una película sobre la poderosa adicción al alcohol y la cocaína de un piloto de lineas comerciales, y puede leerse como muestra de muchos otros individuos de parecidos (e iguales) cometidos profesionales a los del protagonista. Muchos, demasiados creen poder dominar las drogas (legales o no, da lo mismo) y en ocasiones las consecuencias son nefastas. El trabajo de Denzel Washington, una vez más, es sólido y convincente y ayuda bastante a encontrarle sentido al regreso de Robert Zemeckis al cine con personajes de "carne y hueso".
Germain (Fabrice Luchini) es un profesor de literatura francesa, desalentado y hastiado por las insulsas y torpes redacciones de sus nuevos alumnos, descubre entusiasmado que, por el contrario, el chico que se sienta al fondo de la clase, muestra en sus trabajos un agudo y sutil sentido de la observación. Este chico, que se siente extrañamente fascinado por la familia de uno de sus compañeros, escribirá, animado por el profesor, una especie de novela sobre esa familia (y también sobre el profesor), en la que es difícil distinguir entre realidad y ficción. Guión de François Ozon que adapta con libertad la obra teatral del dramaturgo español Juan Mayorga, y que pare muy del gusto del realizador francés Ozon, y su peculiar estilo que ya ha mostrado en filmes como “8 mujeres” (2002). Aquí, sin lograr un resultado redondo, si logra sugerir algunas cuestiones que parecen trascender la descripción de una relación porfesor-alumno y que aluden al mismo proceso de la creación literaria, a la realidad y la ficción e incluso al poder de la manipulación que puede tener la expresión artística.
Un grupo de amigos se reúne para rememorar la noche que vivieron quince años antes en un refugio de montaña. Tras un inesperado apagón, descubren que las estrellas brillan más de lo habitual. A la mañana siguiente, uno de ellos desaparece sin dejar rastro... Guión de Sergio G. Sánchez y Jorge Guerricaechevarría que adapta la novela de David Monteagudo. No ha dejado Jorge Torregrossa de dirigir episodios para algunas series (“La señora”, “Tierra de lobos” o “Imperium”) y ha debutado como director de largometrajes para el cine con “Fin” que apuesta por el suspenso y ciertos apuntes fantásticos. Además, ha intentado fusionar todo ese planteamiento del nuevo género apocalíptico con las historias de "reencuentros de viejos amigos con mucho que reprocharse"...El resultado es una película con resultados parcialmente positivos que tienen que ver con el buen trabajo de casi todo el reparto (Velencoso que siga luciendo palmito y deje a los actores profesionales hacer su trabajo) y la selección de espacios. Son magníficos (y oportunos) escenarios algunos parajes del Maestrazgo turolense y la ciudad de Peñíscola que terminan por ser también protagonistas del filme. Lo peor es que termina por notarse demasiado los limitados medios que han hecho de la elipsis el mejor recurso posible para disimularlos, y poco tienen que ver (o eso parece) con un recurso narrativo...
Int: José Sacristán, Roxana Blanco, Vicky Peña
Cuando un asesino a sueldo español, ingresado en un hospital de Buenos Aires, se da cuenta de que está a punto de morir, se escapa y se dirige al norte atravesando todo el país. Huye por carreteras secundarias en una especie de tranquila peregrinación que tiene algo que ver con una moderna novela de caballerías. Una mujer que ha encontrado en la carretera será su escudero en este continuo avanzar huyendo de la muerte y corriendo, al mismo tiempo, hacia ella. El realizador madrileño Javier Rebollo no ha tenido demasiada fortuna, e incluso su excelente trabajo “Lo que sé de Lola” (2006) pasó desapercibido. Ahora, se ha ido a Argentina y ha escrito esta curiosa historia junto a su habitual colaboradora Lola Mayo y Salvador Roselli, guionista de algunos trabajos del peculiar realizador argentino Lisandro Alonso. Y se nota la presencia del escritor argentino, y el gusto por un cine "diferente". Esta road movie, funciona con molestas e intencionadas (irritantes) voces en off, que como si se tratara de una monótona salmodia van anticipándonos, con unos breves segundos, todos (o casi todos) los sucesos. La primera sensación es la de un continuo "anticlimax", de una ruptura consciente de cualquier posible emoción. En algunos momentos, uno cree estar reviviendo ciertos aspectos (los peores) de la vanguardia cinematográficas de los años sesenta. Película, por las razones expuestas, valiente, poco o nada entretenida, con un más que correcto (aunque escaso) trabajo de actores. Quizás, como me hizo ver mi acompañante en el visionado, todo un ajuste de cuentas con la idea del mito, y la narración "oral" que siempre lo sustentó, en este caso a pesar de las imágenes...
El origen de los guardianes (2012)***
Dir: Peter Ramsey
Los Guardianes Inmortales son un grupo de héroes que poseen extraordinarias facultades. Cuando Pitch, un espíritu maligno, acepta el reto de destruir el mundo, esos héroes tendrán que unir sus fuerzas por primera vez para proteger las esperanzas, las creencias y la imaginación de los niños de todo el mundo. Un guión de David Lindsay-Abaire, inspirado en el libro de William Joyce. Uno de los productores ejecutivos del filme es Guillermo del Toro. Y se nota que hay un claro intento de aproximar a estos legendarios personajes a las características de los modernos super héroes de cómic y cine. Los estudios DreamWorks continúan en la pugna contra Disney-Pixar, con resultados que a mi me parecen, al menos igual de reaccionarios en lo ideológico y técnicamente impecables. Hay que reconocer que la animación está alcanzando niveles de perfección que amenaza con desplazar a la ficción con personajes de carne y hueso, y no sólo estoy pensando en las películas concebidas para los más jóvenes. el tratamiento estético es de un gran preciosismo, el ritmo narrativo impecable y desbordante. Estamos ante los nuevos narcóticos audiovisuales empaquetados desde Hollywood. ¡Prepárense, el futuro del entretenimiento para todos los públicos es digital y lleva patente de corso norteamericana!
El profesor (Detachment) (2011)**
Dir: Tony Kaye
Int: Adrien Brody, Christina Hendricks, Sami Gayle
El último desafío (The Last Stand, 2013)**
Dir: Kim Jee-woon
Int: Arnold Schwarzenegger, Eduardo Noriega, Forest Whitaker
Un narcotraficante escapa de la justicia y huye en dirección a México. En su camino hacia la libertad sólo se interpondrá un policía de un pequeño pueblo fronterizo. Guión de Jeffrey Nachmanoff y Andrew Knauer. Y en el octavo film del coreano Kim Jee-woon se encontraron el Schwarzenegger y el Noriega (haciendo de narco Mexicano). Una auténtica serie “B” de acción con verdaderos materiales de desecho…Y, como no podía ser menos hay coches volando por los aires, explosiones, disparos, abuelitas que defienden su territorio a tiro limpio y un muy viejo "Arnie" que, eso sí es cierto, no pierde su peculiar sentido del humor. Difícilmente esta película pasará a la historia del séptimo arte, pero en estos tiempos de zozobra económica y corrupción generalizada entre las ¿élites? políticas que demonios importa, ¿no?
El vuelo (Flight) (2012)***
Dir: Robert Zemeckis
Int: Denzel Washington, Kelly Reilly, John Goodman
Tras un aterrizaje de emergencia gracias al cual salvan la vida un centenar de pasajeros, el capitán Whip Whitaker (Denzel Washington), que pilotaba el avión, es agasajado como un héroe nacional. Sin embargo, cuando se pone en marcha la investigación para determinar las causas de la avería, se descubre que, probablemente, fue precisamente el piloto quien puso en peligro la vida de los pasajeros debido a su alcoholismo. Guión de John Gatins para un Zemeckis que, de momento, abandona el cine de animación y regresa al cine con personajes reales y, además, con tintes melodramáticos. Y por cierto, predomina el tono dramático. Nadie debería confundirse, esta es una película sobre la poderosa adicción al alcohol y la cocaína de un piloto de lineas comerciales, y puede leerse como muestra de muchos otros individuos de parecidos (e iguales) cometidos profesionales a los del protagonista. Muchos, demasiados creen poder dominar las drogas (legales o no, da lo mismo) y en ocasiones las consecuencias son nefastas. El trabajo de Denzel Washington, una vez más, es sólido y convincente y ayuda bastante a encontrarle sentido al regreso de Robert Zemeckis al cine con personajes de "carne y hueso".
En la casa (2012)***
Dir: François Ozon
Int: Kristin Scott Thomas, Emmanuelle Seigner, Fabrice Luchini
Germain (Fabrice Luchini) es un profesor de literatura francesa, desalentado y hastiado por las insulsas y torpes redacciones de sus nuevos alumnos, descubre entusiasmado que, por el contrario, el chico que se sienta al fondo de la clase, muestra en sus trabajos un agudo y sutil sentido de la observación. Este chico, que se siente extrañamente fascinado por la familia de uno de sus compañeros, escribirá, animado por el profesor, una especie de novela sobre esa familia (y también sobre el profesor), en la que es difícil distinguir entre realidad y ficción. Guión de François Ozon que adapta con libertad la obra teatral del dramaturgo español Juan Mayorga, y que pare muy del gusto del realizador francés Ozon, y su peculiar estilo que ya ha mostrado en filmes como “8 mujeres” (2002). Aquí, sin lograr un resultado redondo, si logra sugerir algunas cuestiones que parecen trascender la descripción de una relación porfesor-alumno y que aluden al mismo proceso de la creación literaria, a la realidad y la ficción e incluso al poder de la manipulación que puede tener la expresión artística.
Fin (2012)**
Dir: Jorge Torregrossa
Int: Maribel Verdú, Daniel Grao, Clara Lago
Un grupo de amigos se reúne para rememorar la noche que vivieron quince años antes en un refugio de montaña. Tras un inesperado apagón, descubren que las estrellas brillan más de lo habitual. A la mañana siguiente, uno de ellos desaparece sin dejar rastro... Guión de Sergio G. Sánchez y Jorge Guerricaechevarría que adapta la novela de David Monteagudo. No ha dejado Jorge Torregrossa de dirigir episodios para algunas series (“La señora”, “Tierra de lobos” o “Imperium”) y ha debutado como director de largometrajes para el cine con “Fin” que apuesta por el suspenso y ciertos apuntes fantásticos. Además, ha intentado fusionar todo ese planteamiento del nuevo género apocalíptico con las historias de "reencuentros de viejos amigos con mucho que reprocharse"...El resultado es una película con resultados parcialmente positivos que tienen que ver con el buen trabajo de casi todo el reparto (Velencoso que siga luciendo palmito y deje a los actores profesionales hacer su trabajo) y la selección de espacios. Son magníficos (y oportunos) escenarios algunos parajes del Maestrazgo turolense y la ciudad de Peñíscola que terminan por ser también protagonistas del filme. Lo peor es que termina por notarse demasiado los limitados medios que han hecho de la elipsis el mejor recurso posible para disimularlos, y poco tienen que ver (o eso parece) con un recurso narrativo...
Gangster Squad (Brigada de élite) (2013)***
Dir. Ruben Fleischer
Int: Josh Brolin, Ryan Gosling, Sean, Penn, Nick Nolte.
Una serie de artículos periodísticos dan cuenta de la labor de un equipo especial de policías cuya misión es atrapar a Meyer Harris “Mickey” Cohen (Sean Penn), un poderoso gánster judío de los años 40. Guión de Will Beall según el libro de Paul Lieberman. El director de “Bienvenidos a Zombieland” (2009) ha demostrado que puede hacer una de gangsters. Y lo ha hecho mezclando aspectos visuales de los cómics y de la más clásica imagineria del cine negro americano de los años cuarenta y cincuenta. Los dos policías (interpretados por Brolin y Gosling) son dignos opositores del malísimo "Mickey" Cohen, reencarnado con acierto por Sean Penn. Brillantes secuencias de acción, concebidas con una violencia "tarantiniana", con algún grado menor de ironía. Esta película augura una nueva y esperanzadora época para las historias genéricas, tratadas con respeto, y, al mismo tiempo, desparpajo y un sentido del ritmo descaradamente moderno, por el joven realizador Ruben Fleischer.
Frankenweenie (2012)**
Dir: Tim Burton
Hermosas criaturas (2013)*
Dir: Richard LaGravenese
Int: Alden Ehrenreich, Alice Englert,
Jeremy Irons
El
hastío domina la vida de Ethan Wate (Alden Ehrenreich), un chico que vive en un
pueblo perdido del sur de los Estados Unidos. Pero un día conoce a Lena
Duchannes (Alice Englert), que es, al mismo tiempo, la chica de sus sueños y
sus pesadillas. Cuento de amores contrariados que esconde un oscuro y peligroso
secreto. Adaptación de una de las novelas tituladas "Sixteen Moons"
(Dieciséis lunas) de Kami Garcia y Margaret Stohl. Guión de Richard
LaGravenese, uno de los más reconocidos en el campo de la escritura de guiones
en Estados Unidos, que ya llevaba un tiempo intentando pasarse a la dirección.
Lo ha hecho poniéndose al servicio de otra de esas historias procedentes de la
literatura para adolescentes ociosos que va tras las estelas de “harryspotters”
y “crepúsculos”, es decir un auténtico pesar. Ni su pasado buen hacer en la
escritura, ni el reaparto con algunos ilustres veteranos solucionan este
horrible desaguisado…
Un guión de Sergio Barrejón y David
Victori que adapta la novela de Ignacio García-Valiño e intenta seguir la estela de todo un subgénero del thriller anglosajón que intenta mostrarnos a un niño (o un joven) extremadamente peligroso, tanto por su inteligencia como su capacidad para eliminar cualquier obstáculo para lograr sus deseos . Nico Albert (David
Solans) es un adolescente de carácter muy peculiar, inteligencia excepcional y
una única obsesión: el ajedrez. Sus padres, preocupados por la anómala actitud
de su hijo, contratan al psicólogo infantil Julio Beltrán (Julio Manrique). A
través de la terapia y de la afición común al ajedrez, Julio se adentrará en el
inquietante mundo de Nico y en las complejas relaciones de esta familia
aparentemente normal. Es el primer largometraje de Jesús
Monllao y hay que aclarar que toda la fase inicial del filme, en la que se presenta las tramas y a los personajes, es bastante sugerente. Algo muy diferente ocurre a la hora de ir cerrando las situaciones planteadas y cuando, paulatinamente, se va cayendo en los tópicos más trillados y en situaciones que se antojan bastante improbables.
-Palafox, Puerto Venecia, Yelmo-
Hitchcock (2012)**
Dir: Sacha Gervasi
Int: Anthony Hopkins, Helen Mirren, Scarlett Johansson
Holmes & Watson. Madrid Days (2012)**
Dir: José Luis Garci
Int: Gary
Piquer, José Luis García Pérez, Leticia Dolera
Película
basada en los personajes del escritor inglés Arthur Conan Doyle. Narra un
hipotético encuentro en Madrid entre el mítico detective Sherlock Holmes (Gary
Piquer) y Jack el Destripador. José Luis Garci y Eduardo Torres-Dulce
desarrollaron la línea argumental y el
guión lo firman José Luis Garci, María San Román Riveiro y Andrea
Tenuta, quizá la intervención de estas dos mujeres en la redacción final sea
una de las claves para entender el importante papel dado a algunos de los
personajes femeninos en el film. Desde el batacazo de “Sangre de Mayo” (2008),
José Luis Garci no había realizado ningún largometraje. Este es su regreso a la
pantalla grande y lo ha hecho como corresponde a un veterano realizador, sin
miedo a enfrentarse a dos mitos: Sherlock Holmes, el detective surgido de
la imaginación de Conan Doyle, y el de "Jack The Ripper", personaje
aparentemente real envuelto igualmente en una apasionante leyenda cien por cien
urbana. Si no fuera por la obsesión propagandística (Madrid, Madrid,
Madrid...), los cameos de dudosos personajes de la política española (y
madrileña) reciente, la intencionada arritmia (cuestión de estilo en Garci) y
el aburrimiento que todo ello produce, seguramente podría haberse dicho que
este es el único Garci soportable, ese que dirigió "El crack" en 1981,
o el de "Tiovivo c. 1950" (2004); desgraciadamente, la crítica
situación que vivimos (económica, creativa) también ha debido afectar al
ganador del Oscar por "Volver a empezar", en 1982.
En un campo de refugiados palestino de
Cisjordania, Chloé (Evelyne Brochu), una joven canadiense, cuida a mujeres embarazadas.
Su relación con personas que se hallan a ambos lados de los muros y puntos de
control del campo, hará cambiar sus creencias y convicciones. Segundo
largometraje de la realizadora canadiense Anaïs Barbeau-Lavalette, que trata con valentía el complejo tema del compromiso y el del posicionamiento ético ante situaciones tan complejas como las que viven judíos y palestinos. Situado entre esos dos realidades enfrentadas en un guerra terrible e hipócrita, intenta la "blanca" canadiense moverse en un equilibrio imposible entre los contendientes. Las víctimas más evidentes son los niños y esa cuestión le va a salpicar de modo tan impactante que no le quedará otro remedio que tomar partido. Irreagular, pero valiente película.
En un campo de refugiados palestino de
Cisjordania, Chloé (Evelyne Brochu), una joven canadiense, cuida a mujeres embarazadas.
Su relación con personas que se hallan a ambos lados de los muros y puntos de
control del campo, hará cambiar sus creencias y convicciones. Segundo
largometraje de la realizadora canadiense Anaïs Barbeau-Lavalette, que trata con valentía el complejo tema del compromiso y el del posicionamiento ético ante situaciones tan complejas como las que viven judíos y palestinos. Situado entre esos dos realidades enfrentadas en un guerra terrible e hipócrita, intenta la "blanca" canadiense moverse en un equilibrio imposible entre los contendientes. Las víctimas más evidentes son los niños y esa cuestión le va a salpicar de modo tan impactante que no le quedará otro remedio que tomar partido. Irreagular, pero valiente película.
-Palafox-
Infancia clandestina (2011)***
Dir: Benjamín Ávila
Int: Natalia Oreiro, Ernesto Alterio, César Troncoso
Después de vivir en el exilio, Juan (Teo Gutiérrez Romero), un niño de doce años, regresa con su familia al país, donde todavía ocupa el poder el régimen militar que los obligó a huir. Aunque es testigo de la actitud combativa de sus padres, intenta llevar una vida normal, en la que el colegio, las fiestas, las acampadas, las bromas y las risas con mamá también tienen su lugar. El principal apoyo del niño es su querido tío Beto (Ernesto Alterio) quien, al contrario que su padre, entiende que los ideales y la lucha no están reñidos con las ganas de vivir. El mundo de Juan se transforma cuando se enamora de una compañera de colegio. Lo malo es que sus padres se oponen a esa relación. Después de dos cortometrajes y un documental, debut en el largometraje de ficción del argentino Benjamín Ávila, a quien le tocó vivir una historia semejante a la narrada en la película. En general, el tono de la narración es exquisito y el trabajo de los actores excelente, lo que contribuye a aproximarnos a la historia con facilidad y proximidad afectiva. Algunos aspectos de la revuelta de los "Montoneros", de su lucha clandestina contra la dictadura militar en Argentina quedan mostrados y son revisados desde el próximo recuerdo, desde la nostalgia de una infancia perdida y demasiado expuesta a los ideales de una cruenta lucha por la libertad. Hay algunas escenas memorables y, al tiempo, terribles, aunque se ha logrado mantener un punto de inocencia en la mirada de su protagonista. Aunque con ciertas imperfecciones en la necesaria resolución, enhorabuena a Benjamín Ávila, otro realizador argentino al que tendremos que tener en cuenta.
Invasor (2012)**
Dir: Daniel Calparsoro
Int: Alberto Ammann, Antonio de la Torre, Karra Elejalde
Guión de Javier Gullón y Jorge Arenillas a partir de la novela de Fernando Marías. Pablo (Alberto Ammann) es un médico militar español enviado en misión de paz a Irak durante la guerra de 2003. En una salida rutinaria su convoy es atacado en el desierto. Él y su amigo Diego (Antonio de la Torre) logran refugiarse en una casa deshabitada, pero se ven envueltos en un conflicto que pone sus vidas en peligro...Vuelve Calparsoro a los ambientes bélicos, como en “Guerreros” (2002). Y de nuevo se somete a un género, el de hazañas bélicas, poco habitual en el cine español. Incluye el filme unas dosis de denuncia de situaciones injustas, provocadas por la barbarie de la guerra y los sibilinos propósitos de los servicios secretos españoles para tapar una acción a todas luces injusta y salvaje. También incluye el filme (y por el mismo precio) unas cuantas escenas de acción pura, con persecuciones automovilísticas bastante mal montadas y poco o nada convincentes. Hay demasiadas situaciones (como esas persecuciones, etc...) que aparecen en el filme para justificar su adscripción genérica, pero no aportan nada a la potencial riqueza que la trama argumental propuesta, con militares "malos" y bastante "tarados" y otros sicarios al servicio de las "¿glorias de la patria y la bandera?". 
Iron
Man 3 (2013)**
Dir: Shane
Black
El descarado y brillante
empresario Tony Stark/Iron Man (Robert Downey Jr.) se enfrentará a un enemigo cuyo poder no
conoce límites. Cuando Stark comprende que su enemigo ha destruido su universo
personal, se embarca en una angustiosa búsqueda para encontrar a los
responsables. Este viaje pondrá a prueba su entereza una y otra vez.
Acorralado, Stark tendrá que sobrevivir por sus propios medios, confiando en su
ingenio y su instinto para proteger a las personas que quiere. Guión de Drew
Pearce y Shane Black, este último muy conocido por ser el creador de la serie
cinematográfica de acción “Arma letal”. Y la operación parece bastante descarada. Creo que para todos es evidente que la "franquicia" cinematográfica Iron Man se sostiene gracias al acierto de Robert Downey Jr. incorporando al Hombre de Hierro. De su mano ha llegado el guionista (y director) Shane Black, sin duda encargado de reforzar el personaje burlón y divertido de Tony Stark, hecho a medida de la capacidad histriónica de Downey. Si no fuera por los "fuegos de artificio" finales (al parecer, obligados en una producción de estas características) estaríamos ante un filme al menos tan apreciable como la primera entrega de la saga.
-Aragonia, C. Augusta, C.
Grancasa, Puerto Venecia, Yelmo-
Jack Reacher (2012)***
Dir: Christopher McQuarrie
Int: Tom Cruise, Rosamund Pike, Richard Jenkins
Jack Reacher (Tom Cruise), un antiguo policía militar que vive en la clandestinidad como un vagabundo y que trabaja por su cuenta, decide investigar el caso de un francotirador que ha sido acusado de matar, por puro azar, a cinco personas en un tiroteo. El francotirador, al declarar sobre el suceso, se declaró inocente con una revelación misteriosa: "Consigan a Jack Reacher". Más conocido como guionista, McQuarrie, firma en “Jack Reacher” su segundo largometraje como director y lo hace respetando todas las claves de las películas con héroe justiciero con cualidades próximas a las de cualquier superhéroe. Está claro que Cruise quiere comenzar una nueva "franquicia" y explotar la imagen de tipo atractivo, pero duro y justiciero. No sé si su estatura (con alzas o sin ellas) le permitirá emular las hazañas de algunos históricos como "Harry el sucio", pero lo que parece claro es que lo va a intentar. Con todos los reparos ideológicos del mundo, hay que reconocer que han construido un vehículo entretenido y resuelto con las suficientes persecuciones y peleas, como para que la trama nos parezca insignificante y por tanto nos importe un comino...
Kiseki (Milagro) (2011)***
Dir: Hirokazu
Kore-eda
Int: Ohshirô
Maeda, Koki Maeda, Hiroshi Abe, Jô Odagiri
Dos hermanos viven
separados porque sus padres están divorciados: uno vive con su madre en
Fukuoka, a merced de las cenizas del volcán activo, y el otro con el padre (un “rockero”
en sus horas libres) en Kagoshima. Los dos sueñan con la reconciliación de sus
progenitores. Cuando conocen la noticia de la inauguración de una línea de “tren
bala” que unirá ambas ciudades, se aferran a una superstición, según la cual
cuando los primeros trenes se crucen, ocurrirá un milagro. Y se dedican,
con sus mejores amigos, a organizar una expedición, un viaje iniciático en el
que buscarán cumplir sus deseos. Director que es capaz de mostrarnos con
especial sutileza los universos familiares del Japón actual. Fue especialmente
brillante en “Aruitemo aruitemo” (“Caminando”, 2008) y ahora logra que
penetremos en el universo infantil si casi darnos cuenta. Quizá este film
albergue algunas dosis de “ñoñeria”, pero el buen hacer en los aspectos
formales ayudan bastante a disfrutar de un excelente cine japonés que poco o
nada vemos cerca del Ebro.
-Aragonia-
La banda Picasso (2012)**
Dir: Fernando Colomo
Int: Ignacio Mateos, Stanley Weber, Louise Monot, Pierre Bénézit.
Esta película se basa en una historia real: el robo de La Gioconda del Museo del Louvre de París, en 1911, por el que fueron detenidos Pablo Picasso (Ignacio Mateos) y su amigo Guillaume Apollinaire (Pierre Bénézit) como principales sospechosos. Comedia, con base argumental histórica, del veterano director madrileño y que también ha escrito para el cine. Aunque parezca contradictorio lo mejor y lo peor de esta película es una misma cosa: el estilo suelto, dicharachero y superficial de Fernando Colomo. Este realizador parece haberse quedado estancado en unos modos ya bastante definidos en algunas de sus comedias de los años 80. Ahora, en una historia bastante fiel a como debía ser el ambiente de este grupo de creadores geniales, bohemios y bastante pobres del París de la época, Colomo hubiera necesitado algo más de sofisticación en su puesta en escena. Digamos que su esfuerzo de ambientación queda deslucido y que algunos actores parecen no creerse demasiado sus personajes (parece especialmente grave en el caso de Ignacio Mateos/Picasso), así que uno transita por esta anécdota con cierto desconcierto y pensando que quizá no era este el mejor modo de aproximarse a las geniales personalidades de Picasso o Apollinaire, entre otros.
The Hunt (La caza) (2012)****
Dir: Thomas
Vinterberg
Tras un divorcio difícil, Lucas (Mads Mikkelsen), de cuarenta años, ha
encontrado una nueva novia, un nuevo trabajo y se dispone a reconstruir su
relación con Marcus (Lasse Fogelström), su hijo adolescente. Pero algo va mal.
Un detalle. Un comentario inocente. Una mentira fortuita. Y mientras la nieve
comienza a caer y las luces de Navidad se iluminan, la mentira se extiende como
un virus invisible. El estupor y la desconfianza se propagan y la pequeña
comunidad se sumerge en la historia colectiva, obligando a Lucas a luchar por
salvar su vida y su dignidad. Un guión de Thomas Vinterberg y Tobias Lindholm, siempre
comprometidos con poner a sus personajes en situaciones límite e inesperadas. Una película que confirma, para los que aún tuvieran dudas, que Vinterberg es un realizador tan sólido o más que Lars von Trier (la otra gran estrella de la cinemtografía danesa actual). Al igual que en "Celebración" (1998) o en "Submarino" (2010) este realizador danés se dispone a navegar en las turbias aguas de la hipocresía social, en los lados ocultos de la supuesta convivencia idílica de grupos sociales "civilizados" y equilibrados por las "convenciones" sociales del norte europeo. Una vez más, Mads Mikkelsen construye un personaje completo, capaz de transmitir con sobriedad, al igual que la cámara de Vinterberg, el volcán interior, la profunda alteración vital que está sufriendo. Profunda reflexión sobre la amistad (y la falta de ella) y la complejidad de la convivencia, incluso en algunos ¿paraisos? del norte de Europa.
La
cocinera del presidente (Les saveurs du Palais, 2012)***
Dir:
Christian Vincent
Int: Catherine Frot, Jean d'Ormesson, Hippolyte Girardot
Filme inspirado en la extraordinaria historia de la cocinera privada del
presidente francés François Miterrand. Hortense Laborie (Catherine Frot), una
prestigiosa chef del Perigord, se convierte en la responsable de las comidas
presidenciales en el Palacio del Elíseo. Agradable sorpresa, agradable visión
de la gastronomía que nuestros vecinos
franceses llevan dentro, muy dentro. De hecho, es ese aspecto especialmente
cuidado, y la sentida descripción de una cocinera que ha entregado su alma (su
arte) a esos quehaceres los que llenan de sentido a una película que podría
haber sido un mero producto de consumo pero que trasciende, así, sus valores
artísticos…
Dir: Kathryn Bigelow
Int: Jessica Chastain, Joel Edgerton, Taylor Kinney
Thriller sobre la operación militar que acabó con la vida de Osama Bin Laden, líder de Al Quaeda. El título original, “Zero Dark Thirty” hace referencia a la hora: las 00:30 de la madrugada del 1 de mayo de 2011, momento en que el comando SEAL de los marines penetró en la residencia de Bin Laden en Pakistán para eliminar al hombre más buscado de la historia. Guión de Mark Boal. La realizadora Kathryn Bigelow parece definitivamente destinada al género bélico y, en este caso, fiel a la actualidad bélica de los Estados Unidos en su intento por controlar el mundo. Después de “En tierra hostil” (2008), y su éxito, parecía la más adecuada para ilustrar los sucesos que permitieron “cazar” a Bin Laden. Además, el importante papel de Maya (Jessica Chastain) la analista de la C.I.A., obsesionada con la caza y captura de Bin Laden, termina por ser la representación simbólica de toda una nación herida en su orgullo y dispuesta a casi todo (incluidas las más humillantes torturas) para cercenar la amenaza. A la película le pesan demasiado los largos minutos de investigación y rastreo (que parecen tener mucho de verdad). Ni los atentados con bomba que sazonan la trama, ni las secuencias finales de acción, logran superar la barrera de sopor que inunda la historia. Por otro lado, creo que todo el mundo sabe como terminó Bin Laden, enfrentado al más poderoso imperio que ha existido.
La parte de los ángeles (The Angels' Share, 2012)***
Dir: Ken Loach
Int: Roger Allam, John Henshaw, William Ruane, Paul Brannigan.
Robbie (Paul Brannigan), un joven de Glasgow que acaba de ser padre, jura que su hijo nunca tendrá una vida tan terrible como la suya. En un cursillo de la comunidad, conoce a Rhino (William Ruane), Albert (Gary Maitland) y Mo (Jasmin Riggins), unos chicos que también tienen dificultades para encontrar trabajo. El profesor los inicia en secreto en el arte de paladear whisky. Robbie descubre que tiene verdadero talento de degustador y muy pronto es capaz de identificar los destilados más caros y selectos. Tanto es así que pronto se encontrará con una oportunidad inesperada de ganar un dinero gracias a un añejo destilado. Nuevo repaso al mundo "absurdamente real" a cargo de uno de los pocos cronistas sinceros que le quedan a la clase obrera en el cine actual. Ken Loach y su fiel colaborador Paul Laverty (en el guión) han vuelto a construir una historia en la que los protagonistas son personas normales en situaciones difíciles, pero no extraordinarias. Son héroes cotidianos que sobreviven con grandes problemas hasta que sobreviene un golpe de suerte. Loach y Laverty lo cuentan con el desparpajo habitual (siempre más acertado y coherente cuando se ambienta en Escocia y alrededores) y pequeñas pero necesarias dosis de humor. Al final estamos ante una inocente parábola y un desenlace optimista (no muy verosímil) que creo sienta bien a todos los que contemplan esta historia que seguramente fuera de la pantalla, en esa vida real no cinematográfica, no sería tan complaciente.
La pequeña Venecia (Shun Li y el poeta) (Io sono Li, 2011)***
Dir: Andrea
Segre
Int: Tao Zhao, Rade
Serbedzija, Marco Paolini
Shun Li (Tao Zhao) trabaja en una
fábrica textil de las afueras de Roma. Intenta legalizar su situación para
poder traer a Italia a su hijo de ocho años. De pronto, la mandan a Chioggia,
una pequeña ciudad situada en una isla de la laguna veneciana, para trabajar
como camarera en un bar. Bepi (Rade Serbedzija) , un pescador eslavo apodado
‘El Poeta’, es cliente habitual de ese bar desde hace años. El encuentro entre
ambos es como una huida poética de la soledad, un diálogo silencioso entre dos
culturas que, aunque diferentes, no están tan distantes. Pero ni los chinos ni
los lugareños ven bien esa relación y tratarán de obstaculizarla. Guión de
Marco Pettenello y Andrea Segre, que realiza su primer trabajo de ficción
después de realizar tres filmes documentales y lo hace con fortuna. Película que ha recibido uno de los premios Lux que otorga el Parlamento Europeo y en la que ha sido capaz de sugerirnos visiones acertadas de la actualidad de los desplazados y emigrados en esta , nuestra Europa, que se nos cae a pedazos. La experiencia en el campo documental del realizador italiano Andrea Segre le ha venido muy bien para captar con buenas dosis de realismo unas situaciones que la sensibilidad de los actores protagonistas (Tao Zhao y Rade Serbedzija) y la fotografía de Luca Bigazzi han convertido en una poesía sutil, con una inteligente aplicación del equilibrio a la hora del encuadre, siempre a la búsqueda de la belleza y los sentimientos más puros que, aunque con muchas dificultades, pueden subsistir en las situaciones más adversas.
(The Twilight Saga: Breaking Dawn - Part 2, 2012)*
Dir: Bill Condon
Int: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner
Bella concluye su transformación en vampiro y ahora debe familiarizarse con su nueva condición. Con el nacimiento de Renesmee, la familia Cullen deberá protegerse ante la amenaza de los Volturi ya que existe una ley para los vampiros que prohíbe a todos los clanes convertir a niños, pues son difíciles de controlar y pueden generar auténticas masacres que pongan en peligro la secreta existencia de los vampiros... Segunda parte de la adaptación de "Amanecer" que supone la quinta entrega de la franquicia cinematográfica “Crepúsculo”, basada en las novelas de Stephenie Meyer. Guión de Melissa Rosenberg, la responsable en todas las entregas de la adaptación de las conocidas novelas. Es un auténtico misterio para mí, cómo un bodrio de semejantes proporciones ha podido generar tantos beneficios. Cuesta pensar que una historia tan patética, de adolescentes hormonados (paliduchos los vampiros y peludos los “esclavos”/ hombres lobo/ indios), defensores a ultranza de las más viejas y reaccionarias tradiciones (la familia, ante todo, lo sectario como apuesta inquebrantable), con un tono enfermizo a novela rosa, pensado y desarrollado para personas muy limitadas en su capacidad intelectual, haya podido cumplir con cinco entregas. Además, por si les quedan dudas, la realización ha sido siempre mediocre y los inevitables trucajes digitales, en algunas secuencias, provocan una hilaridad incontenible por su torpeza y mediocridad técnica. Lo dicho, un misterio también que nuestros y nuestras brillantes promesas de futuro (nuestros jóvenes adolescentes) hayan acudido en masa a contemplar esta “basura”, aunque quizá haya contribuido que estaba bien empaquetada y convenientemente esterilizada para consumo ¿humano?
La soledad de los números primos***
Dir: Saverio Costanzo
Int: Alba Rohrwacher, Luca Marinelli, Isabella Rossellini,
Arianna Nastro
En la escuela, Mattia había estudiado que entre los números
primos (los que sólo son divisibles por sí mismos o por la unidad) hay algunos
muy especiales, a los que los matemáticos llaman números primos gemelos: son
parejas de números primos que están casi juntos, pues entre ellos sólo se
interpone un número par. Son números como el 11 y el 13, el 17 y el 19, o el 41
y el 43. Mattia pensaba que Alice y él eran así, dos primos gemelos, solos y
perdidos, juntos pero no lo bastante para tocarse de verdad... Adaptación
cinematográfica del bestseller internacional "La soledad de los números
primos", de Paolo Giordano, realizada con solidez por el realizador, también italiano, Saverio Costanzo. Historia de gran dureza, quizá no demasiado verista, pero que termina por ganarse a los espectadores.
La vida de Pi (2012)****
Dir: Ang Lee
Int: Suraj Sharma, Irrfan Khan, Rafe Spall.
Tras un naufragio en medio del océano Pacífico, el joven indio Pi (Suraj Sharma), hijo de un propietario de un zoo que viajaba de la India a Canadá, se encuentra en un bote salvavidas con unos pocos supervivientes, entre los que se encuentra un tigre de bengala con quien labrará una emocionante, increíble e inesperada relación. Guión de David Magee según la novela del canadiense Yann Martel. Dirige el chino (de Taiwan) Ang Lee, realizador, en la mayoría de los casos, brillante y que se defiende bien en terrenos muy diferentes. La película y el libro son un bello ejercicio de cuento-fábula, con moraleja y hasta una doble interpretación de los hechos que protagonizó Piscine (Pi) Patel, original de Pondicherry (zona de la India colonizada por Francia). Cuatro actores interpretan a Pi desde su infancia a la madurez (Gautam Belur, Ayush Tandon, Irrfan Khan y Suraj Sharma) y sus dos naufragios. Ustedes deberán elegir cuál de las dos peripecias que nos narran (y que nos cuenta un Pi ya en la madurez) en el film es más verosímil. Esta película, pensada para un público amplio, ha logrado plantear preguntas trascendentes sobre el sentido de la vida y además con un fino sentido de la ironía. Hacía mucho tiempo que el cine de entretenimiento no se planteaba metas semejantes. No deberían perdérsela. Es indiferente si la ven en 3D o en un formato más convencional, deben abrir sus mentes y dejarse llevar a este naufragio en compañía de un tigre de Bengala, encontrarse con islas fantásticas y contemplar el terrible y a la vez bello espectáculo del mar eterno.
Las flores de la guerra (Flowers Of War) (Jin Ling Shi San Chai, 2011)***
Dir: Zhang
Yimou
Int: Christian Bale, Ni
Ni, Xinyi Zhang
En 1937, durante la segunda guerra chino-japonesa,
John (Christian Bale), un maquillador de cadáveres, llega a una iglesia
católica de Nankín para preparar al párroco antes de su entierro. Las terribles
acciones del ejército invasor japonés lo convierten a su pesar en protector de
las alumnas de un convento y las prostitutas de un burdel cercano. Será
entonces cuando descubra qué significan el sacrificio y el honor. Película de
especial crudeza, cuyo tema, las terribles matanzas sucedidas en Nankín, ya
había sido tratado con brillantez en otra película china: “Ciudad de vida y
muerte” (2009) de Lu Chuan. El chino Zhang Yimou, apoyándose en el guión de Liu
Heng que adapta la novela de Yan Geling titulada ‘Las 13 mujeres de Nankín’,
apuesta por una de las múltiples historias que sucedieron en aquellos terribles
días.
Las sesiones (2012)***
Dir: Ben Lewin
Int: John Hawkes, Helen Hunt, William H. Macy.
Mark O'Brien (John Hawkes), un poeta y periodista que vive con un pulmón artificial, a los 36 años decide que ya es hora de perder la virginidad. Con la ayuda de su terapeuta y la orientación de un sacerdote (William H. Macy), se pone en contacto con una profesional (Helen Hunt) que intentará que alcance la edad adulta. Ben Lewin, comenzó a dirigir a mediados de los años 70 y ha hecho también su carrera en TV como guionista y director. Su última dirección de un filme de ficción fue “Golpe de suerte” (1994). En "Las sesiones" ha escrito el guión y ha dirigido con sobriedad, potenciando el sentido del humor y obteniendo un trabajo excelente de un reparto de lujo que es muy probable que obtenga candidaturas para los Premios Oscar. Afortunadamente el lado dramático de esta "historia verdadera" está llevado con el suficiente tacto como para que el resultado final sea una película inteligente y absolutamente recomendable. Eso sí, se ha renunciado a una puesta en escena espectacular y elegido un estilo contenido y sobrio que espero sea más una decisión de estilo que una cuestión de incapacidad...
Lincoln (2012)****
Dir: Steven Spielberg
Int: Daniel Day-Lewis, Sally Field, Tommy Lee Jones
En 1865, mientras la Guerra Civil Americana se acerca a su fin, el presidente Abraham Lincoln propone la instauración de una enmienda que prohíba la esclavitud en los Estados Unidos. Sin embargo esto presenta un gran dilema: si la paz llega antes de que se acepte la enmienda, el Sur tendrá poder para rechazarla y mantener la esclavitud; si la paz llega después, cientos de personas seguirán muriendo en el frente. En una carrera contrarreloj para conseguir los votos necesarios, Lincoln se enfrenta a la mayor crisis de conciencia de su vida. Y Spielberg se dedica a contarnos con todo lujo de detalles lo que supuso esa disputa política, ética y legal. Se hace evidente, para todos, que la minuciosa reconstrucción del momento histórico busca, en realidad, decirnos que, justo entonces, se estaban poniendo las bases de un sistema político, casi perfecto (según Estados Unidos), que con el tiempo ha hecho posible que un negro, descendiente de aquella población esclavizada, alcance la máxima responsabilidad y poder al frente del país. Cierto que ha tenido que ser en el siglo XXI, pero quedan justificados los años transcurridos, los derramamientos de sangre, la guerra civil y los problemas de conciencia iniciales de una sociedad casi perfecta (según los norteamericanos) que ahora está más justificada que nunca para seguir dominando el mundo. Al margen de esta superficial idea (latente en todo momento en el film), hay que decir que Spielberg ha logrado uno de sus filmes más sobrios y maduros de su carrera y ha huido intencionadamente del espectáculo gratuito. Ha sabido extraer de todos sus actores momentos estelares y encontrar la necesaria acción, en la compleja búsqueda de votos (con medios tan ilegales como el soborno, todo hay que decirlo). Además hay momentos para la emotividad (siempre contenida), entre los que destaca una secuencia mano a mano entre Lincoln (Daniel Day-Lewis) y Elizabeth Keckey (Gloria Reuben), la "dama de compañía" negra su esposa, en el que se nos pide (y se intenta demostrar) que para que las decisiones política funcionen tienen que ser apasionadas y valorar la terrible experiencia de los afectados (en este caso la población negra) de llevar hasta el final lo que sin duda es radicalmente justo. La controversia política, los airados debates y la difícil situación familiar de Lincoln (mujer e hijos) de fondo, completan el brillante cuadro.
Dir: Rian Johnson
Int: Joseph Gordon-Levitt, Bruce Willis, Emily Blunt
Los
amantes pasajeros (2013)**
Dir: Pedro
Almodóvar
Int: Javier Cámara, Carlos
Areces, Cecilia Roth
Un grupo de variopintos pasajeros viaja
a Ciudad de México en un avión con una tripulación de lo más excéntrica.
Durante el vuelo, un grave problema hace que los pasajeros, al verse inevitablemente
al borde de la muerte, se sientan inclinados a revelar los asuntos más íntimos
de su vida. Esta situación de catarsis, desarrollada en tono de comedia
desaforada y moral, les ayuda a olvidar la angustia del momento y a enfrentarse
al mayor de los peligros, el que cada uno lleva dentro de sí mismo. Una gran decepción.
Aunque pienso que volverá por los fueros de madurez, equilibrio y buen hacer que le caracterizaban, en
próximos proyectos. Este largometraje del director manchego Pedro Almodóvar supone una regresión hacia sus zafios inicios en el mundo del cine. Está, en efecto, repleto de un
humor facilón (y “vacilón”) y de guiños a sus queridos y fieles fans, de los que está obteniendo las suficientes y necesarias recaudaciones. De verdad, sólo parece una excusa "facilona" para obtener dinero (ésto, en realidad, no está nada mal, pero en ocasiones para ello hay que sacar adelante una película ridícula y lamentable).
Los miserables (2012)****
Dir: Tom Hooper
Int: Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway
Nueva adaptación de la novela homónima de Victor Hugo, a partir de una exitosa versión musical para el teatro (con libreto de Claude-Michel Schömberg y Alain Boublil y canciones de Herbert Kretzmer). Guión de William Nicholson. El expresidiario Jean Valjean (Hugh Jackman) es perseguido durante décadas por el despiadado policía Javert (Russell Crowe). Cuando Valjean accede a cuidar a Cosette, la joven hija de Fantine (Anne Hathaway), sus vidas cambiarán para siempre. El británico Tom Hooper se ha atrevido con la compleja adaptación de este musical, ya legendario, con un reparto difícil de superar y una puesta en escena espectacular. Y el resultado es una puesta en escena llena de virtuosismo, y una entrega por parte de los actores digna de destacarse. En estos espectáculos es importante que los actores, aunque no sean grandes cantantes, se entreguen con pasión a sus personajes. Y éste ha sido el caso. La entrega, como protagonistas, de Jackman, Crowe y Hathaway puede disfrutarse al máximo. Y Hooper, el director, ha sabido aprovecharse de las rotundas interpretaciones, jugando con agilidad con sus poderosos rostros contorsionados por la pasión y el dolor; y con los espectaculares decorados. ¡Viva la revolución!
Mamá (2013)**
Dir: Andrés Muschietti
Int: Jessica Chastain, Nikolaj Coster-Waldau, Megan Charpentier.
Hace cinco años, el mismo día en que su madre fue asesinada, Victoria y Lilly desaparecieron en el bosque. Buscadas incansablemente por su tío Lucas (Nikolai Coster-Waldau) y su novia Annabel (Jessica Chastain), mucho tiempo después fueron rescatadas. Comienzan entonces una nueva vida de la mano de Annabel, pero pronto descubren que alguien o algo misterioso las sigue arropando por las noches. Guión de Andrés Muschietti, Neil Cross y Barbara Muschietti. Guillermo del Toro avaló esta historia que el propio Andrés Muschietti ya había dirigido en un cortometraje de 2008, filmado en Barcelona. Y, ciertamente, consiguen producir varios e inquietantes escalofríos. Las presencias reales de las niñas "asilvestradas" y de su mamá de ultratumba logran, por momentos, imágenes de pesadilla. Pero lo que termina por aburrir y desesperar es lo mal que se ha desarrollado la historia. Tópico, tras tópico, la película va derivando hacia un final de fuegos de artificio, adobado con un barato sentimentalismo paterno filial. En fin, nada nuevo...
Dir:
Andrew Dominik
Int: Brad Pitt, Richard Jenkins, James Gandolfini
La mafia
se siente amenazada cuando unos desconocidos asaltan a los asistentes a una
partida de póker. Los capos acuden al "investigador" Jackie Cogan
(Brad Pitt) para encontrar a los culpables, responsables de una serie de robos
a casinos protegidos por los propios mafiosos. Sin embargo, la misión de Cogan
se complica entre indecisos, estafadores de segunda, asesinos cansados... y la
situación comienza a degenerar poco a poco. Novela de George
V. Higgins que el mismo Andrew Dominik ha adaptado para el cine. El
realizador neozelandés Andrew Dominik ya contó con Brad Pitt en "El
asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford" (2007), allí destacó
también el trabajo de Casey Affleck. Sin abandonar un peculiar estilo visual
que se recrea en la lentitud del plano y la precisión en el encuadre ha logrado
un filme duro, de serie negra que ha cuidado especialmente los diálogos
(siempre sazonados con un propósito irónico por los discursos de la campaña
electoral que llevó a Obama al poder) seguramente heredados de la novela
adaptada. Nada, pero que nada despreciable trabajo.
Un guión de Creighton Rothenberger
y Katrin Benedikt dirigido por el habitualmente eficiente Antoine Fuqua, todo
un especialista en el cine de acción. Tras un accidente de coche en el que sólo
consigue salvar la vida del Presidente Asher (Aaron Eckhart), el agente del
Servicio Secreto Mike Banning (Gerard Butler), decide dejar su puesto para trabajar en el Departamento del Tesoro. Pero,
cuando un comando norcoreano liderado por Kang (Rick Yune) ataca la Casa Blanca
y toma como rehenes al Presidente y a su equipo, Banning se verá obligado a
entrar de nuevo en acción. Es muy sorprendente como pueden degradarse un realizador (Fuqua) y un género (acción) con tal de conseguir un relativo éxito en taquilla. Viendo películas como esta, queda claro que sólo importa ganar dinero. Que ingenuidad tan grande, intentar buscar algo diferente (próximo a la calidad) en un cine que solo ofrece ritmo en las sobredimensionadas escenas de acción y que pasa de cualquier coherencia argumental. Qué más dará. A los espectadores parece que ya no les importa nada consumir basura. Una vez más, parece un juego para consola, y encima bastante malo...
Objetivo:
La Casa Blanca (Olympus
Has Fallen, 2013)*
Dir:
Antoine Fuqua
Un guión de Creighton Rothenberger
y Katrin Benedikt dirigido por el habitualmente eficiente Antoine Fuqua, todo
un especialista en el cine de acción. Tras un accidente de coche en el que sólo
consigue salvar la vida del Presidente Asher (Aaron Eckhart), el agente del
Servicio Secreto Mike Banning (Gerard Butler), decide dejar su puesto para trabajar en el Departamento del Tesoro. Pero,
cuando un comando norcoreano liderado por Kang (Rick Yune) ataca la Casa Blanca
y toma como rehenes al Presidente y a su equipo, Banning se verá obligado a
entrar de nuevo en acción. Es muy sorprendente como pueden degradarse un realizador (Fuqua) y un género (acción) con tal de conseguir un relativo éxito en taquilla. Viendo películas como esta, queda claro que sólo importa ganar dinero. Que ingenuidad tan grande, intentar buscar algo diferente (próximo a la calidad) en un cine que solo ofrece ritmo en las sobredimensionadas escenas de acción y que pasa de cualquier coherencia argumental. Qué más dará. A los espectadores parece que ya no les importa nada consumir basura. Una vez más, parece un juego para consola, y encima bastante malo...
-Aragonia, C. Augusta, C. Grancasa, Palafox,
Puerto Venecia, Yelmo-
Oblivion
(2013)***
Dir: Joseph Kosinski
Int: Tom Cruise, Nikolaj Coster-Waldau,
Morgan Freeman
Un guión de Joseph Kosinski,
William Monahan, Michael Arndt y Karl Gajdusek. Año 2073. Hace más de 60 años
la Tierra fue atacada; se ganó la guerra, pero la mitad del planeta quedó
destruido, y todos los seres humanos fueron evacuados. Jack Harper (Tom
Cruise), un antiguo marine, es uno de los últimos hombres que la habitan. Es un
ingeniero de Drones que forma parte de una operación masiva para extraer los recursos
vitales del planeta. Patrulla diariamente los cielos como parte de su misión, y
nada inusual sucede hasta que su vida da un cambio cuando rescata a una
desconocida mujer de una nave espacial. La llegada de esta joven desencadena
una serie de acontecimientos que lo obligan a cuestionar sus convicciones y lo
hacen responsable del destino de la humanidad. Kosinski
ya dirigió, con acierto, “TRON: Legacy” (2010) y ahora se enfrenta de nuevo a
una película de ciencia-ficción. El reto era mayor y en la resolución puramente
visual, de nuevo el trabajo ha sido un acierto. Las continuas referencias a
clásicos argumentos de la ciencia ficción (desde “El planeta de los simios”, a “La
guerra de las galaxias”, pasando por “2001”), la convierten en un filme
simpático para los fervientes seguidores del género, pero también en algo quizá
demasiado visto y convencional, sin verdaderas sorpresas.
On the Road (2012)*
Dir: Walter
Salles
Tras la muerte de su padre, Sal Paradise (Sam Riley), un neoyorquino
que aspira a ser escritor, conoce a Dean Moriarty (Garrett Hedlund), un
ex-presidiario de un encanto arrollador y casado con la liberada y seductora
Marylou (Kristen Stewart). Sal y Dean se hacen amigos al instante. Sedientos de
libertad y decididos a huir de la rutina y la monotonía, emprenden un viaje
hacia el Sur con Marylou. Adaptación de la novela homónima (1957) de Jack
Kerouac, obra clave de la generación "Beat", que describe un viaje
desenfrenado a finales de los años cuarenta. El
“puertoriqueño” José Rivera, habitual colaborador del brasileño Walter
Salles, ha escrito el guión y aunque en otras ocasiones encontró un tono adecuado (como en "Diarios de motocicleta" de 2004), aquí ha naufragado estrepitosamente al intentar trasladar una obra que, con los años, terminó en convertirse en una guía espiritual, en un modo de entender la vida. Nada, o muy poco de eso, hay en esta adaptación "desapasionada", que convierte "el viaje" en algo rutinario y poco atractivo. Ni la indudable belleza de Kristen Stewart, ni el atractivo de los jóvenes Garred Hedlund y Sam Riley, logran arrastrarnos hacia la pasión de las nuevas experiencias, y de las rupturas vitales que preconizaba Kerouac en "On the Road", la novela...
Operación E (2012)**
Dir: Miguel Courtois
Int: Luis Tosar, Martina García
El mundo entero espera que, gracias a una operación especial, las FARC liberen a un niño. Lejos de las cámaras, un campesino (Luis Tosar), para sobrevivir y mantener unida a su familia, lucha en solitario contra gobierno y guerrilla. Guión de Antonio Onetti, habitual colaborador en los filmes de Miguel Courtois, que ya viene demostrando que le gusta tocar temas polémicos en sus filmes de acción y denuncia política. Sirvan como ejemplo sus anteriores: “El Lobo” (2004) o “GAL” (2006). Lo mejor, el magnífico trabajo de Luis Tosar que sigue creciendo como actor en cada proyecto; lo peor como se va diluyendo la historia, como va perdiendo tensión e interés conforme la trama nos lleva hacia la resolución. Inspirada en hechos reales, nos hubiera gustado saber algo más del destino de la familia de José Crisanto (Luis Tosar), aunque sugerida queda en esta historia de un ser humilde, envuelto, con su familia, en las locuras de la guerra, el secuestro y la violencia.
Oz, un mundo de fantasía (Oz: The Great
and Powerful, 2013)**
Dir:
Sam Raimi
Int: James
Franco, Mila Kunis, Rachel Weisz
Recrea los orígenes del Mago de Oz. Oscar Diggs (James
Franco), un mago de circo de poca monta y de dudosa reputación, tiene que
abandonar la polvorienta Kansas y trasladarse al brillante País de Oz. Está
convencido de que a partir de ahora la fama y la fortuna le sonreirán. Pero,
cuando las brujas Theodora (Mila Kunis), Evanora (Rachel Weisz) y Glinda
(Michelle Williams) empiezan a dudar de su categoria como mago, entonces todo
serán problemas para él. Si quiere triunfar, tendrá que averiguar cuanto antes
quiénes son buenos y quiénes son malos. Oculta, tras los oportunos juegos de artificio, una cierta dignidad y un merecido homenaje a "El mago de Oz" de 1939, otro viejo filme que crece inconmensurablemente al compararse con la nueva y relamida interpretación que han construido Mitchell Kapner, David Lindsay-Abaire y a la que ha puesto imágenes el eficiente (habitualmente) Sam Raimi.
-C, Augusta, C. Grancasa, Puerto Venecia-
Reality (2012)***
Dir: Matteo Garrone
Int: Aniello Arena, Claudia Gerini, Ciro Petrone, Nunzia Schiano
Luciano (Aniello Arena) es un pescadero napolitano que complementa sus modestos ingresos con pequeños timos en los que colabora su mujer. Es un personaje extrovertido y simpático que no pierde ocasión de divertir con sus actuaciones a sus clientes y familiares. Un día, éstos lo convencen para que se presente a las pruebas del programa "Gran Hermano". Dentro de ese mundo, su percepción de la realidad empieza a cambiar. Un guión de Ugo Chiti, Matteo Garrone, Maurizio Braucci y Massimo Gaudioso. El romano Matteo Garrone, realizador de “Gomorra” (2008), extrema su discurso neo-neorealista, le añade unas gotas "fellinianas" y el peculiar ambiente napolitano y logra una sugerente película en la que llama la atención la frescura de los intérpretes, el éxito de "Gran Hermano" en Italia que se ha comido los míticos estudios de Cinecitta y lo pernicioso que puede resultar para la salud mental de cualquier ser humano que lo consuma. Visión agridulce que va mucho más allá que la simple comedia y una muestra de una cinematografía (la italiana) que sigue pasando desapercibida en España.
Esta vez no hay boda. No hay fiesta de
graduación. ¿Qué puede ir mal? Y la respuesta es que lo que ha salido rematadamente mal es la propia película. Estamos ante una comedia que no logra su principal propósito: hacernos reír. Tercera entrega de la franquicia iniciada en 2009 con
“Resacón en Las Vegas”. Hay que ganar dinero. A estas alturas todos sabemos ya que si no hay negocio no hay cine, así que... Nunca me gustó la primera entrega, pero había que reconocerle cierta habilidad al rodar las tonterías y barbaridades planteadas en su ¿argumento? A estas alturas, resulta muy difícil pensar que sea la última de la saga, aunque siempre queda la posibilidad de que el público medio adolescente despierte de su habitual letargo ante estos productos manufacturados por los norteamericanos y descubra que este subgénero comercial es simplemente "mierda", aunque eso sí, muy bien empaquetada...
-Aragonia, C. Augusta, C. Grancasa,
Palafox, Puerto Venecia, Yelmo-
Ruby Sparks (2012)***
Dir: Jonathan Dayton y Valerie Faris
Int: Paul Dano, Zoe Kazan, Antonio Banderas.
Salvajes (2012)***
Dir: Oliver Stone
Int: Taylor Kitsch, Blake Lively, John Travolta
Un guión de Shane Salerno, Don Winslow y Oliver Stone que adapta la novela de Don Winslow. Dos amigos de Laguna Beach, que comparten novia, se dedican al tráfico de drogas. Un cartel mexicano secuestra a la chica y les exige como rescate todo el dinero que han ganado durante los últimos cinco años. Aunque los jóvenes se muestran dispuestos a pagar, al mismo tiempo, idean un plan para rescatar a la chica y vengarse de sus secuestradores. Cine negro moderno, dirigido por Oliver Stone, un brillante realizador norteamericano que probablemente dio su "do de pecho" en la soberbia "JFK (Caso abierto)" (1991), y que, afortunadamente, lejos de sus obsesiones habituales (La guerra de Vietnan, Fídel Castro) ha recreado una historia a lo "Bonnie & Clyde", sólo que ahora son un trío al estilo de "Butch Cassidy and The Sundance Kid". Las dos historia estaban, seguro, en el sustrato de la novela de Winslow y en el guión. El trío de jóvenes actores protagonistas son Blake Lively ("O" de Ofelia), Taylor Kitsch ("Chon") y Aaron Taylor-Johnson ("Bud"). Los tres son guapos y resultones, pero tienen poca fuerza frente a las poderosas personalidades de los "malos" incorporados por Benicio del Toro ("Lado"), John Travolta ("Dennis") o Salma Hayek ("Elena, la reina"), que terminan por ser los auténticos protagonistas, aunque todos se muevan en el "lado oscuro".
Searching for Sugar Man (2012)****
Dir:
Malik Bendjelloul
Dos
sudafricanos se disponen a descubrir qué pasó con su improbable héroe musical,
el misterioso rockero de los setenta Sixto Rodríguez. El realizador, Malik
Bedjelloul, nació en Suecia y se ha
especializado en documentales de temática musical. Además, con este film ha
demostrado, que el cine documental si tiene pasión y un tema suficientemente
atractivo (aunque a priori este no lo parecía), puede lograr altas cotas de
calidad. Una cuidada puesta en escena que en ocasiones se sirve del cine de
animación, un planteamiento próximo al cine de suspense, ocultando y hasta
engañándonos en algunos aspectos vitales sobre el protagonista de la historia (Sixto
Rodríguez) y una poderosa y sentida historia “totalmente real”, nos aproximan a
una, en efecto, misteriosa personalidad que podemos ir reconstruyendo con
entrevistas, imágenes de archivo, hasta que…, descubrimos la verdad…
Dir: Mikael Håfström
Int: John
Cusack, Gong Li, Jeffrey Dean Morgan, Chow Yun-Fat
Años
cuarenta. En los meses previos al ataque japonés de Pearl Harbor, el agente
secreto Paul Soames (John Cusak) llega a Shanghai para investigar el asesinato
de su mejor amigo. Rápidamente se ve inmerso en una trama de conspiración y
mentiras. Acechado por un oficial de la inteligencia japonesa, la investigación
de Soames se centra rápidamente en un carismático gánster local, Anthony
Lan-Ting (Chow Yun-Fat), y en su hermosa mujer, Anna (Gong Li).Guión de Hossein
Amini. El sueco Mikael Håfström realizó este film justo antes de
“El rito” (2011) y ciertamente le habría hecho falta más dominio del género.
Película que quiere compararse, sin lograrlo, con las mítica
"Casablanca" y "El tercer hombre". Los actores parecen
bastante despistados en medio de unas situaciones con las que no parecen tener
mucho que ver y como en las peores pesadillas cinéfilas todo se soluciona
mediante la acumulación de escenas. Nada fluye en esta desaprovechada
reconstrucción del Shanghai de los años cuarenta. El torpe doblaje no ayuda
precisamente, en una trama en la que, aunque predominando el inglés, los
idiomas chino y japonés deberían jugar un papel dramático importante.
Sinister (2012)**
Dir: Scott Derrickson
Int: Ethan Hawke, Vincent D'Onofrio, James Ransone
Skyfall (2012)***
Dir: Sam Mendes
Int: Daniel Craig, Judi Dench, Javier Bardem
Cuando India Stoker (Mia Wasikowska),
una adolescente algo excéntrica, pierde a su padre (Dermot Mulroney) en un
trágico accidente de coche el día en que cumple 18 años, su vida se hace
añicos. El impasible comportamiento de India oculta profundos sentimientos que
sólo su padre comprendía. Cuando Charlie (Matthew Goode), el hermano de su
padre, aparece por sorpresa en el funeral, decide hacerse cargo de ella y de su
inestable madre (Nicole Kidman). Aunque al principio desconfía de su encantador
y misterioso tío, pronto se da cuenta de que tienen mucho en común. Debut en
EEUU del director coreano Park Chan-wook (director, entre otras de “Old Boy” en
2003), ilustrando un guión de Wentworth
Miller, más conocido por su trabajo como actor y que debuta como guionista con
esta historia. Este primer trabajo "americano" del coreano Park Chan-wook demuestra algo que ya sabíamos. Estamos ante un "fino estilista" que maneja con elegancia el retrato de la violencia y la crueldad extremas. A veces molestan las descaradas referencias al cine de Hitchcock (de las que puede sea culpable el guionista), y en otras la mala definición del personaje materno (Kidman), pero el conjunto es "agradablemente" inquietante. Asistimos al nacimiento de una bella e inexpresiva criatura que hará lo necesario para sobrevivir en un mundo, sin duda, cruel.
-Aragonia, Palafox-
Tabú (2012)**
Int: Teresa Madruga, Laura Soveral, Ana Moreira
Las protagonistas son una vieja y temperamental señora, su criada de Cabo Verde y una vecina entregada a causas sociales. Tras la muerte de la primera, las otras dos se enteran de un episodio de su pasado: una historia de amor, crimen y aventuras ambientada en África. Guión de Miguel Gomes y Mariana Ricardo. Es el tercer largometraje dirigido por el portugués Miguel Gomes y está claro que quiere seguir los paso de Manoel de Oliveira, el patriarca del cine portugués. El guión escrito junto a Mariana Ricardo, nos cuenta con un largo flash-back, construido con brillantes postales de África en blanco y negro, lo que oculta la personalidad de la vieja señora que nació y vivió su pasión en África. Muchos aspectos de la vida colonial portuguesa quedan reflejados con maestría, pero la propia virtud del planteamiento visual (las citadas postales en movimiento) estancan la historia, surcada cada cierto tiempo, por unos nativos (animales y humanos) que asisten con profundo desinterés a los vaivenes vitales de estos blancos que parecen fuera de lugar en tiempo y espacio.
Tesis sobre un homicidio (2013)*
Dir: Hernán A. Goldfrid
Int: Ricardo
Darín, Alberto Ammann, Arturo Puig
Roberto Bermúdez (Ricardo Darín), un abogado y
docente especialista en Derecho Penal, está convencido de que Gonzalo (Alberto
Ammann), uno de sus alumnos más brillantes, es el autor del brutal asesinato de
una chica cometido frente a la Facultad de Derecho. Decidido a revelar su
versión acerca del crimen, emprende por su cuenta una investigación que acabará
obsesionándolo. Guión de Patricio Vega, a
partir de la novela de Diego Paszkowski. Es el segundo largometraje del
realizador argentino Hernán A. Goldfrid y una vez más, en una película protagonizada por el soberbio Ricardo Darín, se corre el riesgo de anular al resto del reparto. No va muy lejos la trama de este filme que parece querer demostrar que desde Argentina, se puede elaborar un capítulo piloto de una nueva serie para la televisión norteamericana. El género policíaco-judicial-detectivesco lleva años de moda y parece que nadie quiere escapar a la oportunidad. Y lo que comentaba hace un momento, ¿dónde está el resto de los personajes? Están tan mal defendidos por los inanes Alberto Ammann y Calu Rivero, que terminan por diluirse en una sarta de tonterías, que se quieren culminar con un golpe de efecto final que cuando llega a nadie importa ya...
-Aragonia-
Londres,
años 50. En una sociedad puritana e intolerante, Hester Collyer (Rachel Weisz),
la mujer de un juez del Tribunal Supremo (Russell Beale), y un apuesto expiloto
de la RAF (Tom Hiddleston) viven un amor imposible. Con pocos largometrajes
este realizador inglés (nacido en 1945) se ha convertido en uno de los más
reconocidos a nivel crítico. Algunos de sus filmes (por ejemplo “Voces
distantes” de 1988) son considerados como obras maestras…Y su delicado estilo
"musical", templado, elegante refuerzan su personal visión de esta
obra teatral de Terence Rattigan, dramaturgo ingles que ha aportado unas
cuantas historias ("El caso Winslow" o "Mesas separadas",
entre otras muchas) al universo cinematográfico. Uno de los mayores atractivos del
filme es la sutil y brillante interpretación de Rachel Weisz, que está dando
los pasos necesarios para convertirse en una de las mejores actrices del cine
actual.
The Deep Blue
Sea (2011)***
Dir: Terence Davies
Int: Rachel Weisz, Tom Hiddleston, Simon Russell Beale
Londres,
años 50. En una sociedad puritana e intolerante, Hester Collyer (Rachel Weisz),
la mujer de un juez del Tribunal Supremo (Russell Beale), y un apuesto expiloto
de la RAF (Tom Hiddleston) viven un amor imposible. Con pocos largometrajes
este realizador inglés (nacido en 1945) se ha convertido en uno de los más
reconocidos a nivel crítico. Algunos de sus filmes (por ejemplo “Voces
distantes” de 1988) son considerados como obras maestras…Y su delicado estilo
"musical", templado, elegante refuerzan su personal visión de esta
obra teatral de Terence Rattigan, dramaturgo ingles que ha aportado unas
cuantas historias ("El caso Winslow" o "Mesas separadas",
entre otras muchas) al universo cinematográfico. Uno de los mayores atractivos del
filme es la sutil y brillante interpretación de Rachel Weisz, que está dando
los pasos necesarios para convertirse en una de las mejores actrices del cine
actual.
The Master (2012)**
Dir: Paul Thomas Anderson
Int: Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams
Drama sobre la Iglesia de la Cienciología, o al menos inspirado en el origen y funcionamiento de esa secta religiosa. Lancaster Dodd (Seymour Hoffman), un intelectual brillante y de fuertes convicciones, crea una organización religiosa que empieza a hacerse popular en Estados Unidos hacia 1952. Freddie Quell (Joaquin Phoenix), un joven vagabundo, se convertirá en la mano derecha de este líder religioso. Sin embargo, cuando la secta triunfa y consigue atraer a numerosos y fervientes seguidores, a Freddie le surgirán dudas. Ha escrito el guión y ha dirigido Paul Thomas Anderson, que se está confirmando como uno de los realizadores norteamericanos más originales con filmes como “Magnolia” (1999) o “Pozos de ambición” (2007). Y Paul Thomas Anderson volvió a ser fiel a su estilo simbólico, en el que los "lentos" planos secuencia y algunos poderosos primeros planos nos van introduciendo con parsimonia en las historias de los protagonistas. Tienen un gran peso los personajes interpretados por Philip Seymour Hoffman y Joaquin Phoenix, y los dos ejecutan trabajos de una gran brillantez. Podría decirse que si existe alguna razón para ver esta película sería dejarse llevar por sus inquietantes trabajos. Personajes, los dos, próximos a la locura, logran transmitirnos el aire enrarecido que deben tener algunos comportamientos sectarios. Simbolizando uno, al iluminado -Lancaster Dodd- y el otro, al seguidor esperanzado y progresivamente decepcionado (Freddie Quell). Sigue siendo un misterio como algunos grandes mentirosos, logran una y otra vez atraer a tanta gente hacia sus perversiones y cómo adquieren un poder y una trascendencia, difíciles de concebir en sociedades ¿desarrolladas?
The Trip
(2010)***
Dir: Michael Winterbottom
Int: Steve Coogan, Rob Brydon, Claire Keelan, Margo Stilley
Un conocido y prestigioso actor (Steve Coogan) es seleccionado por "El Observador" para recorrer los mejores restaurantes del país, lo que le permitiría hacer un estupendo viaje con su novia. Pero, cuando ella lo abandona, no tiene más remedio que conformarse con la compañía de un extravagante amigo, también actor, Rob Brydon. El filme es toda una excusa para movernos por algunos de los restaurantes selectos del norte de Inglaterra, y la sorpresa es que, en realidad, poco o nada se habla de gastronomía y que los actores se incorporan a sí mismos, viajamos con y junto a ellos. Para amenizar “The Trip” Rob Brydon se dedica a imitar a otros conocidos actores del ámbito anglosajón, y poco a poco entra en el mismo juego Steve Coogan. Lo cierto es que ese juego puede resultar especialmente irritante para los que no acepten el peculiar sentido del humor inglés (y encima con continuas referencias cinéfilas), pero los que lo soporten, se encontraran además con una especial capacidad para encontrar entre las mil una payasadas (verbales) retazos de desnudo emocional y vital de una especial fuerza (especialmente en el caso de Coogan). Michael Winterbotton es un realizador inglés muy prolífico y difícil de clasificar, capaz de realizar magníficos documentales, series para televisión, cine de ficción de tono intimista y romántico o cine de género; o, incluso, de fusionar todos los géneros y formatos.
To
the Wonder (2012)**
Dir: Terrence Malick
Int: Ben Affleck, Olga Kurylenko, Rachel
McAdams, Javier Bardem.
Neil (Ben Affleck) es un personaje
frustrado por su desagradable oficio y por el compromiso amoroso y que está "atrapado" entre dos mujeres, con la bella Marina (Olga Kurylenko) y con Jane (Rachel McAdams). Ni
siquiera la ayuda del padre Quintana (Javier Bardem), un párroco frustrado,
evita que los cónyuges empiecen a buscar relaciones fuera del matrimonio.
Mientras la tensa relación de la pareja empieza a afectar a su hija. Después de
“El árbol de la vida” (2011) ha confirmado el norteamericano Terrence Malick, si no lo estaba ya, su fama de
director controvertido, con un inimitable estilo personal, más cercano a lo
poético que a lo narrativo. Este es su último trabajo y todavía ha llevado más
lejos su modo de ¿narrar?, elíptico, desvaído y mareante. Está claro que el
director es la estrella y su vacilante mirada se recrea, de vez en cuando, en
bellos paisajes de los que intenta extraer la espiritualidad necesaria para
elevarse desde el más absoluto vacío. Historia simple, intento de trascendencia
inútil y un ego excesivo por parte de un director que parece que poco o nada
tiene que aportar a la historia del cine…, por muy elípticas y bamboleantes que
sean sus secuencias.
Todo es silencio (2012)*
Dir: José Luis Cuerda
Int: Quim Gutiérrez, Miguel Ángel Silvestre, Celia Freijeiro
Años 70. En Noitía, un pueblo de la costa atlántica gallega, viven Fins (Quim Gutiérrez) y Brinco (Miguel Ángel Silvestre), dos adolescentes que mantienen una relación de amistosa rivalidad en medio de la cual se encuentra Leda (Celia Freijeiro), una chica algo mayor que ellos. La joven elige a Fins y lo arrastra en la búsqueda de los tesoros que los naufragios arrojan a las playas. Su relación se interrumpe bruscamente cuando Fins se va del pueblo, tras la muerte de su padre mientras pescaba con dinamita. Cuando veinte años después, Fins vuelve convertido en policía, comprueba que todo ha cambiado en Noitía: el tradicional contrabando de tabaco ha sido sustituido por el narcotráfico, que está bajo el control del cacique local (Juan Diego), cuyo lugarteniente es Brinco, que, además, ha tenido un hijo con Leda. Fins someterá a la pareja a una vigilancia, en la que se entremezclan el cumplimiento del deber con viejos sentimientos. Guión de Manuel Rivas, que adapta su propia novela. Y uno de los más tristes fiascos que yo recuerdo. Está claro que no debemos ilusionarnos con las glorias del pasado de algunos directores. Es el caso de José Luis Cuerda, brillante en "La lengua de las mariposas" (1999) o "El bosque animado"(1987) y que, ahora, con su veterania, en lugar de mejorar parece haber perdido todo su pulso narrativo. El mediocre trabajo interpretativo de Quim Gutiérrez, Miguel Ángel Silvestre y Celia Freijeiro, tampoco ayuda...
Dir: Ana
Piterbarg
Int: Viggo
Mortensen, Soledad Villamil, Daniel Fanego
Tras
vivir algunos años en Buenos Aires, Agustín (Mortensen) vive desesperado y
obsesionado con la idea de abandonar para siempre su frustrante vida en esa
ciudad. Después de la muerte de Pedro, su hermano gemelo, Agustín se dispone a
empezar una nueva vida asumiendo la identidad de su hermano y retornando a la
misteriosa región del Delta del Tigre, donde transcurrió la infancia de ambos.
Sin embargo, poco tiempo después de su regreso, Agustín se ve involuntariamente
implicado en el peligroso mundo criminal del que su hermano había formado
parte. Hasta esta película Ana Piterbarg sólo había dirigido trabajos para la
televisión (sobre todo series), y yo, al menos, no conocía nada de su estilo.
Película dura como la trama, pensada para el lucimiento de Viggo Mortensen, con
un doble personaje (también es el hermano gemelo Pedro) que soluciona este
eficiente actor, nacido en Estados Unidos, de origen danés y educación
argentina. Por una vez no tiene que ocultar su marcado acento en español.
Dir: Thierry Binisti
Int: Agathe Bonitzer, Mahmoud Shalaby, Hiam Abbass
Tal
(Agathe Bonitzer) es una joven francesa que vive en Jerusalén con su familia.
Tras la inmolación de un terrorista en un café del barrio donde vive, Tal
escribe una carta a un palestino imaginario en la que le plantea preguntas y
expresa su contundente rechazo al odio que hay entre los dos pueblos. Mete la
carta en una botella y le pide a su hermano que la tire al mar cerca de Gaza,
donde él cumple el servicio militar. Unas semanas más tarde, Tal recibe la
respuesta de un misterioso 'Gazaman'. Binisti es un realizador francés con una
larga experiencia en la televisión. En realidad, para la gran pantalla es su
segundo largometraje. Es un trabajo refrescante sobre un tema complejo, aunque
en el fondo intenta hablarnos de ese poderoso sentimiento que es el amor. Una
historia de amor surgida de la nada, pura, en la distancia física y facilitada
por ese viejo sistema de comunicación ("el mensaje en la botella") y
las nuevas tecnologías de internet. Los dos amantes están al mismo tiempo cerca
y muy lejos. Literalmente son muros de hormigón los que los separan...Retrato
preciso y sencillo; y como decía al principio refrescante. ¡Vemos tan poco cine
francés!
Una pistola en cada mano (2012)**
Dir: Cesc Gay
Int: Ricardo Darín, Luis Tosar, Javier Cámara.
Comedia sobre las carencias y debilidades de los hombres de hoy que parecen haber perdido la identidad. A pesar de tenerlo todo, J. (Leonardo Sbaraglia) está deprimido y es carne de psicoanalista. En cambio, E. (Eduard Fernández) vive apaciblemente a pesar de haber tenido que volver a casa de su madre sin más posesión que un gato. S. (Javier Cámara) intenta volver con su mujer (Clara Segura) dos años después de su ruptura. G. (Ricardo Darín) recurre a los ansiolíticos para intentar comprender por qué su mujer tiene una aventura. P. (Eduardo Noriega) pretende seducir a su compañera Mamen (Candela Peña). María y Sara (Leonor Watling y Cayetana Guillén Cuervo) intercambian a sus maridos (Jordi Mollà y Alberto San Juan) con el fin de descubrir sus intimidades. L. (Luis Tosar) llama a su amante por el nombre de su perro. Una radiografía de la vida amorosa de ocho hombres de hoy. Un repaso, también, al estado de forma de algunos de los mejores actores (y actrices) del cine español reciente. Es el sexto largometraje del eficiente guionista y realizador catalán Cesc Gay. Por cierto, el guión escrito por él y Tomàs Aragay (su habitual colaborador), no está a la altura de la brillante "En la ciudad" (2003), en la que el hilvanado de tramas y personajes resultaba de una elegancia y perfección perdidos en "Una pistola en cada mano", que parece terminada con un trazo más grueso, menos sutil.
Vacaciones en el infierno (Get the Gringo, 2012)***
Dir: Adrian Grunberg
Int: Mel Gibson, Kevin Hernández, Daniel Giménez Cacho
Un guión escrito por el mismísimo Mel Gibson, Adrian Grunberg y Stacy Perskie. Después de ser capturado por las autoridades mexicanas, un criminal (Mel Gibson) va a parar a una terrible prisión, donde aprenderá a sobrevivir gracias a su innata habilidad para la supervivencia del delincuente norteamericano (no hay que olvidar que Gibson es en sí mismo todo un personaje que contagia a sus creaciones y está claro para él que el más tonto de los "yankees" vale mil veces más que un mexicano) y a la ayuda de un niño de nueve años mexicano. Producida por Mel Gibson y, en parte, escrita por él, está concebida fundamentalmente para su lucimiento, como no podía ser de otro modo. Es el debut en la dirección de un ya experto ayudante de dirección al servicio de Oliver Stone, Alex de la Iglesia, Alejandro González Iñárritu, Steven Soderbergh, Peter Weir oTony Scott y que demuestra tener oficio y poca o ninguna personalidad, pero se le pedía oficio, es decir ritmo, soltura en el relato de las peripecias y es cierto que lo ha conseguido. Me pregunto durante cuanto tiempo logrará mantenerse en forma el "Letal" Mel Gibson (nacido en 1956).
Volver a nacer (2012)***
Dir: Sergio Castellitto
Int: Penélope Cruz, Emile Hirsch, Pietro Castellitto.
Una mujer soltera regresa a Sarajevo 16 años después del asedio que sufrió la ciudad durante la guerra de los Balcanes. Vuelve con su hijo adolescente, que nunca llegó a conocer a su padre. Guión de Sergio Castellitto y Margaret Mazzantini, según su propia novela. Cuarto largometraje, como realizador, del conocido y prolífico actor italiano Sergio Castellitto. Ya había dirigido a Penélope Cruz en “No te muevas” (2004) y desde luego quedó satisfecho. De nuevo cuenta con ella y la actriz española asume el personaje con gran calidad (aunque recomiendo que no vean la versión doblada, ya que hace desmerecer en especial el trabajo de Penélope Cruz) y la historia que parece ir por derroteros simplemente románticos, termina por adquirir un vuelo dramático y de responsabilidad histórica, que transforman el conjunto del film en una triste e inteligente reflexión sobre la reciente historia de Europa, en uno de sus episodios más tristes. Las pequeñas historias de Gemma, Diego, Aska, Gojco y Pietro podrían haber sido las nuestras y terminan siendo la "gran" historia de la vida, con todos sus alegrías y pesares...